Lyubov Popova s-a născut în satul Ivanovskoye, lângă Moscova, într-o familie de negustori, bunicul ei patern avea o afacere cu stofă. Poate că, atunci când Popova în anii 1920 a lăsat în mod decisiv pictura de șevalet pentru „producție” și a creat schițe de desene pentru țesături, aceasta a fost într-o anumită măsură consecința unui atașament genetic față de meșteșug.
Dar la vremea când s-a născut Lyubov Popova, tatăl ei, Serghei Maksimovici, aproape că nu mai era implicat în afaceri, ci era un faimos filantrop, patron al muzicii și teatrului și reprezenta personajul unui comerciant luminat, familiar din imaginea lui Savva. Mamontov, care nu avea nimic în comun cu „regatul întunecat” al negustorilor Ostrovsky. Nu fără motiv, Lyubov Popova a primit primele lecții de desen de la prietenul tatălui ei, artistul K.M. Și-a petrecut primii ani la Ialta, a studiat la gimnaziul de acolo și abia în 1906 a venit la Moscova, aici a primit studii medii și a intrat în cursuri pedagogice.
În 1908, Popova, care a fost dedicată artei picturii încă din copilărie, a început să frecventeze școala privată de artă a lui K.F Yuon, unde a cunoscut mulți artiști, inclusiv Nadezhda Udaltsova. Cu sora lui Udaltsova, Lyudmila Prudkovskaya, Lyubov Popova a închiriat oarecum mai târziu o garsonieră în Antipyevsky Lane, dar potrivit artistei însăși, munca lor independentă nu a avut un succes deosebit și în jurul anului 1911 au plecat să lucreze la Turn.
Interesul pentru pictura de icoane, care este atribuit în principal artiștilor „neo-primitiviști” - Larionov și alții, a fost caracteristic tuturor celor care căutau noi căi în artă.
În 1909-1911, Lyubov Popova a vizitat Novgorod, Pskov, Rostov, Yaroslavl și Suzdal pentru a studia pictura și arhitectura rusă antică. În 1910, a mers la Kiev și aici a primit un alt impuls pentru creativitatea ei - a văzut picturile monumentale ale lui Vrubel în Mănăstirea Kirillov.
Tot în 1910, Lyubov Popova a vizitat Italia, unde atenția i-a fost atrasă de primitivii italieni, Giotto și Pinturicchio.
Și atingerea finală a muncii grozave și intense pe care Popova a făcut-o pentru a înțelege cultura artistica, - ea a făcut cunoștință cu colecția lui S.I. Shchukin din Moscova. În acel moment, Henri Matisse era noul hobby al lui Shchukin. Arta lui Matisse a devenit veriga cheie care a conectat trecutul și prezentul, Occidentul și Orientul în viziunea artistică a lui Popova. Ea nu a putut să nu aprecieze curajul limbajului pictural inovator al lui Matisse și, în același timp, a simțit legătura acestuia cu arta Evului Mediu.
Acum i-a devenit clar pentru Popova unde ar trebui să studieze pictura - în 1912 a plecat la Paris, a mers ca o artistă matură: „Copacii” ei din 1911 erau calitativ diferiți de naturile și peisajele timpurii pe care le-a pictat în atelierul lui Yuon.
Popova a mers la Paris cu Nadezhda Udaltsova, care mai târziu și-a amintit acest lucru: „Popova și cu mine am examinat totul cât mai mult posibil și am început să căutăm un atelier. Intenționam să lucrăm pentru Matisse, dar școala lui Matisse era deja închisă. Ne-am dus la atelierul lui Maurice Denis, am dat peste un indian așezat cu pene pe fond roșu, am fugit. Cineva a menționat atelierul La Palette al lui Le Fauconnier, ne-am dus acolo și am decis imediat că de asta avem nevoie. Era arta construcției, arta fantastică. Le Fauconnier, Metzinger sau Segonzac veneau o dată pe săptămână. Le Fauconnier a vorbit despre suprafețe mari, despre construcția de pânză și spațiu, Metzinger a vorbit despre ultimele realizări ale lui Picasso. Aceasta a fost epoca cubismului clasic”.
Lyubov Popova a lucrat serios în studio și a petrecut multe ore la Luvru și la Muzeul Cluny. Ea locuia la Paris la pensiunea doamnei Jeanne, unde locuiau majoritatea rușilor și unde locuiau chiar și o „masă rusească* Boris Ternovets și Vera Mukhina, care studia sculptura cu Bourdelle;
Popova avea un caracter sociabil, s-a împrietenit rapid cu Mukhina și, ajungând pentru a doua oară la Paris în 1914, a făcut o călătorie cu ea în Italia.
Iarna, Lyubov Popova a lucrat în atelierul lui V. Tatlin din Moscova. Tatlin a venit și el la Paris în 1914 și s-a întâlnit acolo cu Popova. Artista s-a cufundat din nou în atmosfera specială a vieții și artei pariziene, dar când și-a întâlnit prietenii la La Palette, i s-a părut că „nu plecaseră nicăieri”, la fel ca „anul trecut”. Popova însăși a depășit La Palette, a vizitat colecția Udet, unde a văzut lucrări de Picasso și Braque, iar acum era concentrată pe căutarea lui Picasso. Și dacă compoziția lui Popova „Două figuri” din 1913, care a fost debutul ei la expoziția „Jack of Diamonds” din 1914, purta urme ale influenței lui Metzinger, în special pictura sa „Pasarea albastră”, atunci în lucrările ulterioare ea apare la o înţelegere mai profundă a sistemelor cubiste.
