La 12 martie 1839 a apărut fusta de balet. Maria Taglioni, care a interpretat rolul lui La Sylphide în producția cu același nume, a apărut pe scena din Paris în această ținută. Fusta de balet, care este o fustă pufoasă cu mai multe straturi, a creat o adevărată senzație. De-a lungul timpului, acest costum special a devenit tradițional pentru balerini.

Cum se îmbrăcau balerinii înainte de apariția fustei de balet.

O balerină în mintea oricărei persoane este cu siguranță reprezentată într-o fustă de balet. Acest costum de scenă a devenit parte integrantă a baletului clasic. Cu toate acestea, acesta nu a fost întotdeauna cazul. Aspect modern balerinii, înainte de a se forma definitiv, au suferit multe schimbări și au parcurs un drum lung.

Mulți pot fi surprinși, dar până în a doua jumătate a secolului al XIX-lea balerinii au evoluat pe scenă pur și simplu în rochii elegante, care se deosebeau puțin de cele în care veneau spectatorii. Era o rochie cu corset, ceva mai scurtă decât de obicei, destul de voluminoasă. Balerinii au jucat întotdeauna în tocuri. Ponderea balerinelor a fost ușurată puțin de noua modă pentru antichitate. Apropo, subiectele mitologice au început să fie folosite în balet, de exemplu, „Cupidon și Psihicul”. Doamnele au început să poarte rochii aerisite, translucide, cu talie înaltă. Au fost chiar ușor umezite, astfel încât materialul să se potrivească mai bine corpului. Purtau colanti sub rochii si sandale in picioare. Dar cu timpul, tehnica balerinelor s-a complicat și au fost necesare haine mai ușoare pentru scenă. Mai întâi, primas au abandonat corsetele, apoi și-au scurtat fustele, iar rochia în sine a început să se potrivească ca o a doua piele.

Cine a inventat pachetul?

Maria Taglione a apărut pentru prima dată în fața publicului într-o fustă de balet la 12 martie 1839. În această zi a avut loc premiera filmului La Sylphide, în care balerina a jucat rolul principal al unei zâne. Pentru un astfel de rol era necesară o ținută adecvată. A fost inventat pentru fiica sa de Filippo Taglioni. Potrivit unei versiuni, imboldul pentru crearea a ceea ce a devenit mai târziu haine de balet clasice a fost figura incomodă a Mariei. Pentru a ascunde defectele, Taglioni a venit cu o rochie care a conferit întregului aspect eroinei aerisire și grație. Rochia a fost creată după schițele lui Eugene Lamy. Apoi fusta a fost făcută din tul. Adevărat, în acele vremuri fusta de balet nu era deloc atât de scurtă ca acum. Următoarea „transformare” a pachetului a avut loc puțin mai târziu. Dar chiar și o astfel de ținută modestă a fost inițial întâmpinată cu ostilitate de lumea baletului. Fusta de balet nu era mai ales pe gustul balerinelor cu picioare nu foarte frumoase. Dar încântarea publicului și a criticilor de artă, care admirau aerisirea dansatorilor, nu a cunoscut limite. Haita a jucat un rol important în acest sens. Așa că acest costum a prins, și apoi a devenit un clasic.

Apropo, există o legendă despre Maria Taglioni. Când a trecut granița cu Rusia, vameșii au întrebat-o dacă poartă bijuterii. Apoi balerina și-a ridicat fusta și și-a arătat picioarele. Maria a fost prima care a mers pe vârfuri.

Maria Tiglioni în baletul „Zefir și Flora”. Așa arăta primul pachet, acum se numește „chopinka”

Cum a prins haita în Rusia.

Rusia țaristă s-a remarcat prin conservatorism și nu a acceptat imediat noul produs. Acest lucru s-a întâmplat doar o jumătate de secol mai târziu. Dar la noi haita s-a schimbat din nou. Inovatorul a fost prima Teatrul Bolșoi Adeline Jury la începutul anilor 1900. Persoanei capricioase nu i-a plăcut fusta lungă în care trebuia să pozeze pentru fotografi. Balerina a luat pur și simplu foarfecele și a tăiat o bucată decentă din tiv. De atunci, a existat o modă pentru pachetele scurte.

Cum altfel s-a schimbat pachetul?

Deși de la începutul secolului al XX-lea fusta de balet a căpătat forma și aspectul pe care le cunoaștem până în zilele noastre, am experimentat mereu cu ea. În producțiile lui, de exemplu, Marius Petipa, balerina s-ar putea schimba în costume de diferite stiluri. În unele scene a apărut într-o rochie „civilă” obișnuită, iar pentru piese solo și-a îmbrăcat o fustă de balet pentru a-și demonstra toate abilitățile și talentul. Anna Pavlova a jucat într-o fustă lungă și largă. În anii 30-40 a revenit pe scenă fusta de balet din secolul al XIX-lea. Abia acum a fost numit diferit - „shopenka”. Și totul pentru că așa i-a îmbrăcat Mikhail Fokine pe dansatorii în Chopiniana lui. Alți regizori au folosit în același timp o fustă de balet scurtă și pufoasă. Și din anii 60, pur și simplu s-a transformat într-un cerc plat. Ei decorează pachetul cu orice: strasuri, margele de sticlă, pene, pietre pretioase.

