Detalii Categoria: Arta rusă a secolului al XVIII-lea Publicat 03.04.2018 15:00 Vizualizări: 2346

În arta rusă, peisajul ca gen de pictură a apărut la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Fondatorul său este considerat a fi Semyon Shchedrin.

Peisajul a început să se dezvolte în arta antică orientală, dar a primit semnificație independentă în arta vest-europeană începând cu secolul al XIV-lea, în timpul Renașterii. Înainte de aceasta, era doar un element însoțitor al imaginii sau al fundalului. Citiți mai multe despre dezvoltarea acestui gen de pictură pe site-ul nostru.

Semyon Fedorovich Shchedrin (1745-1804)

Picturile de peisaj ale lui Shchedrin se bazează pe canoanele stilistice ale clasicismului. Frumusețea acestor peisaje este încă foarte convențională, dar deja arată destul de clar sentimentul emoțional al artistului în percepția imaginilor naturii. Adâncimea și lățimea distanțelor sunt evidente, contrastul dintre imaginile mari din prim plan și întinderile verzi-albastre deschizându-se în spatele lor, ceea ce conferă peisajelor sale o aerisire impresionantă. Opera sa este deja calea peisajului către un gen independent de pictură în arta rusă.
Semyon Fedorovich Shchedrin s-a născut într-o familie de militari: tatăl său a fost soldat în Regimentul de Gărzi Preobrazhensky. Băiatul și-a primit educația inițială la „Comisia de numărare pentru predarea scrisului” regimentală din Preobrazhensk.
În 1765, S. Shchedrin a absolvit cu medalie de aur Academia de Arte, la care a intrat la vârsta de 14 ani, și și-a continuat studiile în străinătate: la Paris și Roma. La Paris, a studiat lucrările artiștilor vechi și moderni și a lucrat în aer liber. Ideile clasicismului, învățate de el la Roma, sunt prezente în lucrările sale ulterioare.

Semyon Shchedrin „Peisajul parcului din Tsarskoe Selo”
Revenit la Sankt Petersburg în 1776, Shchedrin a devenit profesor de pictură peisagistică la Academia de Arte, conducând o nouă clasă de pictură peisagistică. El creează vederi ale palatelor și parcurilor Ecaterinei cea Mare: „Vedere asupra insulei Iazului Mare din grădinile Tsarskoe Selo”, „Curtea rurală din Tsarskoe Selo”.

Semyon Shchedrin „Vedere asupra iazului mare din parcul din Tsarskoe Selo” (1777)
Mai târziu, Shchedrin participă la restaurarea lucrărilor Ermitului. În afară de câteva peisaje italiene aduse înapoi de la Roma și de câteva lucrări care descriu diferite momente de manevre în Oranienbaum sub împăratul Alexandru I, toate celelalte picturi ale lui Shchedrin sunt vederi de peisaj. Lucrările sale din această perioadă includ priveliști ale parcurilor și palatelor din Pavlovsk, Gatchina, Peterhof. Toate sunt scrise după regulile clasicismului academic.
Majoritatea picturilor lui Shchedrin au fost achiziționate de membrii Casei Imperiale. Artistul a murit la 1 septembrie 1804 și a fost înmormântat la cimitirul Smolensk din Sankt Petersburg.

Semyon Shchedrin „Coloana Vulturului în Parcul Gatchina”

Semyon Shchedrin „Peisaj din vecinătatea Sankt Petersburgului”

Fiodor Mihailovici Matveev (1758-1826)

Artist peisagist rus, maestru al peisajului clasic.
În timpul vieții sale, Fyodor Matveev a fost recunoscut drept cel mai bun maestru rus al „artei peisajului” de la sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea. Dar apoi numele și munca lui au fost uitate.
Fyodor Matveev, la fel ca Semyon Shchedrin, este fiul unui soldat, dar numai al Regimentului Izmailovsky Gardieni de viață. Deja la vârsta de 6 ani, a fost acceptat în prima admitere a Școlii Educaționale de la Academia de Arte din Sankt Petersburg. A studiat la clasa de pictură peisagistică și în 1778, primul din această clasă, a primit o mare medalie de aur, iar un an mai târziu a plecat ca pensionar la Roma pentru a-și îmbunătăți abilitățile.
Matveev a trăit în Italia timp de 47 de ani. Nu s-a întors niciodată în Rusia, deși plănuia să o facă de mai multe ori. Datoriile, dificultățile financiare și alte împrejurări l-au împiedicat să se întoarcă în patria sa. Dar în 1806 a trimis Academiei de Arte pictura „Vedere din Napoli de la poalele lui Posilipo”, pentru care a primit titlul de academician.

Fyodor Matveev „Vedere despre Napoli de la poalele Posilipo” (1806). Ulei pe pânză. 101 x 136 cm Muzeul de Stat al Rusiei (Sankt Petersburg)
Cel mai adesea, peisajele lui Fiodor Matveev sunt vederi panoramice. Ele merg adânc în spațiu și abia se văd în depărtare. Artistul dedică întotdeauna mult spațiu cerului. Oamenii sunt de obicei reprezentați la mijloc. Siluetele lor mici arată amploarea picturilor naturii.