„Portret of a Philosopher” (1915) se remarcă prin o mare reținere în schema de culori, compoziția dinamică a pânzei este construită prin alternarea planurilor sonore de culoare și ritmuri intense de linii „convexe”, care creează un „relief” pictural unghiular; suprafața pânzei. Compoziția include inscripții și numărul „32” - acesta este un fel de plăcuță de înmatriculare, desemnând pictura ca „lucru”, ca o ștampilă de fabrică.
Merită să acordați atenție particularităților înțelegerii cubismului de către Popova. A fost atrasă de lumea lucrurilor, de identificarea posibilităților conținute în materialul în sine, având o adresă precisă: dacă pictează o natură moartă cu vase, atunci este „Tinware” (1913); dacă obiecte - atunci „Obiecte din vopsitorie” (1914).
Era interesată de mecanismul ascuns în spatele carcasei exterioare a formei; în 1915, a realizat mai multe lucrări „Clocks” - un subiect destul de comun în pictura cubistă și futuristă, ca simbol al timpului - a patra dimensiune introdusă în arta spațială. Popova nu se mulțumește cu denumirea simbolică a cadranului, arată „interiorul”, ambreiajele roților și roților, este fascinată de munca mâinilor umane - o mașină minunată. Această credință, poate puțin naivă, dar sinceră în progresul tehnic, nu poate decât să captiveze în picturile lui Popova.
Cu toate acestea, adevărata înflorire a activității lui Popova - un muncitor constructivist și de producție, un constructor de noi forme de „existență” a oamenilor - a venit după revoluție. Ea a luat parte activ la restructurarea tuturor formelor de viață și a vieții de zi cu zi: a proiectat festivaluri revoluționare de masă, a creat afișe, a realizat modele de cărți, schițe de modele de îmbrăcăminte, desene pentru textile și a fost unul dintre fondatorii școlii de uz casnic. proiecta.
Pe lângă lucrările practice, Popova a predat la Atelierele de teatru superioare de stat, unde au studiat cu ea multe figuri ale artei sovietice, inclusiv regizorul de film S. Eisenstein. Aceste ateliere au fost conduse de Vs. Meyerhold, în teatrul său Popova a pus în scenă producții: „Corcul generos” (1922) și „Pământul de la capăt” (1923), care au intrat în istoria artei teatrale și decorative.
Lyubov Popova a predat, de asemenea, la Vkhutemas în departamentul principal și a participat activ la dezbaterile de la Institutul de Cultură Artistică. Ea a susținut apelul de a înlocui arta șevaletului cu arta de producție, prezentată de „producționiștii” și constructiviștii din Inkhuk în 1921. În plus, spre deosebire de multe figuri ale acelei epoci romantice, care au intrat în producție doar „teoretic”, Lyubov Popova nu a fost mulțumit cu jumătăți de măsură. Ultimele ei lucrări au fost finalizate pentru prima fabrică de tipărire de bumbac - modelele pentru țesături, decorative și practice, nu și-au pierdut calitatea „modernă” până în prezent. Conform mărturiei tovarășilor ei Lef, Mayakovsky și Brik, ea a găsit o satisfacție reală în această muncă.
În 1914, Lyubov Popova scria: „Omul este încă o creatură semnificativă: de îndată ce încetează să lucreze, toată viața se oprește, orașele devin complet moarte, dar oamenii câștigă bani, iar orașul trăiește. Ce forță teribilă este munca umană.”
E.DREVINA
tablourile lui Popova
„Construcție cu forță spațială”
„Arhitectonică picturală” 3
„Arhitectonică picturală”
„Călătorul” 1916
„Compoziție cu figuri” 1914-15
Lyubov Sergheevna Popova(24 aprilie (6 mai) 1889 - 25 mai 1924, Moscova, URSS) - pictor rus și sovietic, artist de avangardă (Suprematism, Cubism, Cubo-Futurism, Constructivism), grafician, designer, artist de teatru.
Biografie
S-a născut la 24 aprilie (6 mai, stil nou) 1889 pe moșia Krasnovidovo (satul Ivanovskoye, provincia Moscova) în familia unui antreprenor bogat.
L. Popova a luat primele lecții de desen de la artistul K. M. Orlov, care era un prieten al familiei ei.
În 1906, s-a mutat la Moscova, unde a primit studii medii la gimnaziul S. A. Arsenyeva. În 1908, Popova a luat lecții private scoala de arte Constantin Yuon.
În 1910, Lyubov Popova a plecat în Italia, unde a luat lecții private de pictură.
În 1912 a vizitat Parisul și a studiat pictura cu Le Fauconnier și J. Metzinger.
În 1918, Lyubov Popova s-a căsătorit cu istoricul de artă Boris Nikolaevich von Eding, autorul studiului „Rostov cel Mare, Uglich”, publicat în seria „Monumente ale antichității artistice”.
Popova s-a interesat de suprematism, a devenit membru al grupului Supremus al lui Kazimir Malevich și a lucrat cu alți artiști suprematiști din satele Verbovka și Skoptsy.