Din ce sunt făcute pachetele?

Tutu-urile de balet sunt cusute din țesătură translucidă ușoară - tul. În primul rând, designerii creează o schiță. Desigur, trăsăturile figurii fiecărei balerine sunt luate în considerare și, prin urmare, fiecare dansatoare are propria ei schiță de rochie. Lățimea fustei de balet depinde de înălțimea balerinei. În medie, raza sa este de 48 cm. În continuare, croitorele se pun la treabă. Aceasta este o muncă minuțioasă, deoarece meșteșugarii trebuie să așeze faldurile țesăturii într-un anumit fel. Un pachet necesită mai mult de 11 metri de tul. Este nevoie de aproximativ două săptămâni pentru a produce un pachet. Cu toată varietatea de modele, există reguli stricte de cusut. De exemplu, fustele de balet nu sunt niciodată cusute cu fermoare sau nasturi, care s-ar putea desprinde în timpul unui spectacol. Numai cârligele sunt folosite ca elemente de fixare, dar într-o secvență strictă, sau mai degrabă, într-un model de șah. Și uneori, dacă producția este deosebit de complexă, fustele de balet sunt cusute manual pe dansatoare înainte de a urca pe scenă.

Ce fel de pachete există?

Pachetul are multe nume. Așadar, dacă auziți cuvintele „tunic” sau „tutu” undeva, știți: înseamnă același pachet. Să ne dăm seama acum ce tipuri de pachete există.

Fusta de balet clasică este o fustă în formă de clătită. Apropo, soliştii sunt direct implicaţi în crearea costumului lor. Pot alege forma unei fuste de balet, care poate fi paralelă cu podeaua sau cu o fustă puțin coborâtă.

Cosez și o „chopinka”, o fustă lungă, din tul. Această formă de fustă este foarte bună pentru a crea personaje mitice sau creaturi neînsuflețite. Avantajul acestei ținute este că ascunde genunchii insuficient tonifiați și alte imperfecțiuni, dar atrage atenția asupra picioarelor.

Un alt tip de rochie care nu iese din uz de balet este tunica. Fusta lui este într-un singur strat, este adesea cusută din șifon. În această rochie este interpretat rolul Julietei.

Repetiție generală a baletului „Onegin” de John Cranko

De ce sunt necesare tutu-uri în timpul repetițiilor?

Pentru repetițiile spectacolelor de balet, fustele de balet sunt cusute separat. Sunt mai ușor de pus și de scos decât cei pe care balerinii le poartă pe scenă. Astfel, toate părțile unui costum de scenă pot fi cusute împreună, în timp ce pentru repetiții nu este nevoie de corset, ci se folosește doar o fustă cu chiloți. În plus, fustele de balet pentru repetiții nu au atât de multe straturi. O fustă de balet este absolut necesară pentru repetiție. La urma urmei, dansatorii trebuie să vadă imediat unde va sta fusa de balet în cale, unde se poate urca sau poate fi atinsă de un partener. Și regizorul va putea modela modelul de dans.

Unde se folosește o fustă de balet?

Fusta de balet a devenit atât de ferm stabilită încât este folosită nu numai pe scena de balet. Adevărat, în afara ei, fusta de balet este folosită pentru spectacole comice ale artiștilor pop și chiar la circ.

În jurul vârstei de cinci ani, m-am hotărât ferm să devin balerină: ce fetiță nu este atrasă de frumoasele fuste pufoase, de coroanele de prințesă și de pantofii din satin care îi permit să fluture pe scenă ca un fluture? Cu toate acestea, când am trecut prima dată pragul unui curs de balet, s-a dovedit că pantofii îmi uzează picioarele până când sângerează, coroanele și fustele nu se dau tuturor imediat și va trebui să lucrez la bară tot timpul. Apoi mi-am dat seama că nu totul este atât de frumos și fascinant pe cât pare la prima vedere. Adevărat, acest lucru cu siguranță nu se aplică la nimic altceva decât un costum de balet. Nu am purtat nimic mai frumos decât o fustă de balet în viața mea!

Când vorbim despre o fustă de balet, este destul de dificil să nu intri în istorie. Voi încerca să fiu scurt.

Istoria costumului de balet este destul de logică. Când minuetele lente dominau scena, costumele erau lungi, grele, brodate cu pietre prețioase, cu multe fuste și juponuri. Pe măsură ce dansul a devenit mai complex, costumul a evoluat în consecință. La început, corsetele au fost îndepărtate, fustele au devenit mai scurte și mai ușoare, iar decolteurile au devenit mai revelatoare.

Pentru prima dată în ceea ce se numește acum „fustă de balet”, balerina Maria Taglioni, prima Sylphide și precursoarele „baletului romantic”, a zburat pe scenă (*Taglioni este cunoscută și pentru faptul că a fost prima balerină în lume să poarte pantofi vârfuri, dar mai multe despre asta în următoarea dată).

O fustă de tifon, nemaivăzută până acum, țesută aparent din aer, a legitimat costumul de balet. La început, dansatorii (în special cei cu picioare urâte strâmbe) chiar au protestat violent împotriva inovațiilor, dar apoi s-au liniștit - acest nor aerisit arăta foarte frumos.