Fyodor Matveev „Peisaj cu o cascadă” (1810)

Fyodor Matveev „Peisajul elvețian (1818). Muzeul de Stat de Artă Nijni Novgorod

Fyodor Matveev „Cartierele de lângă Tivoli” (1819). Galeria de Stat Tretiakov (Moscova)

Fyodor Yakovlevich Alekseev (între 1753/1755-1824)

M. Terebenev. Portretul lui F.Ya. Alekseeva

Pictor rus, unul dintre fondatorii peisajului urban rusesc. Se numește pictură, desen sau gravură a unei descrieri detaliate a unui peisaj urban de zi cu zi lider.
Un alt artist rus, Mihail Ivanovici Makhaev, a fost, de asemenea, un maestru al vedatei. Dar mai multe despre el puțin mai târziu.
Fedor Yakovlevich Alekseev s-a născut la Sankt Petersburg, în familia unui gardian la Academia de Științe. Învățământul primar primit la școala garnizoană, iar în 1764, la cererea tatălui său, a fost admis la Academia Imperială de Arte. A studiat la clasa de sculptură ornamentală, iar apoi la „clasa de pictură” cu G. Fondermint și A. Perezinotti. O medalie de aur la sfârșitul Academiei i-a dat dreptul de a-și continua studiile în străinătate ca pensie.

Fyodor Alekseev „Vedere a terasamentului palatului de la Cetatea Petru și Pavel” (1794)
În 1773-1777 îmbunătățit ca artist de teatru la Veneția, și în același timp a pictat peisaje („Digul Schiavoni în Veneția”, „Vedere interioară a unei curți cu grădină. Loggia la Veneția”, 1776).

Fedor Alekseev „Vedere interioară a curții cu grădină. Loggia din Veneția” (1776). Copie a tabloului. Muzeul Rus de Stat (Sankt Petersburg)
Întors în Rusia, a lucrat ca decorator la Teatrele Imperiale, iar în timpul liber a copiat în Ermitau maeștri italieni ai peisajelor urbane (G. A. Canaletto, B. Bellotto, C. J. Vernet). Aceste copii au adus succes și faimă pictorului - a lăsat lucrările pe decorurile de teatru și și-a dedicat tot timpul operei sale preferate - peisajul. Artistul a pictat vederi ale Hersonului, Nikolaev, Bakhchisarai, Poltava, Voronezh, Orel - toate din viață.

Fyodor Alekseev „Vedere asupra orașului Nikolaev (1799)
În 1800, Paul I i-a ordonat lui F. Alekseev să picteze vederi ale Moscovei.

Fyodor Alekseev „Piața Roșie cu Catedrala Sf. Vasile” (1801). Muzeul Institutului de Literatură Rusă (Sankt Petersburg)
Într-o scrisoare adresată președintelui Academiei de Arte A. S. Stroganov, Alekseev a scris: „După ce am privit în jurul Moscovei, am găsit atât de multe obiecte frumoase pentru picturi, încât nu știu cu ce tip să încep; A trebuit să mă hotărăsc și am început deja prima schiță a pieței cu Biserica Sf. Vasile și voi folosi iarna pentru a picta tabloul.”

Fyodor Alekseev „Vedere asupra Învierii și a porților Nikolsky și a podului Neglinny din Moscova” (1811). Galeria de Stat Tretiakov (Moscova)

Fyodor Alekseev „Piața Catedralei din Kremlinul din Moscova”
Lucrările lui F. Alekseev ale „ciclului Moscovei” sunt stocate în stat Galeria Tretiakovși în Muzeul de Istorie de Stat.
În anii 1810 Alekseev a creat noua serie Peisaje Petersburg, în care cu mare acuratețe și dragoste a surprins aspectul auster al Sankt-Petersburgului, poezia vieții sale cotidiene de oraș.

Fyodor Alekseev „Vedere asupra Castelului Mihailovski și a Pieței Constable din Sankt Petersburg” (c. 1800). Muzeul de Stat al Rusiei
Artistul a murit în sărăcie la 11 noiembrie 1824, Academia de Arte a alocat bani pentru înmormântare și asistență unei familii numeroase. A fost înmormântat la Cimitirul Ortodox Smolensk din Sankt Petersburg.

Mihail Ivanovici Mahaev (1718-1770)

Artist rus, maestru al desenului și gravurii, în special al peisajului arhitectural.
Născut la Sankt Petersburg în familia unui preot. La 11 ani a fost trimis la Academia de Științe, unde a studiat matematica și geometria. Apoi a studiat topografia. În 1736, împreună cu alți studenți, a finalizat sarcina de a schița în tuș și acuarelă obiecte din Kunstkamera lui Petru pentru reproducere în gravuri. Această lucrare a oferit mult artistului aspirant și i-a extins orizonturile.
M. Makhaev a făcut multă autoeducație, a studiat legile construcției perspectivei, a desenat din viață și a studiat limbi străine.

M. Makhaev „Vedere la Fontanka” (1753). Gravare
Drept urmare, Makhaev a dobândit o anumită abilitate: a putut transmite aspectul clădirii cu o acuratețe aproape fotografică. Personal folosit des. Personalul– în pictura peisajului, se referă la figuri mici de oameni și animale, care sunt de obicei descrise în scopuri secundare. Staffage a fost larg răspândit în secolele XVI-XVII, când pictorii de peisaj adăugau scene mitologice și religioase picturilor lor.

M. Makhaev „Vedere la Palatul de Iarnă”
Dar în lucrările lui Makhaev, personalul joacă nu numai un rol tehnic, ci și unul artistic: este creată o imagine a unui loc, caracterul este transmis. viata de zi cu zi. Figurile de oameni, combinate în scene de gen, corespund centrului de compoziție (cladire): curteni de lângă Palatul de Vară, trăsuri de demnitari și călăreți în fața Colegiilor de Stat, o mulțime de oameni din oraș și șoferi de taxi în apropierea Bursei etc. . Imaginea orașului este completată de copaci, care sunt introduși cu îndrăzneală în compoziție.