Artist de design pentru două spectacole la Teatrul care poartă numele. Meyerhold în stilul „constructivismului scenic” - „The Generous Cuckold” de F. Crommelink (1922) și „The Earth on End” de S. Tretyakov după piesa „Noapte” de M. Martinet (1923).
Pe 23 mai 1924, fiul ei a murit de scarlatina. Lyubov Sergeevna Popova a murit și el de scarlatina la 25 mai 1924 la Moscova.
A fost înmormântată la cimitirul Vagankovskoye.
În decembrie același an, la Moscova a avut loc o expoziție personală de lucrări ale artistului, unul dintre reprezentanții de seamă ai avangardei ruse în domeniul artelor plastice.
Fabrică
- Stat Galeria Tretiakov, Moscova.
- Muzeul de Stat al Rusiei, Sankt Petersburg.
- Galeria Națională a Canadei, Ottawa.
- Muzeul Thyssen-Bornemisza (în spaniolă: Museo Thyssen-Bornemisza), Madrid.
- Muzeul de Stat de Artă din Krasnoyarsk poartă numele. V. I. Surikova
Preturi pentru munca
Leonid Zaks, proprietarul uneia dintre cele mai vechi colecții ale avangardei ruse a familiei Zaks și mai multor picturi de Lyubov Popova, a vorbit în 2010 despre prețurile lucrărilor sale:
La sfârșitul anilor 60, la Moscova, era imposibil să vinzi pictura lui Popova pentru orice bani. La mijlocul anilor '80, picturile ei au fost cumpărate cu 40 de mii de dolari. Și acum, bănuiesc, ceea ce a costat 40 de mii apoi costă 300-400 de mii.
Galerie
Om + aer + spațiu. 1912
Portretul unui filozof, 1915
Natura moartă cu chitară, 1915
„Urciorul este pe masă. Pictură plastică”, 1915. Lemn, carton, ulei. Galeria Tretiakov
Lyubov Sergeevna Popova (24 aprilie (6 mai) 1889 - 25 mai 1924, Moscova, URSS) - pictor rus și sovietic, artist de avangardă (Suprematism, Cubism, Cubo-Futurism, Constructivism), grafician, designer.
Biografia lui Lyubov Popova
Născut la 6 mai 1889 în satul Ivanovskoye, regiunea Moscovei. Tatăl ei a fost un antreprenor de succes. Primele lecții ale lui Popova în arta picturii au fost date de prietenul de familie K.M. Orlov.
În 1906, Popova s-a mutat la Moscova. Din acel moment, ea ia regulat lecții de pictură.
Lyubov a studiat în multe studiouri de artă: în studioul lui V.E. Tatlina, A. Le-Fauconnier, K.F. Yuona, S.Yu. Jukovski. În această perioadă, aspirantul artist călătorește mult, vizitând orașe din Rusia și Europa.
În 1910, artistul locuiește și lucrează în Italia, continuând să ia lecții, apoi pleacă la Paris.
Popova s-a interesat de suprematism, a devenit membru al grupului Supremus al lui Kazimir Malevich și a lucrat cu alți artiști suprematiști din satele Verbovka și Skoptsy.
Creativitatea lui Popova
Popova a trecut prin multe etape în munca sa, deschizând calea de la cezanneism la cubism și futurism.
La o anumită perioadă, artistul a devenit membru al grupului Spremus, organizat de Kazimir Malevich. În acest moment, suprematismul o fascina în mod deosebit. Împreună cu alți membri ai grupului, Popova lucrează în satele Skoptsy și Verbovka. Popova participă activ la diverse expoziții.
Picturile ei timpurii au fost executate în tradițiile cubismului analitic și fauvismului.
Mai târziu, artistul s-a îndepărtat de acest mod, dând preferință cubo-futurismului mai dinamic și cubismului sintetic. Lucrările „Portret de filozof” și „Om + Aer + Spațiu” aparțin acestei perioade.
Lumea în percepția lui Popova era o natură moartă uriașă. Ea a încercat să transfere această natură moartă în fișă grafică sau pânză. O atenție deosebită artistul a acordat atenție semnificației sunetelor vopselelor. În acest sens, ciclul ei „Arhitectonică picturală” este foarte important. Se distinge de lucrările lui Malevich prin varietatea de ritmuri colorate.
În anii douăzeci, Popova s-a îndepărtat puțin de pictură, îndreptându-se spre scenografie. Ea participă la proiectarea pieselor „Povestea preotului și a lucrătorului său Balda”, „Cancelarul și lăcătușul”.
Popova lucrează în stilul Art Deco, combinând tradițiile de avangardă și modernism. Ea participă și la proiectarea spectacolelor „The Earth on End” și „The Generous Cuckold” organizate la Teatrul Meyerhold.
Popova a acordat atenție și predării. Din 1920, a lucrat la Vkhutemas și la Institutul de Cultură Artistică.
O varietate de motive se împletesc armonios în opera artistului. Cubismul, pe care l-a cunoscut la Paris, s-a îmbinat în mod complex cu o pasiune naturală pentru icoanele renascentiste și rusești. Chiar și lucrările non-obiective ale artistului reflectau un stil clasic. Acest lucru este, de asemenea, caracteristic pentru „construcțiile ei de putere spațială”, „construcțiile pitorești”. Tradițiile clasicilor nu dispar din lucrările lui Popova chiar și atunci când ea este angajată în producția de țesături, părăsind pictura.
Lucrările artistului și prețul lor
- Galeria de Stat Tretiakov, Moscova.