În general, după cum înțelegeți, cu cât dansul devenea mai tehnic, costumul devenea mai simplu și mai scurt. Tutu-urile cu care suntem familiarizați acum au apărut pe la mijlocul secolului al XX-lea.

Acum să ne uităm la nume. Tutu-urile sunt diferite și își schimbă aspectul, în funcție de balet.

Tutu- un cuvânt franțuzesc amuzant, care este tradus exact ca pachet. Acesta este cuvântul folosit în engleză pentru a reprezenta o fustă de balet.

Fusta de balet clasică– fustă rotundă ca o clătită. Balerinii dansează în acestea, așa cum probabil ați ghicit, în cele mai clasice balete: Lacul lebedelor, Paquita, Corsair, Actele 2 și 3 din La Bayadère, Spărgătorul de nuci etc.

Raza standard a unei fuste de balet este de 48 cm Dar cel mai adesea dimensiunea cercului variază - în funcție de înălțimea balerinei, de petrecere și de stilul general al spectacolului. Solistii, in functie de caracteristicile lor fizice, pot alege independent forma fustei de balet care le impodobesc picioarele: pot fi netede, paralele cu podeaua, usor coborate, cu fundul pufos sau, dimpotriva, complet plate.

Dar iată chestia: o fustă de balet clasică este o adevărată Patul Procustean. Prezintă cele mai mici defecte ale figurii, genunchi slabi și lipsă de repetiții.

Există chiar și așa ceva ca „ balerină fără tutu" De obicei, aceasta este o balerină cu membre nu foarte lungi, picioare de formă neregulată sau o formă care depășește ceea ce este permis - într-un cuvânt, curbate. O „balerina non-tutu” poate fi numită și o balerină al cărei rol este demi-caracter de bravura sau, dimpotrivă, roluri romantice. Adică Kitri, Giselle, La Sylphide, dar nu Odette-Odile sau Nikiya. Cel mai mult exemple vii„Balerine fără pachet” – Natalya Osipova și Diana Vishneva.

Diana Vishneva

Natalia Osipova

Au reușit să depășească rolul prescris pentru ei și chiar și în fuste de balet care nu le-au decorat prea bine arată grozav - asta face carisma artiștilor! Apropo, controversata Osipova, cea mai bună Kitri din lume, a apărut recent în „Lacul lebedelor” - rolul Odette-Odile, s-ar părea, contraindicat pentru ea. Și nimic, au plâns mulți)

Tutu romantic sau „chopinka”- fusta lunga din tul. Ea este responsabilă pentru crearea imaginilor fantastice „de altă lume” - fantoma defunctei Giselle, spiritul frumos al lui Sylphide. Și apoteoza baletului romantic „Chopiniana” este complet imposibil de imaginat fără aceste minunate fuste aerisite - ele creează iluzia zborului, aerului, libertății și irealitatea absolută a ceea ce se întâmplă.

Fusta lungă pufoasă, desigur, ascunde picioarele balerinei. Pe de o parte, acest lucru distrage atenția de la posibilele neajunsuri și, pe de altă parte, atrage toată atenția asupra picioarelor. Dar baleturile romantice sunt pline de tehnică fină și picioarele urâte, care nu funcționează, fără un coloan înalt, aruncă oarecum de la dispoziție romantică.

Grația artei baletului atinge întotdeauna sufletul atât adulților, cât și copiilor. Fetele sunt gata să petreacă ore întregi privind cele mai frumoase ținute cu fuste tutu drăguțe și topuri brodate cu mărgele sau strasuri. Și dacă un copil nu face balet, dar visează să încerce o ținută similară, de ce să nu-ți faci plăcere fiicei tale și să o transformi într-o balerină la petrecerea de Anul Nou? Mai mult, crearea unei astfel de imagini nu este deloc dificilă sau costisitoare.

Un costum de balerină este potrivit nu numai pentru sărbătorile de Anul Nou. Îl poți purta cu ușurință la o petrecere de naștere sau doar pentru a te juca. Prin urmare, nu ar trebui să amânați crearea acestuia și să vă gândiți că acum nu este momentul potrivit. Descrierea de mai jos va face ușoară înțelegerea succesiunii lucrărilor, ceea ce va duce cu siguranță la un costum de balerină încântător.

Detalii imagine

Pentru a nu uita niciun detaliu, ar trebui să determinați imediat ce elemente ale imaginii trebuie să fie prezente în costum. Cel mai bine este să faci o fotografie ca exemplu sau să schițezi singur ținuta dorită. Un costum de balerină trebuie să aibă și un top frumos sau un tricou cu mânecă lungă, strâns. Puteți lua golf gata făcut cu gât. Veți avea nevoie și de șosete. Pantofii de vârf pot înlocui cu ușurință pantofii sau papucii, pe care puteți atașa bucăți de panglici de satin care vor trebui să fie înfășurate în jurul tibiei. Dacă pentru vârf se folosește un tricou cu bretele subțiri, mănușile albe vor completa perfect costumul. ÎN par lung Puteți țese în flori artificiale, iar pentru o tunsoare scurtă sunt potrivite ace de păr sau o bentiță cu un decor frumos.