„Vedere asupra Nevei în aval între Palatul de iarnăși Academia de Științe”. Gravura de G.A. Kachalov și E.G. Vinogradov pe baza unui desen de M.I. Makhaeva
După înființarea Academiei de Arte, activitățile artistice ale Academiei de Științe au fost desființate. Dar atelierul de landkart a continuat să funcționeze. Makhaev a fost angajat în corectarea desenelor și vederilor orașelor rusești atașate ca ilustrații pe hărțile Rusiei.
Artistul a murit la Sankt Petersburg în 1770 și a fost înmormântat în cimitirul de la Biserica Buna Vestire de pe insula Vasilyevsky.

Lev Kamenev (1833 – 1886) „Peisaj cu colibă”

Peisajul, ca gen independent de pictură, s-a impus în Rusia pe la mijlocul secolului al XVIII-lea. Și înainte de această perioadă, peisajul a fost fundalul pentru înfățișarea compozițiilor de pictură cu icoane sau părți din ilustrațiile de carte.

S-au scris multe despre peisajul rusesc al secolului al XIX-lea și a fost scris de așa, fără exagerare, mari experți în domeniul picturii, pe care în esență nu am nimic de adăugat.

Pionierii picturii peisagistice rusești sunt Semyon Shchedrin, Fyodor Alekseev și Fyodor Matveev. Toți acești artiști au studiat pictura în Europa, ceea ce a lăsat o anumită amprentă asupra lucrărilor lor ulterioare.

Shchedrin (1749 – 1804) și-a câștigat faima ca autor al unor lucrări care descriu parcuri imperiale de țară. Alekseev (1753 - 1824) a fost supranumit Rusul Canaletto pentru peisajele sale înfățișând monumente de arhitectură din Sankt Petersburg, Gatchina și Pavlovsk, Moscova. Matveev (1758 - 1826) a lucrat în Italia cea mai mare parte a vieții sale și a scris în spiritul profesorului său Hackert. Lucrările acestui talentat artist italian L-am imitat și pe M.M. Ivanov (1748 – 1828).

Experții remarcă două etape în dezvoltarea picturii peisagistice rusești din secolul al XIX-lea, care nu sunt conectate organic între ele, dar se disting clar. Aceste două etape:

• realist;
• romantic.

Granița dintre aceste direcții a fost clar formată la mijlocul anilor 20 ai secolului al XIX-lea. Pe la mijlocul secolului al XVIII-lea, pictura rusă a început să se elibereze de raționalismul picturii clasice din secolul al XVIII-lea. ŞI mare valoare Romantismul rus, ca fenomen separat în pictura rusă, are un rol în aceste schimbări.

Peisajul romantic rusesc s-a dezvoltat în trei direcții:

1. un peisaj urban bazat pe lucrări din natură;
2. studiul naturii rusești pe baza „pământului italian”;
3. Peisajul național rusesc.

Și acum vă invit la galeria de lucrări ale artiștilor ruși din secolul al XIX-lea care au pictat peisaje. Am luat o singură lucrare de la fiecare artist - altfel această galerie era pur și simplu nesfârșită.

Dacă aveți o dorință, puteți citi despre munca fiecărui artist (și, în consecință, amintiți-vă de lucrările artistului) pe acest site.

Peisajele rusești ale secolului al XIX-lea

Vladimir Muravyov (1861 – 1940), „Pădurea albastră”

Vladimir Orlovsky (1842 – 1914), „Ziua de vară”

Pyotr Sukhodolsky (1835 – 1903), „Ziua Treimii”

Ivan Shishkin (1832 – 1898), „Secara”

Efim Volkov (1844 – 1920), „Lacul pădurii”

Nikolai Astudin (1847 – 1925), „Drumul de munte”

Nikolai Sergeev (1855 – 1919), „Iazul de vară”

Konstantin Kryzhitsky1 (1858-1911), „Zvenigorod”

Alexey Pisemsky (1859 – 1913), „Râul Pădure”

Joseph Krachkovsky (1854 – 1914), „Wisteria”

Isaac Levitan (1860 – 1900), „Birch Grove”

Vasily Polenov (1844-1927), „Moara veche”

Mikhail Klodt (1832 – 1902), „Oak Grove”

Apolinar Vasnetsov (1856 – 1933), „Okhtyrka. Vedere asupra moșiei"

Secolul al XVIII-lea glorios! Odată cu el, în cartea fascinantă și dramatică a istoriei Rusiei, începe nu doar un nou capitol, ci, poate, un întreg volum. Mai exact, acest volum trebuie să înceapă cu ultimele decenii ale secolului precedent - secolul al XVII-lea, când țara noastră, după ce a ezitat dureros la o răscruce de drumuri, a început să facă o întorsătură puternică, fără precedent - de la Evul Mediu la Evul Nou. În fața Europei.

Rusia la acea vreme este adesea comparată cu o navă. Această navă a înaintat necontrolat, răspândind pânze luxuriante, fără teamă de furtuni și fără oprire să strige: „Omul peste bord!” El a fost condus de mâna fermă a unui căpitan strălucit, neînfricat și nemilos - țarul Petru, care a făcut din Rusia un imperiu și el însuși primul său împărat. Reformele lui au fost dure, chiar crude. Și-a impus voința asupra țării, încălcând tradițiile, fără ezitare, sacrificând mii și mii de vieți intereselor statului.