- Muzeul de Stat al Rusiei, Sankt Petersburg.
- Galeria Națională a Canadei, Ottawa.
- Muzeul Thyssen-Bornemisza (în spaniolă: Museo Thyssen-Bornemisza), Madrid.
- Muzeul de Stat de Artă din Krasnoyarsk poartă numele. V. I. Surikova
Leonid Zaks, proprietarul uneia dintre cele mai vechi colecții ale avangardei ruse a familiei Zaks și mai multor tablouri de Lyubov Popova, a vorbit în 2010 despre prețurile operei sale.
La 6 mai 1889 s-a născut Lyubov Popova - un reprezentant proeminent avangardă artistică, pictor, grafician, designer, scenograf, creator de compoziții neobiective...
La opera lui L.S. Popova „Arhitectonică picturală”, 1918. Tate Modern.
Lyubov Sergeevna Popova s-a născut pe moșia Krasnovidovo (satul Ivanovskoye) lângă Mozhaisk, într-o familie de negustori. Străbunicul tatălui ei era morar, tatăl ei Serghei Maksimovici Popov deținea fabrici de textile și era bogat. Familia mamei, Lyubov Vasilievna, născută Zubova, aparținea părții educate a clasei comercianților și a adus o contribuție semnificativă la istoria culturii ruse. Unul dintre Zubov, bunicul artistului, a fost proprietarul unor instrumente unice cu arc - viori Stradivarius, Guarneri, Amati, care acum formează mândria Colecției de stat de instrumente unice din Rusia și colecția extinsă de monede a fiului său, Pyotr. Vasilievici, donat Muzeului de Istorie, a devenit baza departamentului său de numismatică.
Părinții erau mari cunoscători ai muzicii și teatrului și au insuflat dragostea pentru artă și copii: Pavel, Serghei, Lyubov și Olga. Primele lecții de desen le-au fost predate de artistul K.M. Educația gimnazială a lui Lyubov Sergeevna a început la Ialta, unde familia a trăit în 1902-1906. După ce a terminat-o la Moscova, Popova a studiat filologia la cursurile pedagogice ale lui A.S Alferov și, în același timp, în 1907, a început educația ei artistică serioasă în atelierul de desen al lui S.Yu.
Din perioada studiilor din 1908-1909 la Școala de Desen și Pictură de K.F Yuon și I.O Dudin, s-au păstrat câteva peisaje timpurii cu motive de gen. Pitoreștile „Case”, „Pod”, „Spălători”, „Snopi”, prin întărirea abordării plate și decorative a transmiterii naturii, sunt diferite de lucrările profesorilor care au lucrat în spiritul impresionismului moderat.
În următorii trei ani, Lyubov Sergeevna a pictat mult, a studiat istoria artei și a făcut o serie de călătorii cu familia ei în Italia și orașe istorice rusești. Impresiile acumulate ale artei italiene și ale picturilor lui Vrubel văzute la Kiev la acea vreme, pictura antică icoană rusă și pictura murală din Iaroslavl, Rostov, Vladimir s-au manifestat cu adevărat mai târziu, în perioada de maturitate a operei ei.
Lucrările de la sfârșitul anilor 1900 – „șezători” și „modele” grafice și picturale – mărturisesc o pasiune pentru opera lui Cezanne și noua artă franceză. Cu mare perseverență, Popova a lucrat la diferite ture ale corpului, a studiat cu atenție nudul, dezvăluind în el baza constructivă a figurilor. O atitudine similară față de sarcinile picturii a distins mulți artiști aspiranți la acea vreme, în special Lentulov și Tatlin, a căror prietenie a început în studioul „Tower” de pe Kuznetsky Most.
Popova Lyubov Sergheevna. „Compoziție cu figuri”, 1913, ulei pe pânză, 160 x 124,3 cm.
La acea vreme, o continuare firească a educației non-universitare era o călătorie la Paris. Lyubov Sergeevna în compania vechii guvernante A.R. Dege a petrecut acolo iarna anilor 1912-1913. Cursurile comune la studioul La Palette au adus-o mult timp mai aproape de V. Pestel, N. Udaltsova și V. Mukhina, care au studiat și ele acolo. Atmosfera capitalei artistice a Europei și lecțiile lui J. Metzinger, A. Le Fauconnier și A. de Segonzac l-au ajutat pe Popova să navigheze în tendințele de dezvoltare a artei europene.
În arta rusă contemporană, dezvoltarea activă a diverse influențe: cubismul francez, futurismul italian, expresionismul german. Popova s-a numărat printre artiștii ruși care, în anii 1910, s-au trezit în fruntea artei europene și au făcut o descoperire în non-obiectivitate, spre o nouă înțelegere a spațiului artistic. Munca ei a acumulat ideile suprematismului lui Malevich, noua materialitate a lui Tatlin, apoi a evoluat, iar Popova a fost aproape de a dezvolta principiile constructivismului.
Momentul regândirii viziunii naturale a fost marcat de lucrările din 1913 „Două figuri” și „Figură în picioare”, realizate de Popova după întoarcerea la Moscova. În urma cubiștilor, artistul a devenit designer de volume de culoare. Pe pânze, precum și în desenele pregătitoare pentru acestea, ea a transformat cu îndrăzneală figurile șezătoarelor într-o articulare a volumelor stereometrice, dezvăluind axele conexiunii capului, umerilor și brațelor. Liniile de forță „desenate” sunt îndepărtate din rangul de elemente auxiliare ale desenului, ele pătrund în întreg spațiul tabloului, iar intersecțiile lor constituie noi forme și ritmuri pictural-spațiale.