Culoarea costumului

Un costum de balerină pentru copii poate fi realizat în absolut orice culoare. Un detaliu cheie precum o fustă de balet va face aspectul instantaneu recunoscut, indiferent dacă este în alb sau negru sau în orice altă nuanță a curcubeului. Aici este mai bine să vă consultați cu o mică fashionistă și să-i oferiți posibilitatea de a participa la crearea imaginii ei.

Realizarea unei fuste

Principala întrebare atunci când creați este cum să coaseți o fustă de balet. Acest articol vestimentar este cel care provoacă dificultăți în majoritatea cazurilor. Cu toate acestea, procesul de creare a unei fuste tutu este complex doar la prima vedere. Există mai multe opțiuni pentru crearea acestui articol, dintre care una nu necesită deloc abilități de cusut. Pentru a lucra, veți avea nevoie de o bandă elastică groasă care să se potrivească taliei copilului și trei metri de tul, tăiate în fâșii de 10-15 cm lățime și 60 sau 80 cm lungime, în funcție de ce fel de fustă aveți nevoie. Întregul proces implică legarea benzilor de material cu o bandă elastică într-o buclă aproape una de alta. Este foarte important ca tulul să fie bine călcat, deoarece produsul finit este destul de greu de pus în ordine dacă materialul este șifonat.

De asemenea, merită să luați în considerare opțiunea de a coase o tutu folosind o mașină de cusut. Totul aici este, de asemenea, destul de simplu. Trei benzi de tul cu o lățime egală cu lungimea fustei + 3 cm și o lungime de 4,5-6 metri, sunt pliate de-a lungul secțiunilor, o cusătură este așezată la o distanță de 1 cm de margine, apoi spatele cusătura fustei este cusută și se realizează un șnur de-a lungul partea superioară pentru elastic, împingând marginea cusută a materialului în interior. După aceea, tot ce rămâne este să treci o bandă elastică puternică în șnur. Gata, pachetul este gata!

Crearea unui top

Dacă nu există un tricou potrivit în garderoba copilului, acesta poate fi cusut din țesătură tricotată. Pentru a face acest lucru, veți avea nevoie de o bandă de material cu o lățime egală cu măsura de la umăr și chiar sub talie și o lungime care să măsoare talia copilului. Țesătura este pliată în jumătate, decolteul și gurile sunt trase, excesul este tăiat, iar apoi cusăturile umărului și laterale sunt prelucrate. Dacă utilizați supplex pentru lucru, atunci secțiunile pot fi pur și simplu lăsate deschise. Ei nu se vor sfărâma și nu vor merge săgeți. În cazul țesăturilor din bumbac, le puteți trata cu bandă elastică. După cum puteți vedea din descriere, să coaseți un top pentru un costum de balerină cu propriile mâini nu este foarte dificil, întregul proces nu va dura mai mult de 20 de minute.

Confecţionarea mănuşilor

Cel mai bine este să coaseți mănuși fie din supplex, fie din ulei. Bumbacul nu va funcționa în acest scop. Desigur, un costum de balerină în care topul și mănușile sunt realizate din același material va arăta mai armonios. Cu toate acestea, nu este necesar să folosiți o pânză identică. În plus, mănușile pot fi cusute din ghipură tricotată, care va arăta foarte blând și romantic.

Deci, pentru a coase mănuși, trebuie să tăiați o bandă de țesătură egală cu lungimea dorită și cu lățimea încheieturii copilului + 1 cm O bandă elastică trebuie cusută de-a lungul unei margini a benzii (partea superioară a mănușii). Ulterior, piesa de prelucrat este pliată de-a lungul secțiunilor lungi și un colț mic este tăiat în partea de jos a mănușii pentru a face o suprapunere pe mână. O buclă de panglică de satin pentru deget este cusută pe poală. Și nu în ultimul rând, închideți cusătura mănușii.

Elemente decorative

Un costum de balerină pentru o fată trebuie să fie decorat cu diverse flori, pietre, strasuri sau paiete. Aceste elemente sunt cele care vor adăuga șic și strălucire imaginii create. Costumul balerină nu poate fi brodat cu ploaie. În același timp, faceți ținuta în sine în verde, de parcă balerina joacă rolul unui brad de Crăciun sau lăsați imaginea albă ca zăpada, asociindu-o cu fulgi de nea pufosi și moi.

Opțiunea ideală pentru crearea unei fuste de balet este tulul. Dar are multe soiuri. Există pânze cu un strat strălucitor, cu buline mici buclate și chiar cu un model. Se diferențiază și prin duritatea sa. Tulul prea dens isi pastreaza bine forma si poate fi folosit ca unul dintre straturile unei fuste de balet brodate pentru o forma mai voluminoasa.

De asemenea, nu puteți ignora materiale precum dantelă din organza. Destul de des este brodat cu paiete și arată foarte neobișnuit. Poate fi combinat cu tul dur și moale și face o fustă originală. Cu toate acestea, cu un decor atât de bogat al fustei de balet, partea de sus ar trebui lăsată mat și monocromatic. Costum de balerină pe Anul Nou poate fi realizat din tul într-un model mic de fulgi de nea în combinație cu un top calm. Sau faceți un pachet de benzi de material și lipiți bucăți de beteală deasupra.