Era nevoie de asta? A existat o altă cale? Întrebarea este foarte complexă, istoricii încă nu i-au răspuns. Cu toate acestea, altceva este important pentru noi acum. Faptul că în doar câteva decenii care au trecut de la începutul reformelor lui Petru până la vremea Ecaterinei cea Mare, Rusia, care în ochii Europei de Vest era un pământ exotic străin, periculos, locuit de barbari imprevizibili, a devenit nu doar un european. putere. Una dintre primele puteri europene! S-au produs schimbări rapide nu numai în politică - ele au afectat însăși fundamentele vieții oamenilor, atitudinea lor față de lume și unii cu alții, viața de zi cu zi, îmbrăcămintea, multe lucruri mici de zi cu zi care, de fapt, alcătuiesc viața. Și, desigur, art. În aceste decenii, arta rusă a zburat pe calea pe care arta vest-europeană a curs de secole.

Artist necunoscut. Portretul „patriarhului” Milak - boierul Matvey Filimonovich Naryshkin. 1690 Ulei pe pânză. 86,5 x 75 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Patosul cunoașterii active care a cuprins Rusia în timpul lui Petru cel Mare o face parțial asemănătoare cu Europa de Vest Renaştere. Apoi, în Italia (și apoi în alte țări), au stimulat secularizarea culturii, dezvoltarea științelor practice în locul filosofiei speculative medievale și un interes aprins pentru individul autoevaluat (în afara cadrului corporativ, din nou caracteristic Evului Mediu). dezvoltarea rapidă a artei seculare, care s-a ridicat la cote fără precedent.

Această artă se caracterizează printr-o redare exactă a naturii, bazată pe studiul legilor perspectivei și anatomiei umane; și, cel mai important, o privire atentă și atentă asupra persoanei. Maeștrii Renașterii ne arată omului, în primul rând, ca pe un miracol, coroana creației, care trebuie admirată. Până în secolul al XVII-lea, această încântare lasă loc psihologismului profund și sobru, conștientizării paradoxurilor tragice ale existenței și naturii umane însăși (de exemplu, în lucrările lui Velazquez și Rembrandt).

Arta rusă a secolului al XVII-lea era încă la cheremul tradiției și canonului. Pictura seculară din acea vreme este formată din portrete parsun (din latinescul „persona”), care amintesc foarte mult de chipurile iconografice. Sunt plate, statice, lipsite de clarobscur și nu transmit cu acuratețe aspectul subiectelor (cunoscute autorilor, de regulă, prin auzite). Toate acestea, desigur, nu se datorează lipsei de talent. În fața noastră este un alt sistem artistic, destinat artei spirituale. A adus odată la viață capodoperele lui Teofan Grecul și Andrei Rublev. Dar vremurile s-au schimbat, iar tehnicile de pictură, lipsite de bază istorică, s-au transformat în arhaism.

Schimbările rapide în societate - și odată cu ea în artă - au început în anii nouăzeci ai secolului al XVII-lea. Un exemplu tipic este portretul bufonului regal Iakov Turgheniev, pictat de un artist necunoscut nu mai târziu de 1695. În general, aceasta este o parsuna tipică: o imagine înghețată pe un plan, deși lumina și umbrele sunt deja conturate. Dar principalul lucru este de a individualiza aspectul modelului: trăsături faciale, expresia ochilor; lumea interioară din portret nu este încă reflectată și totuși în fața noastră se află, fără îndoială, o persoană vie.

Ivan Nikitin. Portretul prințesei Praskovia Ivanovna (?), nepoata lui Petru I. 1714.
Ulei pe pânză. 88 x 67,5 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Ivan Nikitin. Portretul baronului Serghei Grigorievici Stroganov. 1726
Ulei pe pânză. 87 x 65 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Ivan Nikitin. Petru I pe patul de moarte. 1725
Ulei pe pânză. 36,6 x 54,4 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Faptul că genul portretului a început să se dezvolte foarte repede nu este surprinzător. În primul rând, a existat deja în pictura rusă (spre deosebire de majoritatea celorlalte genuri care trebuiau să apară încă). Motivul principal este că în epoca lui Petru cel Mare importanța individului a crescut brusc - activ, însetat de afirmare de sine, ruperea tradițiilor și a barierelor de clasă. Aceștia au fost „puii cuibului lui Petrov” - de la Menshikov la Abram Hannibal - oameni pasionați și talentați de diverse origini, datorită cărora nava rusă a reușit să depășească marea furtunoasă a reformelor radicale. Soarta acestor oameni a fost adesea tragică. Aceeași soartă îl aștepta pe primul artist celebru Secolul al XVIII-lea, avansat sub Petru - Ivan Nikitin.

S-a născut la mijlocul anilor 1680 (data exactă nu este cunoscută) în familia unui preot din Moscova. El a arătat devreme abilități extraordinare: pe când era încă foarte tânăr, a predat aritmetică și desen la „școala de artilerie” din Moscova. A început să studieze serios pictura sub conducerea lui Petru I, care a aflat despre talentul său.

Lucrările timpurii ale lui Nikitin (de exemplu, un portret care se presupune că o înfățișează pe nepoata lui Petru, Praskovya Ioannovna (1714)) amintesc încă în multe privințe de parsuni cu planeitatea, convenționalitatea și nesocotirea pentru anatomie. Dar noile trăsături devin din ce în ce mai vizibile în ele: atenție sporită la model, încercări de a-și transmite caracterul, viața interioară. În 1716, Nikitin a fost inclus în numărul pensionarilor lui Petru - tineri trimiși în străinătate pentru a studia pe cheltuiala statului.

Ivan Nikitin. Portretul hatmanului de podea. anii 1720
Ulei pe pânză. 76 x 60 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Înainte de a pleca, țarul s-a întâlnit personal cu artistul, iar apoi i-a scris soției sale (care se afla atunci la Berlin) să-i încredințeze să picteze mai multe portrete, printre care și regele prusac, „ca să știe că există și ai noștri. buni maeștri" Și la întoarcerea din străinătate, Peter nu l-a părăsit pe Nikitin cu atenția sa: i-a oferit o casă în centrul Sankt Petersburgului și l-a numit „Hofmahler al afacerilor personale”.