În anii 1910, Lyubov Popova s-a remarcat din tineretul „artistic” de la Moscova prin faptul că „cu toată feminitatea ei, ea avea o percepție incredibilă a vieții și a artei”. Cercul ei de oameni care aveau idei similare includea artiștii N.S Udaltsova, A.A.V. Grishchenko, filozoful P.A Florensky, istoricii de artă B.R., M.S. von Eding, care mai târziu i-a devenit soț. La întâlnirile săptămânale din atelierul lui Popova de pe Bulevardul Novinsky, au avut loc discuții teoretice serioase despre artă, iar aceste conversații l-au pregătit pe artist pentru viitoarele activități didactice.
Deja după ce a intrat în mainstream arta contemporana, în primăvara anului 1914, Popova a avut nevoie de încă o călătorie la Paris și Italia înainte de a decide să-și expună public lucrările. Ea a privit cu alți ochi monumentele arhitecturale ale Renașterii și gotice, a studiat legile relațiilor lor compoziționale și puterea puternică a combinațiilor clasice de culori. S-a întors în Rusia cu puțin timp înainte de declanșarea celui de-al Doilea Război Mondial. Mulți artiști din cercul ei au mers pe front în 1914, dar viata creativa nu sa oprit, iar în curând Popova a participat pentru prima dată la expoziția asociației „Jack of Diamonds”. După cum a remarcat istoricul de artă D.V. Sarabyanov, ea „și-a luat rămas bun de la trecutul ei timid”.
O altă perioadă, mai matură, a fost marcată de participarea la expozițiile cubo-futuriste din 1915-1916 - „Tramvai B”, „0,10”, „Magazin”.
Susținător al Cubo-Futurismului, „o mișcare de stil care a apărut în Rusia datorită eforturilor poeților și pictorilor futuriști Malevici, Rozanova, Ekster, Krucenykh”, Popova a scris o serie de compoziții cubiste cu o singură cifră („Călător”, „Omul + Aer + Spațiu”) în 1914-1915, portrete („Portretul unui filozof”, „Schiță pentru un portret”) și înfățișând naturi moarte instrumente muzicale.
Temele preferate ale picturilor sale - „Vioara”, „Chitara”, „Ceasul” - sunt împrumutate din iconografia cubiștilor francezi, Picasso și Braque. Aceste scene au făcut posibilă descompunerea vizuală a traiectoriei pendulului unui ceas în fragmente separate, elemente de mișcare sau să demonstreze „vizual” sunetul de lungă durată al sunetului sau, altfel, „reda”, combina „descompunerea” analitică cubistă a un obiect volumetric pe un plan și simultaneitatea futuristă a mișcării. Pentru Popova, imaginile fragmentelor de vioară, gâtul și placa de sunet, precum și curdurile chitarei nu au fost doar un tribut adus tradiției moderniste. Aceste forme aveau pentru ea un sens diferit, mai „animat”. La urma urmei, încă din copilărie auzise povești uimitoare despre instrumentele „de semnătură” din colecția bunicului ei.
Conținutul naturilor moarte și portretelor artistului a fost extrem de materializat. Acestea au fost completate cu litere sau cuvinte individuale, precum și colaje de autocolante, tapet, note, cărți de joc. Inserțiile texturate erau, de asemenea, făcute din gips ca „substraturi” accidentate pentru vopsea, sau erau desenate cu un pieptene peste vopsea umedă și arătau ca dungi ondulate. Asemenea „incluziuni” de etichete și ziare autentice în suprafața picturală a lucrării au introdus conexiuni noi, ilogice, asociative în conținut. Au crescut expresivitatea picturilor și le-au schimbat percepția. Lucrarea în sine s-a transformat dintr-o iluzie a lumii reale în articol nou a acestei lumi. Una dintre naturile moarte din 1915 se numea „Obiecte”.
Artista a dezvoltat în mod activ ideile lui Tatlin, creatorul primelor contrareliefuri - „selecții materiale”, și și-a propus propria versiune originală a contrareliefului. „Jug on the Table” este o pictură plastică în care Popova păstrează organic unitatea culorii și texturii pe părțile plane și convexe ale imaginii, ceea ce conferă compoziției spațiale proprietățile unui obiect pictural.
De la primele sale lucrări independente, artista a căutat constant să „construiască” un tablou de șevalet și să transforme formele statice și dinamice într-o suită de planuri de culoare care se intersectează. Regândirea în continuare a picturii ca obiect, pictura ca obiect, l-a condus pe artist la pictura non-obiectivă. Abstracția unui obiect specific la nivelul formelor geometrice simple, începută de Malevici și Tatlin, a fost acceptată organic de Popova. Un rol specific în stăpânirea unei anumite limbi artă abstractă Un rol a jucat și o călătorie în Turkestan în primăvara anului 1916, în timpul căreia a făcut cunoștință cu cele mai vechi monumente arhitecturale ale islamului din Bukhara și Khiva, renumite pentru exemplele lor de modele geometrice.