Un costum de balerină pentru o fată poate fi tematizat. Ce împiedică, de exemplu, să facă un personaj din „Lacul lebedelor”? O tutu frumoasă cu puf de lebădă lipit și o bentiță proiectată corespunzător - iar ținuta unei lebede fermecătoare este gata.

Opțiuni pentru crearea unui pachet

Desigur, tulul este foarte ușor de lucrat, dar există și alte materiale demne cărora merită să le acordați atenție. Costumul de carnaval „Balerina” va arăta grozav cu o tutu din șifon sau organza deja menționată mai sus. Tehnica de tăiere și cusut a unei astfel de fuste sunt oarecum diferite și necesită anumite abilități.

Pentru a crea un astfel de produs, veți avea nevoie de un șablon pentru o fustă de soare, regelin subțire pentru finisarea tivului și o bandă elastică în talie. Cantitatea de material este calculată pe baza numărului de straturi ale fustei. Pentru ca produsul să arate frumos, trebuie să existe cel puțin trei straturi.

Procesul de creare constă în tăierea a trei sau mai multe cercuri din țesătura principală conform unui șablon, decorarea taliei cu o bandă elastică, conectarea tuturor straturilor împreună, apoi prelucrarea lor de-a lungul marginii exterioare cu regelin și bandă de păr, întinderea țesătură pentru a forma valuri. Aceasta fusta originala este buna pentru combinatie cu un top din satin, flori din organza, pietre si strasuri.

Accesorii suplimentare

Destul de des, pentru costumele de balerină, pentru brațe sunt cusute fuste mici, care se poartă pe antebraț. Și trebuie să spun că astfel de elemente arată destul de interesante. Pentru a coase un astfel de accesoriu, veți avea nevoie de o fâșie din țesătura principală din care este făcută tutu, de aproximativ 50 cm lungime și nu mai mult de 7 cm lățime. sus sau cu bandă de păr, iar pe al doilea se face un șnur pentru o bandă elastică.

Pentru a face imaginea mai realistă, nu puteți face fără pantofi vârfuri sau imitarea lor. Am menționat deja pantofi sau papuci și panglici din satin, dar problema este că dacă copilul se mișcă mult, tot hamul din jurul piciorului va cădea pur și simplu. Prin urmare, puteți folosi un mic truc: luați șosete pentru genunchi, puneți-le pe piciorul copilului, înfășurați panglica în jurul ei și legați-o cu o fundă frumoasă, apoi ungeți cu atenție panglica de șosete cu ochiuri mici. Cu o astfel de potrivire sigură, poți dansa ore în șir.

Un alt accesoriu interesant pe care balerinii îl poartă de obicei este o floare la încheietura mâinii. Puteți alege mărimea potrivită de trandafir sau crin într-un salon de nuntă, chiar și cu puf de lebădă și pandantive cu margele și le puteți coase pe o cravată obișnuită de păr alb. Îți poți decora părul cu o floare similară.

Este considerat, pe bună dreptate, cel mai înalt nivel al artei coregrafice, unde dansul se transformă într-un spectacol muzical de scenă. Acest tip de artă a apărut în secolele XV-XVI, mult mai târziu decât dansul. Inițial, a fost o artă aristocratică curtenească. Dansul este principalul mijloc de exprimare în balet, dar baza dramatică, scenografia și munca designerilor de costume și lumini au o importanță nu mică.

Baletul clasic este un dans narativ, în care dansatorii spun întotdeauna o poveste prin dans. Baletul clasic în mai multe acte este în mod tradițional dedicat miturilor, basmelor, subiecte istorice. Producțiile de gen pot fi eroice, comice, folclor.

Originea numelui este fie latinul ballo - „dans”, fie francezul balleto, care are același sens.

Baletul se referă atât la un spectacol de dans, cât și la un tip de artă teatrală și muzicală în care imagini artistice expresive sunt create cu ajutorul plasticității și coregrafiei.

Teatralizarea dansului a început în Italia în secolul al XV-lea, când maeștrii de dans au început să creeze dansuri de curte și de sală bazate pe dansuri populare.

Primul balet

Prima producție de balet, care combina dansul, muzica, pantomima și vorbirea, a fost pusă în scenă în Franța la curtea Ecaterinei de Medici la sfârșitul secolului al XVI-lea. Se numea „Circe și nimfele” și a fost pusă în scenă de Baltazarini di Belgioioso, un minunat coregraf și violonist sosit din Italia cu orchestra sa de violoniști.

A fost o producție cu un complot străvechi, care a marcat începutul dezvoltării baletului francez de curte. Interludii, pastorale, mascarade și divertismente de dans au devenit rapid punctul culminant al festivităților de la curte.

Principalele canoane ale baletului, compilate de Pierre Beauchamp

Fiecare dans are practic anumite reguli, iar dansul s-a transformat în balet atunci când coregraful Pierre Beauchamp a descris canoanele unui mod de dans nobil.