Artistul a simțit mai mult decât doar recunoștință față de împărat - a admirat această personalitate puternică și și-a respectat profund geniul de om de stat. Această atitudine este foarte vizibilă în celebrul portret al lui Petru de Nikitin. Bărbatul din portret nu mai este tânăr; În privirea lui este amărăciune și buzele strânse cu încăpățânare. Evident, a reușit să vadă și să aprecieze cealaltă față a realizărilor grandioase. Dar - renunț? În nici un caz! El este încă întruchiparea forței și a energiei nestăpânite. Iar în 1725, artistul a trebuit să-și îndeplinească o datorie jalnică: să-l prindă pe împărat pe patul de moarte. Acest tablou face o impresie puternică. Chipul defunctului, alarmant iluminat de flăcările lumânărilor (rămas „în culisele” tabloului), este înfățișat strict realist și în același timp plin de adevărată măreție.

Acestea și alte lucrări ale lui Nikitin mărturisesc creșterea rapidă a priceperii sale. Iată, de exemplu, un portret al cancelarului G.I. Golovkin. Ce persoană inteligentă, subtilă și ambiguă înfățișează! Aspectul ochilor săi întunecați și atenți ațintiți asupra privitorului este pur și simplu fascinant. Sau magnificul „Portretul hatmanului de podea”. Aceste tablouri sunt laconice, pline de dinamism interior și extrem de expresive. Autorul lor nu mai este constrâns de canon el este capabil de cele mai complexe tehnici tehnice.

Această rigiditate și rigiditate sunt vizibile în lucrările unui alt pensionar al lui Petru cel Mare, Andrei Matveev, de exemplu în „Autoportret cu soția sa” (1729?). Pozele și expresiile faciale ale tânărului cuplu descrise pe ea sunt statice și deliberate. În același timp, portretul atrage cu o oarecare sinceritate și puritate profundă. Când ne uităm la ea, o eră îndepărtată apare brusc în apropiere și ne vorbește direct...

După moartea lui Petru I, în Rusia au început vremuri grele. Succesorii săi, absorbiți de lupta pentru putere, au fost puțin preocupați de soarta statului și de supușii săi talentați. S-a terminat cu tristețe viata creativa Ivan Nikitin. În timpul domniei Annei Ioannovna, a fost arestat pentru că a participat la un cerc de opoziție de la Moscova, din care a ieșit un pamflet despre Feofan Prokopovici. A petrecut cinci ani în cetate, apoi, în 1737, a fost bătut cu bice și exilat în Siberia. Iertarea s-a primit după 1742, când s-a stins din viață împărăteasa certată; vai, e prea târziu.

Artistul epuizat și bolnav nu a putut ajunge niciodată acasă - a murit pe drum.

eră lovituri de palat, care aproape a aruncat la gunoi tot ce se realizase sub Petru, s-a încheiat în 1741 cu urcarea fiicei sale Elisabeta. După ce a primit tronul prin uzurpare (tânărul împărat Ioan Antonovici a fost îndepărtat și închis într-o cetate), ea și-a propus cu hotărâre să restabilească ordinea în stat. La fel ca tatăl ei, ea s-a străduit ca Rusia să-și ocupe locul cuvenit printre puterile europene. Ea a știut să găsească și să sprijine oameni talentați dintr-o varietate de medii sociale. Și, spre deosebire de tatăl ei, pe toată durata domniei ei nu a semnat nici măcar un mandat de moarte.

Nu e de mirare că înălțimea începe în acest moment cultura nationala. Universitatea din Moscova a fost înființată în 1755, Teatrul Național a fost creat în 1756, iar Academia de Arte a fost fondată în 1757. Arta plastică rusă devenea cu adevărat profesionistă.

Rolul principal în pictura din această perioadă a aparținut încă portretului. În anii patruzeci și șaizeci, I. Vishnyakov, A. Antropov, I. Argunov, M. Kolokolnikov, E. Vasilievsky, K. Golovachevsky au lucrat în această direcție. Arta portretului s-a dezvoltat în două genuri: formală și camerală.

Portretul ceremonial este în multe privințe un produs al stilului baroc (această direcție, care a luat naștere în secolul al XVI-lea, dominată atunci în Rusia) cu fastul său ponderal și grandoarea sumbră. Sarcina lui este să arate nu doar o persoană, ci și o persoană importantă în toată splendoarea înaltului ei statutul social. De aici și abundența accesoriilor menite să sublinieze această poziție, fastul teatral al ipostazei. Modelul este reprezentat pe fundalul unui peisaj sau al unui interior, dar cu siguranță în prim-plan, adesea în inaltimea intreaga, ca și cum ar suprima spațiul înconjurător cu măreția lui.

Ivan Vișnyakov. Portretul lui M. S. Begichev. 1825 Ulei pe pânză. 92 x 78,5 cm
Muzeul V.A. Tropinin și artiștii moscoviți din timpul său, Moscova

Cu portretele ceremoniale, unul dintre cei mai mari portretişti ai acelei vremuri, I.Ya., a devenit faimos. Vișniakov (1699-1761). Lucrările sale urmează tradițiile genului, dar au și o serie de trăsături unice acestui maestru. În primul rând, rafinamentul culorii, eleganța rafinată, ornamentația ușoară, adică trăsăturile caracteristice stilului rococo. Deosebit de indicativ în acest sens este portretul tinerei Sarah Eleanor Fermor, pictat în 1749 (câțiva ani mai târziu artista a realizat și un portret al fratelui ei).