Pânzele cu titlul „Arhitectonică picturală” marchează o nouă întorsătură în opera lui Popova. Este dificil de judecat cu exactitate dacă prima ei pictură non-figurativă, marcată în catalogul expoziției postume din 1915, a fost realizată înainte sau după ce artistul l-a întâlnit pe Malevich, care și-a creat „Piața neagră” în 1915. Dar deja în 1916-1917 Popova a participat la organizarea societății Supremus împreună cu alți asociați ai lui Malevich - O. Rozanova, N. Udaltsova, I. Klyun, V. Pestel, N. Davydova, A. Kruchenykh.
În filmul „Arhitectonică picturală. Negru, roșu, gri” (1916), Popova a realizat una dintre schițele ei grafice pentru semnul societății Supremus. Un patrulater negru plasat în centrul unei compoziții neobiective indică în mod clar „Pătratul negru” a lui Malevici, dar opera lui Popova diferă de „pătrat” prin conținutul său figurativ. Culoarea în interpretarea lui Malevici – negru, alb – este simbolic mai orientată spre infinit, spațiu, abisul posibilităților ascunse în ea nu este atât de strâns legată de o anumită formă, precum este cazul lui Popova; Planurile colorate ale celor trei figuri ale compoziției sale, dimpotrivă, sunt mai materiale, nu „plutesc în imponderabilitate” la fel de mult ca formele lucrărilor suprematiste ale lui Malevich, Rozanova și Klyun.
Nu este o coincidență că Popova a numit compozițiile neobiective „arhitectonicie”. Ele nu au caracterul real, funcțional, tectonic al structurilor de construcție, ci arhitectonica figurativă, putere picturală, monumentalitate plastică, claritate și armonie deosebită a formelor. În crearea acestui tip de pictură, artista a reușit să-și folosească experiența în studiul arhitecturii antice rusești și a ordinului înalt al artei europene renascentiste. Printre cele peste patruzeci de lucrări din această serie numeroasă, nu există o monotonie a repetării motivelor, toate „intrigile” sună ca teme independente datorită bogăției partiturii lor de culoare.
Compozițiile din 1916-1917 și 1918 se disting și prin relația dintre spațiile picturilor și formele cufundate în ele. În prima etapă, Popova a aranjat figuri geometrice, principalele „personaje” ale picturilor, în straturi, care au dat o idee despre adâncimea picturii și a lăsat spațiu pentru fundal, păstrând astfel „memoria” picturii. Spațiu suprematist.
În „arhitectonica” din 1918, fundalul dispare complet. Suprafețele picturilor sunt umplute până la limită de figuri - sunt aglomerate, o formă se intersectează cu alta în mai multe locuri, schimbând saturația culorii: rupturi în forme apar de-a lungul liniilor de intersecție, apar „goluri” ciudate, este creat efectul de „strălucire” a avioanelor, dar culorile lor încă nu se amestecă. Stratificarea planurilor colorate suprematiste ale primei „arhitectonici” din 1918 este înlocuită de un dialog de forme, plin de energie, dinamica ciocnirilor și întrepătrunderile lor.
Înflorirea individualității strălucitoare a artistului a avut loc în timpul războiului critic și al anilor revoluționari cu ei răsturnări socialeși încercări personale care au întrerupt temporar dezvoltarea consecventă a artistului. Din martie 1918 până în toamna anului 1919, Lyubov Sergeevna a experimentat multe evenimente - căsătoria cu Boris Nikolaeviy von Eding, nașterea unui fiu, mutarea la Rostov-pe-Don, tifos și moartea soțului ei. Ea însăși abia a suportat tifos și tifos și a primit o malformație cardiacă severă. Și de aceea în moștenirea lui Lyubov Popova nu există lucrări datate 1919.
Artista, care s-a întors la Moscova, a fost susținută de prieteni, în primul rând, familia Vesnin, iar încetul cu încetul a început întoarcerea ei la profesie. Popova a participat în 1919 cu lucrările sale anterioare la X-a Expoziție de stat „Creativitate și suprematism fără obiect”. Picturile ei au fost apoi achiziționate pentru biroul muzeal al Comisariatului Poporului pentru Educație. Acest lucru l-a susținut cumva pe artist nu numai financiar. Direcția de Arte Plastice a Comisariatului Poporului pentru Educație a trimis lucrările achiziționate la expoziții și la muzeele de cultură picturală nou organizate. În anii 1920, lucrările lui Popova și-au găsit drumul în cele mai neașteptate colțuri ale Rusiei sovietice și de atunci au fost în muzee din Vladivostok, Vyatka, Irkutsk, Krasnodar, Nijni Novgorod, Smolensk, Perm, Tobolsk, Tula, Tașkent, Yaroslavl, St. Petersburg și Moscova. Unii dintre ei, împreună cu lucrări ale altor artiști, au reprezentat arta rusă la o expoziție la Berlin în 1922 și la Bienala de la Veneția în 1924.
Noua înțelegere a lui Popova a problemelor formale s-a manifestat în lucrări intitulate „Construcții” și „Construcții cu forță spațială”.
Cea mai faimoasă „Construcție” a fost realizată în 1920 pe spatele pânzei marii „Arhitectonii picturale” din 1916-1917. Aceasta este o compoziție dinamică și monumentală, plină de triunghiuri-dinți ascuțiți și negre, cu o împletitură neagră și două cruci. În pictură, motivul spirală, nou în opera lui Popova, apare ca o pâlnie uriașă, împingând cheaguri de energie și forme mici, „aleatorie”. Această spirală se dezvoltă, se derulează în sus, în sus, sfidând triunghiurile sumbre din prim plan care îi împiedică dezvoltarea. Figurile și planurile din imagine sunt lipsite de stabilitate, sunt direcționate în spațiu, mișcarea lor este multidirecțională și, prin urmare, conflictuală.