Beauchamp a împărțit mișcările dansatorului în grupuri - sărituri, genuflexiuni, diferite poziții ale corpului și rotații. Acest tip de artă a dansului se baza pe principiul eversiunii picioarelor, datorită căruia corpul se putea mișca în direcții diferite. Mișcările de mai sus au fost efectuate pe baza a trei poziții ale brațelor și cinci poziții ale picioarelor.

Dezvoltarea baletului

Din acest moment a început dezvoltarea baletului, care a devenit o artă independentă în secolul al XVIII-lea.

Dezvoltarea școlilor de balet începe în toată Europa, ajungând în Rusia, unde Baletul Imperial Rus a fost fondat în 1738 la Sankt Petersburg.

Primii dansatori au avut dificultăți - purtau costume foarte complexe, iar fustele grele le îngreunau mișcările. Dar, treptat, costumul s-a schimbat - pantofii de balet și-au pierdut tocurile, hainele balerinelor au devenit ușoare și aerisite.

Coregrafii i-au învățat pe dansatori să exprime emoțiile cu gesturi și expresii faciale, intrigile mitologice au fost înlocuite cu povești despre țări îndepărtate, povești de dragoste și basme. În această formă, baletul clasic a supraviețuit până în prezent ca una dintre formele frumoase de artă a dansului.

Galeria Tretiakov a găzduit o expoziție internațională de amploare „Viziunea dansului”, dedicată aniversării a 100 de ani de la faimoasele „Balete rusești” de S.P. Diaghilev la Paris.

În urmă cu o sută de ani, pe 19 mai 1909, scena Teatrului Chatelet din Paris a arătat pentru prima dată lumii un nou balet rusesc, care a făcut o adevărată revoluție în acest gen. Pentru prima dată, Rusia a demonstrat triumfător realizările culturii sale, având o influență puternică asupra artei europene la începutul secolului XX. Nu numai artele spectacolului european, ci și moda pariziană au căzut de câteva decenii sub vraja decorurilor și costumelor stagiunilor lui Diaghilev.

Lev Bakst. Design de costume pentru Ida Rubinstein pentru baletul „Salome”

Apariția baletelor rusești pe scena europeană a fost precedată de o perioadă scurtă, dar vibrantă, care poate fi numită Renașterea artei ruse. Viața artistică Rusia la începutul secolului avea un caracter eterogen, aspirațiile de a reînvia tradițiile artistice naționale s-au împletit cu dezvoltarea tendințelor inovatoare din Europa de Vest. În această luptă creativă a unei întregi constelații de artiști, poeți, muzicieni, s-a născut cultura Epocii de Argint, s-a forjat caracterul sintetic al stilului Art Nouveau, ceea ce a dus în cele din urmă la sosirea victorioasă a artei ruse pe scena mondială, și unde baletul era destinat să joace un rol major.

În 1910, Serghei Diaghilev nota: „Revoluția pe care am făcut-o în balet privește, poate, mai puțin de toate. zonă specială dansuri și, mai ales, decorațiuni și costume.” În esență, anotimpurile rusești au demonstrat o sinteză fără precedent a celor trei arte, în care pictura a devenit cea dominantă, iar dansul era considerat „o manifestare vie a decorului teatral”.

Spectacolele lui Diaghilev au schimbat radical lumea dansului. Pare incredibil că timp de două decenii a reușit să reunească figuri atât de celebre precum I. Stravinsky, L. Bakst, P. Picasso, N. Goncharova, M. Fokin, L. Massine, A. Benois, V. Nijinsky , C. Chanel, M. Larionov, J. Cocteau, A. Pavlova, F. Shalyapin, S. Lifar, J. Balanchine, V. Serov. T. Karsavina, N. Roerich...Ce incredibil de greu a fost să organizezi o articulație munca creativă artiști aparținând unor domenii atât de diferite ale artei.

Anna Pavlova și Vaslav Nijinsky în baletul „Pavilionul lui Armida” 1909

Design de costume pentru Armida pentru Anna Pavlova de Alexandra Benois

Tamara Karsavina ca Armida 1912

Costume și design de costume de Lev Bakst pentru baletul „Cleopatra” 1908

Tamara Karsavina ca Columbine. Balet „Carnaval”, 1910

Mihail și Vera Fokin în baletul „Carnaval”

Ceea ce a fost prezentat pe scena Teatrului Chatelet în primele stagiuni pariziene a fost izbitor prin exotismul său - Diaghilev a pus în scenă clasici rusești cu Boris Godunov și Ivan cel Groaznic ("Femeia Pskoviană"), istoria medievală a Rusiei, puternica figură a lui Chaliapin - și estul „Dansurile polovtsiene” (1909) pe muzică de Alexandru Borodin și „Sheherazade” (1910) pe muzică de Rimski-Korsakov. Orientalismul ultimului balet, conceput de Leon Bakst, a aruncat Parisul în aer. A fost o extravaganță care a uimit prin revoltă de culori, coregrafie relaxată (Mikhail Fokin) și o furtună de emoții. Moda motivelor orientale a îmbrățișat pe toată lumea, inclusiv pe couturieri celebri precum Poiret sau bijutieri precum Louis Cartier.