O fată subțire, cu ochi întunecați, cu o perucă pudrată și o rochie pufoasă din satin rigid, încremeni pe fundalul draperiilor și coloanelor. Tocmai acest contrast al tinereții fragile și al decorativității ceremoniale este impresionant, subliniat de întreaga paletă roz-argintie a imaginii, nuanțele sidefate ale pliurilor dure, modelul subtil care pare să se așeze ușor în lateral. țesătura - ca gheața pe sticlă și peisajul transparent din fundal. Această pânză amintește oarecum de o vază din porțelan fin, pe care o admiri, cu frică să o atingi, să nu fie deteriorată de o mișcare neglijentă.

Vishnyakov este primul dintre pictorii ruși care gravitează atât de clar către lirism în interpretarea imaginilor. Această linie va fi continuată în lucrările contemporanilor și artiștilor săi mai tineri din a doua jumătate a secolului.

Alexei Antropov. Portretul Annei Vasilievna Buturlina. 1763
Ulei pe pânză. 60,3 x 47 cm Galeria de Stat Tretiakov

Cele mai semnificative lucrări de artă portretistică din secolul al XVIII-lea au fost create mai degrabă în genul portretelor de cameră decât în ​​cele ceremoniale. Perioada de glorie a acestui gen începe în anii patruzeci. Se caracterizează prin laconism, un număr mic de detalii (fiecare devine deosebit de semnificativă, adăugând ceva la caracteristicile modelului), de regulă, un fundal întunecat. Maeștrii portretului de cameră își concentrează atenția principală asupra feței, prezentate în prim-plan, notând cu atenție trăsăturile aspectului, realizând cât mai multă asemănare, încercând să pătrundă în lumea interioară a persoanei înfățișate.

Principalele realizări din acest gen aparțin a doi artiști care, împreună cu Vishnyakov, sunt considerați de către istoricii de artă cei mai mari pictori ai mijlocului secolului al XVIII-lea - Antropov și Argunov.

A.P. Antropov (1716-1795) a studiat pictura cu ruda sa, Andrei Matveev, unul dintre pensionarii lui Petru cel Mare. Deja în tinerețe, a început să lucreze în echipa de pictură a Biroului de clădiri sub conducerea lui Matveev, apoi Vishnyakov. Acești maeștri au avut o mare influență asupra lui, iar el, la rândul său, a fost profesorul lui Levitsky, lucrările sale au influențat opera lui Rokotov, iar mai târziu Borovikovsky și Shchukin. Așa s-a realizat continuitatea în arta portretului rusesc, trecând prin întregul secol al XVIII-lea.

Cele mai faimoase picturi ale lui Antropov au fost create în anii cincizeci și șaizeci. În acest moment, potrivit cercetătorilor, el poate fi considerat o figură centrală în pictura rusă. Portrete ale Buturlinilor, A.M. Izmailova, M.A. Rumyantseva, A.K. Vorontsova și Ataman Krasnoshchekov sunt înfățișați ca oameni foarte diferiți, dar oarecum asemănători - reprezentanți ai aceleiași clase sociale, aceleiași epoci. Uneori, aceste picturi ne fac să ne amintim de parsuni: ei (ca în lucrările lui Vishnyakov) uneori le lipsesc aerul și dinamism; Caracteristicile externe precise ale modelelor nu sunt întotdeauna însoțite de cele interne.

Cu toate acestea, acolo unde această caracteristică este prezentă, atinge o putere impresionantă. Ca, de exemplu, în portretul doamnei de stat A.M. Izmailova. Fața acestei femei de vârstă mijlocie este ascunsă în spatele unei măști netede de alb și ruj. Este maiestuoasă, plină de putere imperioasă și o conștiință senină a propriei superiorități. Imi vine involuntar gandul: cat de greu trebuie sa fie pentru cei aflati sub comanda ei. Artistul arată însă ambiguitatea naturii umane: privind mai atent, observăm că ochii arogantei doamne sunt mai înțelepți și mai blânzi decât părea la prima impresie...

Un alt exemplu este portretul ceremonial al împăratului Petru al III-lea. Acest prinț Holstein a fost ales de Elisabeta fără copii ca succesor doar din cauza relației sale (era nepotul ei, nepotul lui Petru I), și nu datorită calităților sale personale, care, din păcate, erau nesemnificative. După câteva luni de domnie fără glorie, a fost înlăturat de pe tron propria lui sotie- viitoarea mare împărăteasă Catherine. Această nesemnificație a personalității este atât de clar vizibilă în portret (în ciuda faptului că este pur și simplu plin de draperii, ordine, haine de hermină și alte atribute de fast și putere) încât, la drept vorbind, ne este milă de împărat nefericit.

Antropov cu greu și-a propus să-l dezamăgească pe monarh ca obiectiv al său. El doar, ca un adevărat maestru, nu putea minți. O astfel de precizie neînfricata l-a costat pe artistul carierei sale: nu a devenit niciodată membru al Academiei de Arte proaspăt deschisă.

Cu numele I.P. Argunov (1729-1802) este asociat cu o pagină specială din istoria artei ruse. A fost iobag de-a lungul vieții. Iobăgia sa întărit în secolul al XVIII-lea, transformându-se efectiv într-un tip de sclavie. Nobilii strălucitei curți imperiale, concurând între ei, au ridicat palate luxoase, au înființat teatre și galerii de artă. Creativitatea arhitecților iobagilor, pictorilor, muzicienilor și actorilor era la mare căutare. Au căutat oameni talentați și i-au hrănit, le-au creat condiții pentru a lucra, dar la pofta maestrului puteau pierde cu ușurință totul. Argunov a fost și el în această poziție, adesea forțat să fie distras de la muncă, fie pentru a copia tablouri, fie pentru a gestiona proprietatea proprietarului.