Viața figurilor geometrice abstracte ale acestui tablou a conținut, la nivelul reflectării conștiinței într-o formă indirectă, drama proprie trăită de artist. „Arhitectonica” și „Construcții”, realizate pe aceeași pânză, reflectă două perioade cele mai importante din opera Popovei și din viața ei.
Lucrarea pe două fețe este în mare parte programatică și pentru că s-a dovedit a fi ultima pânză din opera lui Popova. După aceasta, „Construcțiile” ei urmează cronologic. Sunt aproape 10 dintre ele și toate sunt realizate pe placaj sau hârtie neamorsată.
Culoarea și textura bazei din lemn acționează ca elemente active în compoziții abstracte constând din linii și planuri care se intersectează. Pentru a spori contrastul texturii unui număr de lucrări și pentru a le oferi o mai mare expresivitate, artistul folosește ipsos și așchii de metal. În același timp, spațiul este desemnat figurativ - prin linii de structuri abstracte ajurate. Paleta de culori este restrânsă și sofisticată.
Timpul de după revoluție a necesitat ca oameni creativi să participe activ la organizație viata culturala, studii aplicative și mulți artiști au intrat în organele de conducere ale noului stat. În 1920, sfera de interese profesionale a lui Popova s-a extins și ea. Împreună cu asociații ei - Udaltsova, Vesnin, Kandinsky - lucrează la Institutul de Cultură Artistică, se apropie treptat de un grup de constructiviști-industriali și predă la VKHUTEMAS.
Ultima perioadă a creativității lui Popova a avut loc în sânul artei „industriale”. Artistul a început să proiecteze cărți, reviste, producții teatrale, să creeze postere și chiar să dezvolte schițe pentru țesături și modele de îmbrăcăminte.
Debutul lui Popova în teatru bazat pe designul Romeo și Julieta lui Shakespeare nu i s-a părut prea reușit regizorului A. Tairov, iar la montarea piesei a folosit schițe realizate de A. Exter. În lucrări teatru de păpuşi bazată pe basmul lui A.S Pușkin „Despre preot și muncitorul său Balda” Popova și-a amintit experiența anterioară de studiu arta populara. În 1916, ea a făcut mostre de broderie suprematistă pentru întreprinderea „Verbovka” și, prin urmare, de data aceasta a regândit cu îndrăzneală stilul de artă populară și de imprimare populară.
Costumele și schițele pentru producția „Cancelarul și lăcătușul” după piesa lui A. Lunacharsky, realizată de regizorii A.P. Petrovsky și A. Silin, au purtat elemente ale unei înțelegeri futuriste a spațiului și volumului care dispăruseră de mult din ea. creativitate de șevalet.
Întâlnirea lui Popova cu V.E. Meyerhold din 1922 a fost semnificativă. Ei au transformat piesa „The Magnanious Cuckold” de F. Crommelynck într-o lucrare fundamental inovatoare artele teatrale. Pentru a decora scena, Popova a proiectat o instalație spațială care a înlocuit schimbarea decorului în timpul spectacolului. Imaginea are la bază tema unei mori cu roți, o moară de vânt, o jgheab și structuri diagonale care se intersectează. În designul său, nu există nici măcar un indiciu de înțelegere falsă a spațiului scenic. Natura grafică a întregii compoziții este asemănătoare cu poetica celor mai recente „construcții de putere spațială” de șevalet. Valoarea noului dispozitiv inventat de Popova pentru interpretarea actorilor după sistemul Meyerhold și după legile biomecanicii nu se limitează doar la istoria teatrului și apariția constructivismului în arhitectură. Această operă de artă finită este importantă atât ca obiect estetic, cât și ca lucru realizat funcțional.
La o zi după premieră, la INKHUK a avut loc „procesul lui Popova”. Colegii constructiviști l-au acuzat pe Popova că „s-a orientat prematur către teatru, din cauza faptului că constructivismul nu era încă pregătit să iasă din starea de laborator experimental”. Astfel de discuții creative au fost destul de în spiritul stilului de viață colectivist din acei ani. „Franța” artistului a fost înmuiată de istoria însăși, înscriind această experiență a lui Popova în analele artei secolului XX, și de Vsevolod Meyerhold, care imediat după prima colaborare l-a invitat pe Popova să predea cursul „Designul material al unui Performance” studenților săi de la Atelierele Superioare de Regie de Stat.
În 1923, au produs împreună un alt spectacol - „The Earth Stands on End” bazat pe piesa lui M. Martinet. S-au păstrat descrieri ale spectacolului de teatru și reproduceri ale unei tăblițe din placaj cu o schiță a lui Popova. Principalul element de design permanent a fost o structură grandioasă (dar nu mai este o „imagine” a unei structuri reale, o moară, așa cum era structura din „Cuckold”), ci o repetare literală din lemn a unei macarale tip portal. Pe această structură au fost atașate plăci din placaj cu sloganuri de afișe și ecrane pe care au fost proiectate știri. A fost o versiune unică a artei de propagandă de masă din prima ani revoluționari, conceput pentru zone, transformare rapidă și un număr mare de oameni. Privitorul a fost pregătit pentru o percepție activă, extrem de actualizată a intrigii. Popova a reușit să combine în mod surprinzător succint constructivitatea funcțională și imaginea concentrată cu bogăția informațională.