Mihail și Vera Fokin în baletul „Sheherazade”, 1914

Schițe de costume bazate pe baletul „Scheherazade”, Lev Bakst

Lev Bakst a creat pentru Lyubov Chernyshova rochia Zobeida, care a subliniat profilul sofisticat al lui Chernyshova și i-a oferit un plus de majestuosire și splendoare, permițându-i să domine scena.

Tamara Karsavina ca Zobeida

Scenografia bazată pe o schiță de Lev Bakst

Balet „Pasarea de foc”, 1910

„Regatul Kashcheevo”. Schiță de peisaj

„Sadko”, decor de Boris Anisfeld, 1911.

Schiță de costum de sirenă

Vaslav Nijinsky ca Petrushka, „Petrushka”, 1911

Costum de balerină bazat pe o schiță de Alexandre Benois

Personaj din baletul „Saritul primăverii”, 1913

Schițe și costume de Nicholas Roerich pentru baletul „Sarimul primăverii”

Orientul arab este înlocuit de Grecia antică - „Narcissus” (1911), „Daphnis and Chloe” (1912), ambele spectacole concepute de Bakst, care se termină cu „The Afternoon of a Faun” (1913) cu peisajul pastoral al lui Bakst și incredibil de inovator. coregrafie de Nijinsky - Diaghilev . Premiera la Paris a filmului „Dup-amiaza unui faun” pe muzica lui Debussy s-a încheiat cu scandal deplin o parte din public a părăsit sala, ofensată de convenționalitatea coregrafiei, construită pe gesturi ascuțite de profil, și de „obscenitatea” lui; ultimele mişcări ale Faun-Nijinsky.

Design de costume de Lev Bakst pentru producția „Narcissus”

Scenografia de Lev Bakst pentru baletul „The Blue God”, 1912

Vaslav Nijinsky ca Zeul Albastru

Design de costume de Lev Bakst

Este uimitor cât de perspicac și sensibil a fost Diaghilev la schimbările iminente. El simte acut că a venit timpul pentru schimbare și o invită pe Natalya Goncharova pentru piesa sa „Cocoșul de aur” (1914). Aceasta este în continuare aceeași temă „rusă”, dar cât de diferită este abordarea, atât în design, cât și în coregrafie. Din acest moment a început perioada „avangardă” a baletelor lui Diaghilev, când a lucrat activ cu Goncharova și Mihail Larionov și ca coregrafi cu Bronislava Nijinska și Leonid Myasine.

Costum de cocos de aur

Design de costume pentru pasărea Sirin pentru baletul „Cocoșul de aur”, Natalya Goncharova, 1914

Costume pentru suita regelui Dodon, Natalya Goncharova

Tamara Karsavina ca regina Shemakha

Design de decor și costume de Alexandre Benois pentru opera „Vighetoarea”, 1914

Servitoarele prințesei lebedei în baletul „Basme rusești”, 1916

Mihail Larionov, schița setului „Lacul de poveste”

Lyubov Chernyshova ca Cleopatra, 1918

Monte Carlo a ocupat un loc special în inima lui Diaghilev. Aici, în 1911, a transformat Baletul Rus într-o trupă de teatru permanentă, aici a prezentat pentru prima dată o serie dintre cele mai semnificative producții ale sale și aici și-a petrecut invariabil iernile, începând din 1922. Datorită generozității casei domnitoare a lui Grimaldi și faimei Cazinoului, care a făcut posibilă o asemenea generozitate, Mote Carlo a devenit laboratorul de creație al lui Diaghilev în anii 1920. Foști balerine ai Teatrelor Imperiale, care părăsiseră deja Rusia pentru totdeauna, au împărtășit secretele meșteșugului lor starurilor în ascensiune ale emigrației invitate de Diaghilev. În Monte Carlo se află în ultima dată Am cedat tentației visului vieții mele - să trăiesc, dedicându-mă în întregime artei.

Repetiție de grup a baletului „Cântecul privighetoarei” pe străzile din Monte Carlo, 1920

În 1917, Diaghilev l-a invitat pe Pablo Picasso să conceapă baletul „Parada” câțiva ani mai târziu, același Picasso a proiectat decorurile și costumele pentru baletul „Pălăria cu trei colțuri”. Începe o nouă, ultimă perioadă a sezoanelor de balet rusesc, când echipa lui Diaghilev începe să prevaleze artiști franceziși compozitori.

Revoluția din 1917 a împărțit cultura baletului rusesc în două. În perioada care a urmat acestei prăbușiri, mulți l-au perceput pe Diaghilev tocmai drept proprietarul încarnării excepționale a fondatorului și directorului Baletului Rus, chemat să îndeplinească, așa cum scria Levinson despre Prințesa adormită, „misiunea de a aduce astfel de ecouri strălucitoare. a gloriei trecutului până la etapele Europei”.

Dar oricât de nostalgia i-a afectat sufletul lui Diaghilev, nu a avut niciun efect asupra repertoriului său. Trecutul, ca și prezentul, a oferit hrană spiritului ireprimabil al lui Diaghilev, dar nu a devenit niciodată un substitut pentru refugiu pentru el.

Design de decor și costume pentru baletul „Tricornul” de Pablo Picasso, 1919

Tamara Karsavina în baletul „Nebuniile femeilor”, 1920

Design costume de Jose Maria Sert

În primăvara anului 1923, Bronislava Nijinska a coregrafiat una dintre cele mai remarcabile producții ale lui Diaghilev, Les Noces.