Ivan Argunov. Maica Domnului. 1753 (?). Ulei pe pânză. 202 x 70,7 cm Muzeul de Stat al Rusiei
Ivan Argunov. Isus Hristos. 1753 (?). Ulei pe pânză. 198 x 71 cm Muzeul de Stat al Rusiei

De asemenea, este norocos că proprietarii săi nu au fost cei mai răi - numără Sheremetev. Acum vorbim despre ambele familii - Sheremetev și Argunov - pe care și-au glorificat numele în istoria Rusiei: una a dat Rusiei comandanți și politicieni, cealaltă - arhitecți și pictori. Arhitecții au fost vărul lui Ivan Argunov și fiul său Pavel, ei au luat parte la construcția complexelor palate din Kuskovo și Ostankino. Cel de-al doilea fiu al lui Argunov, Nikolai, care a devenit faimos la începutul secolelor XVIII-XIX, a devenit portretist, ca și tatăl său.

De într-o manieră creativă I.P. Argunov este aproape de Antropov. Portretele sale - în special cele ceremoniale - duc uneori să ne gândim la Parsuni. Persoanele importante înfățișate pe ele sunt Prințul și Prințesa Lobanov-Rostovsky, Amiralul General Prințul M.M. Golitsyn, reprezentanții familiei Sheremetev și alții privesc nemișcați la privitor, constrânși de propria lor strălucire. La fel ca Antropov, Argunov scrie cu atenție texturile, admirând strălucirea țesăturilor, strălucirea bijuteriilor și cascadele de dantelă aerisită. (Admirarea pentru frumusețea lumii materiale, notăm apropo, este caracteristică nu numai acestor maeștri: acesta este unul dintre trăsături caracteristice toată pictura din secolul al XVIII-lea.)

În spatele acestei străluciri se ascund caracteristicile psihologice ale modelelor, dar ele sunt acolo și sunt destul de accesibile ochiului unui privitor atent. În portretele intime ale lui Argunov, această caracteristică iese în prim-plan. Acestea sunt portretele lui Tolstoi, soțul și soția Khripunov, o țărancă necunoscută și un număr de alții, care înfățișează oameni cu statut social, vârstă și temperament foarte diferit. Artistul se uită la fețele acestor oameni cu atenție și interes, observând cele mai mici caracteristici aspectul și caracterul, uneori admirându-le în mod deschis frumusețea, în primul rând internă (acest lucru se observă mai ales în portretele lui Khripunova și a unei țărănci necunoscute în costum rusesc).

Ivan Argunov a câștigat recunoașterea contemporanilor săi atât ca artist (nu degeaba, după urcarea la tron ​​a Ecaterinei a II-a, Senatul i-a comandat un portret ceremonial al tinerei împărătese, de care aceasta a fost foarte mulțumită), cât și ca un profesor. Elevii săi au fost, pe lângă fiul său Nikolai, K.I. Golovachevsky, I.S. Sablukov, A.P. Losenko - viitori pictori celebri și figuri marcante ale Academiei de Arte.

Genul care a apărut în arta rusă în ultimii ani ai domniei lui Petru, a atins apogeul în epoca post-petrină și a primit un fel de continuare la mijlocul și a doua jumătate a secolului merită o discuție specială.
Vorbim despre natura moartă.

Acest gen a fost foarte popular în arta europeană a secolului al XVIII-lea (când, apropo, a apărut termenul în sine). Naturile moarte de lux ale artiștilor flamanzi și olandezi sunt deosebit de renumite: pahare strălucitoare de vin, grămezi de fructe și vânat mort - un fel de simbol al bucuriei carnale și al abundenței materiale. Lumea materială nu a încetat să uimească și să încânte pictorii și, de asemenea, în Rusia, când arta plastică seculară a început să se dezvolte rapid acolo.

Primele naturi moarte rusești au fost pictate de mai mulți maeștri, inclusiv anonimi. Printre ei, cel mai faimos nume este Grigory Teplov. Seminarist, elev al lui Feofan Prokopovici, ulterior om de stat și om de știință, a realizat mai multe tablouri originale și, în felul lor, foarte atractive. Ele înfățișează lucruri de zi cu zi împrăștiate parcă într-o dezordine aleatorie pe o placă de lemn, sub care este deghizată pânza. Sunt pictate atât de atent încât se creează iluzia realității, nu degeaba criticii de artă numesc acest tip de natură moartă „trucuri”.

O gravură, un ceas, însemnări, o sticlă de medicament, un pix și un caiet, adică practic acele obiecte care au intrat recent în folosință sunt semne ale unui nou mod de viață care nu a devenit încă familiar. Aceasta este viața oamenilor care sunt conduși de un interes puternic pentru lume și de o sete de cunoaștere; pentru care un lucru nu este doar un obiect de uz casnic, ci un mister demn de înțeles. De aceea, aceste picturi aparent lipsite de artă au o energie atât de puternică. Ele ne fac să simțim neobișnuit de intens atractivitatea acelor vremuri îndepărtate. E ca și cum „momeala” ar fi într-adevăr o ființă reală, vie, care chiar acum, cu o clipă în urmă, a fost atinsă de mâna proprietarului său de mult plecat...

Au trecut destul de mulți ani - iar acum viața a revenit la rutina ei obișnuită, iar patosul descoperitorului a fost înlocuit cu o răpire festivă cu bucuriile vieții. Așa era atmosfera curții elisabetane - „Elisabeta veselă”, așa cum o numeau contemporanii ei. Odată cu baroc, intră în modă și stilul rococo - ușor, jucăuș, cochet. Enfilade de săli ale palatului sunt decorate cu decor capricios.