După cum scria J. Tugenhold, „natura simplă a artistei nu a fost mulțumită de iluzia teatrului – ea a fost atrasă de ultimul pas logic, de a introduce arta în producție în sine”. În acești ani, după cum notează N.L Adaskina de la Popova, a existat o atitudine post-nonobiectivă față de reprezentare, bazată pe claritatea schematică a imaginii și pe identificarea autenticității documentare a acesteia. Se manifestă prin designul cărților, interesul pentru dezvoltarea fonturilor și editarea textului cu fotografii. De exemplu, Popova în proiectul de copertă pentru cartea de poezii de I.A Aksenov „Eiffel. 30 od” au postat în mod neașteptat fotografii cu motoare electrice.
Apelul la realitate făcea parte din programul noii arte industriale, care urmărea să stabilească noi principii de construire a vieții. Ideile utopice ale erelor Art Nouveau și Art Nouveau au fost repetate în noua etapă constructivistă în dezvoltarea limbajului artei.
Ca parte a acestor sarcini, Popova s-a orientat spre realizarea de schițe pentru țesături și îmbrăcăminte, intenționând prin această lucrare să treacă la proiectarea unei noi imagini și stil de viață. Țesăturile ei, produse la fabrica de tipărire de bumbac, erau populare. În primăvara anului 1923, toată Moscova purta haine realizate din țesături bazate pe desenele artistului, fără să știe. Popova a spus că nici un singur succes artistic nu i-a adus o satisfacție atât de profundă precum vederea unei țărănci sau muncitoare cumpărând o bucată din materialul ei. Și totuși, rochiile bazate pe schițele lui Popova au fost concepute pentru un nou tip de femeie muncitoare. Eroinele ei nu sunt „muncitori proletari”, ci angajați ai instituțiilor sovietice sau domnișoare grațioase care urmăresc moda și știu să aprecieze frumusețea unei tăieturi simple și funcționale.
Modelele ei sunt foarte figurative atunci când le creează, artista s-a bazat atât pe experiența de a crea costume de teatru, cât și pe bagajul ei „constructivist”. Popova a realizat doar vreo douăzeci de schițe vestimentare și toate au devenit un program specific pentru dezvoltarea fructuoasă în continuare a modelării costumelor.
Este greu de imaginat în ce alt domeniu s-ar fi putut manifesta personalitatea strălucitoare a artistului dacă munca și viața artistului nu s-ar fi încheiat cu o notă înaltă. Lyubov Popova avea 35 de ani când a murit de scarlatina în mai 1924, în urma fiului ei de cinci ani.
Popova Lyubov Sergeevna, pictor, grafician, designer, scenograf
Popova Lyubov Sergheevna(1889, satul Ivanovskoye, provincia Moscova - 1924, Moscova), pictor, grafician, designer, scenograf. Creator de compoziții neobiective. Provine dintr-o familie de proprietari bogați de fabrici din Moscova. În 1907 a vizitat studioul lui S.Yu. Jukovski, în 1908–1909 – școala lui K.F. Yuona și I.O. Dudin, unde a stăpânit principiile impresionismului. A călătorit mult prin Europa. Impresiile din pictura Renașterii italiene au fost combinate în munca ei cu pasiunea pentru mișcările artistice moderne. În 1912–1914 a locuit la Paris și a studiat la Academia La Palette cu cubiștii J. Metzinger și A. Le Fauconnier. În 1912 a lucrat în atelierul lui V.E. „Turnul” lui Tatlin. În 1916–1917 - membru al grupului Supremus, creat de K.S. Malevici. În 1918–1923 a predat la Vkhutemas, în 1920–1923 a lucrat la Inkhuk sub conducerea lui V.V. Kandinsky la secțiunea de artă monumentală.
L.S. Popova este unul dintre cei mai de seamă reprezentanți ai avangardei ruse, care în opera sa a parcurs calea de la cubism la constructivism. La întoarcerea din Franța în Rusia, ea și-a dezvoltat propriile principii de cubism, dându-i un sunet monumental. Această calitate apare în lucrările lui Popova și sub influența artei antice rusești. În picturile ei din anii 1910, cubismul capătă o calitate decorativă. Artistul a acordat o atenție deosebită prelucrării suprafeței picturii, realizând o varietate expresivă de texturi. „Compoziție cu figuri” (1913), „Vioară” (1915) sunt cele mai semnificative lucrări ale acestei perioade.
Sub influența contrareliefurilor de V.E. Tatlina apelează la „pictură-sculptură”. În 1916–1917 a creat o serie de „arhitectonici pitorești”. Erau combinații de planuri geometrice colorate. Spre deosebire de lucrările suprematiste ale lui K.S. Malevich, aceste avioane capătă greutate, o relație tectonică de mase, un sentiment de vârf și susținere a compoziției.
Următoarea etapă a fost „formațiunile de forță spațială”. Aceste imagini constau din linii drepte și curbe. Într-o serie de lucrări, ei sparg planuri de diferite forme geometrice. Formele par să se repezi prin spațiu într-un ritm rapid. Adesea fundalul este o placă de lemn nevopsită. Textura colorată