În memoriile sale, Serghei Lifar își amintește viu cum Stravinsky și-a ilustrat partitura complexă în timpul repetițiilor: „La început, a dat doar instrucțiuni, s-a enervat, a gesticulat, apoi s-a entuziasmat, și-a scos jacheta, a stat în locul pianistului - a transmis sonoritatea simfonică a baletul, cânta în ce – cu o frenezie cu o voce groaznică, dar atât de convingător încât nu era nimic comic în el și a cântat până la epuizare. Toată lumea nu a mai repetat la jocul lui frenetic, ci a dansat de fapt.”

Compoziție cu țevi de fabrică. Schiță de decor de Natalia Goncharova pentru baletul „Le Noces”, 1917

Repetiția baletului „Le Noces” pe acoperișul Operei din Monte Carlo, 1923

Fragmente din producția „Ball”, 1929

Cea mai cunoscută expoziție a expoziției este cortina lui Picasso pentru producția „The Blue Express”, 1924.

Pe scurt, într-un cuvânt, pentru a defini esența schimbărilor care au avut loc de-a lungul a douăzeci de ani, putem spune așa: caracterul eroilor s-a schimbat.

Și Fokine, și Pavlova, și Karsavina și Nijinsky au exclus din dansul lor orice fel de efort, orice fel de muncă musculară vizibilă. Doar un zbor de fantezie, doar o flacără pură de inspirație, doar o reflectare a unor intuiții fericite și fabulos de frumoase. Dacă reducem aceste caracteristici metaforice la un singur concept de critică de artă, atunci ar trebui să vorbim despre mitologie, despre mit. Toate personajele lor principale sunt mitologice: arcașii din „Dansurile polovțene”, Pasărea de foc din „Pasarea de foc”, Silfida din „Chopenean”, Petrushka din „Petrushka”. Și Nijinsky însuși, artistul, a intrat în legendă ca un dansator-mit sau, cu alte cuvinte, ca un dansator al mitului. Același lucru se poate spune despre Anna Pavlova - Lebăda, Anna Pavlova - o balerină clasică.

Baletul „Parada”, pus în scenă în 1917 de Leonid Massine pe muzica sarcastică a lui Erik Satie și în designul cubist al lui Picasso, a marcat o nouă tendință a trupei Diaghilev - dorința de a demitifica toate componentele baletului: intriga, locația, măștile actoricești. („Parada” a descris viața unui circ ambulant) și în locul mitului a pus un alt fenomen - moda. Moda casnică pariziană, moda în stil paneuropean (în special, cubismul), moda globală pentru dans gratuit (într-o măsură mai mare sau mai mică).

Dar principalul era altceva: viziunea asupra lumii a anilor 20, viziunea asupra supraviețuitorilor, cei care au fost cruțați de război, care au avut o mulțime fericită, au intrat în întreprinderea lui Diaghilev. În producțiile sale din 1917 („Femei cu umor bun”) și 1919 („Magazinul de magie” și „Pălăria cocoșată”) și în spectacole soloîn aceste balete, Massine a exprimat cel mai clar un nou simț al vieții, deloc tragic, un nou simț al realității, un gust lacom pentru realitate, nu fantastic și, mai ales, deloc fantomă. Iar principala caracteristică pentru aproape toată lumea a fost reținerea emoțională, chiar și răceala emoțională sau, cu alte cuvinte, apropierea emoțională.

Portretul Annei Pavlova, 1924

„Fiul risipitor” pe muzica lui Prokofiev, pusă în scenă de același Balanchine în sezonul 1929. Baletul, inspirat de însuși Diaghilev, a devenit epilogul epopeei de douăzeci de ani a lui Diaghilev.

La ce se gândea Diaghilev când a propus ca Prokofiev și Balanchine să creeze un spectacol de balet bazat pe pilda Evangheliei? A fost acesta un act de pocăință sau un act de sacrilegiu? S-a gândit Diaghilev la patria sa părăsită sau la tovarășii săi abandonați la jumătatea drumului? Și s-a gândit la soarta baletului clasic și a propriului său balet? Nu mai există nicio modalitate de a ști asta. Se știe doar că a încheiat sezonul din 1929 grav bolnav și că recent și-a pierdut vizibil interesul pentru balet.

Și cel mai important, era obosit. M-am săturat să lupți mereu - pentru bani, pentru repertoriu, pentru recunoaștere, pentru noroc. M-am săturat să încerc să realizez totul. Moartea lui subită din 19 august 1929 este misterioasă și întunecată. Știa că are diabet sever, dar nu a urmat sfaturile medicilor și, cine știe, poate că aștepta în secret eliberarea.

Portretul lui S.P. Diaghilev

Postarea se bazează pe materiale din expoziția „Comoara anotimpurilor rusești ale lui Diaghilev” de la Muzeul de Arte Decorative și Aplicate, expoziția „Viziunea dansului” din Galeria Tretiakovși cărțile „Viziunea dansului. Serghei Diaghilev și anotimpurile de balet rusesc”.

Semnificațiile cărților de tarot