Boris Suhodolsky. Astronomie. Pe la 1754. Desudeporte
Ulei pe pânză. 100 x 210 cm Galeria de Stat Tretiakov

Atunci s-a dezvoltat în arta rusă un tip unic de natură moartă - desudéportes, sau panouri de uși. Au reprezentat vaze, flori și fructe, peisaje rafinate, draperii și ornamente. Conceput pentru a decora și armoniza interiorul, rareori pot fi considerate opere de artă independente, în afara arhitecturii generale și, așa cum s-ar spune acum, soluții de design pentru spațiu. În același timp, acestea au fost efectuate, de regulă, la un nivel foarte înalt.

În pregătirea maeștrilor care lucrează în acest domeniu, un rol major a jucat o instituție precum mai sus menționat Oficiul de Construcții din Sankt Petersburg, care avea echipe de arhitectură și pictură. Artiștii echipei de pictură au executat numeroase comenzi pentru pictura de palate, biserici, clădiri triumfale și festive. Printre aceștia, s-au remarcat maeștri precum Ivan Firsov, frații Alexey și Ivan Belsky și Boris Sukhodolsky.

Lucrările lui Firsov și A. Belsky sunt decorativ decorative; Când înfățișează vaze, fructe și draperii, nu s-au străduit deloc să arate ca un lucru real. Interioarele decorate cu lucrările acestor maeștri au dobândit completitudine și strălucire.

Suhodolsky și-a văzut sarcina oarecum diferit. Desudéportes-urile lui sunt, de regulă, peisaje. Integrate artistic în interior, ele sunt totuși percepute complet separat. Grădini și parcuri în stil baroc târziu - cu verdeață îngrozitoare, grote, ruine și fântâni, decorate cu statui în spiritul antic și busturi ale unor oameni mari. Astfel de grădini erau foarte populare în secolul al XVIII-lea; unele dintre ele, de exemplu, faimosul parc din Pavlovsk, au supraviețuit până în zilele noastre. În acest parc, de altfel, sub Ecaterina a II-a existau biblioteci speciale de grădină: privind busturile celor mari, este atât de îmbucurător să te angajezi într-o lectură serioasă și o reflecție asupra sublimului. Putem vedea, de asemenea, figuri de cititori de oameni pe panourile lui Sukhodolsky (de exemplu, „Walk”, ca. 1754).

„Falseaux” și desudeportes pot să nu pară un subiect foarte serios de luat în considerare alături de înaltele realizări ale portretului, istoriei și picturii de gen.

Dar fără ele, ideea artei secolului al XVIII-lea ar fi incompletă. Sunt strâns legate de timpul care le-a născut. Poate că nu ar fi exagerat să spunem că ele conțin sufletul acestui timp, farmecul său unic.

Ivan Sablukov. Portretul Ecaterinei a II-a. Anii 1770 Ulei pe pânză. 85 x 65,5 cm

În 1762, tronul Rusiei a fost ocupat de fosta prințesă germană Sophia Frederica - împărăteasa Ecaterina a II-a. Ea și-a răsturnat soțul, care era incapabil fie să guverneze statul, fie să mențină măcar un anumit prestigiu al curții imperiale, cu ajutorul gărzii. „Secolul femeilor”, așa cum este numit uneori secolul al XVIII-lea, a continuat și a atins apogeul.

Sub Ecaterina, Rusia a devenit o putere cu adevărat mare. Succesele i-au însoțit armata și diplomația. Au fost anexate noi terenuri, inclusiv regiunea de nord a Mării Negre, Crimeea și Caucazul de Nord; Granițele imperiului s-au mutat mult spre sud și vest. În Europa, Rusia era considerată un aliat dezirabil și un inamic foarte periculos;
conflicte privind ţările europene, nu s-ar putea decide fără participarea ei.

Politica internă a lui Catherine a fost decisivă și dură. Ea l-a ales pe Petru I ca exemplu pentru ea însăși (din ordinul ei, a monument celebru pe Piața Palatului Sankt Petersburg). Întărind bazele unei monarhii absolute, a acordat privilegii nobilimii - principalul ei sprijin - și a întărit înrobirea țăranilor. Fiind o fană a Iluminismului francez, ea, pentru a preveni subminarea temeliilor statului (odată cu începutul revoluției în Franța, această sarcină a devenit deosebit de urgentă!), a persecutat libera gândire și a înăbușit fără milă revoltele țărănești.

Catherine, ca și Peter și Elizabeth, a știut să aprecieze talentul. Suvorov, Dashkova, Potemkin, Ushakov, Derzhavin sunt doar o mică parte din constelația de nume care au glorificat timpul ei. Numele strălucitoare ale pictorilor ruși sunt, de asemenea, țesute în această constelație.

Ivan Sablukov. Portretul contesei L.N. Kusheleva. anii 1770. Ulei pe pânză. 65 x 50 cm
Muzeul de Stat de Artă Nijni Novgorod

Pictura rusă, ca și cultura în ansamblu, a fost în acest moment foarte influențată de ideile iluminismului. Această mișcare socio-filozofică, al cărei loc de naștere a fost Franța, s-a bazat pe cultul rațiunii, capabilă să înțeleagă lumea și să o transforme pe principiile dreptății, oportunității și progresului. Pentru iluminatori, toate aceste concepte erau clar pozitive. Ceea ce împiedica progresul trebuia condamnat; iraționalul și inexplicabilul erau considerate false.

Clasicismul a devenit expresia acestor idei în artă. Bazată pe percepția antichității ca ideal, această mișcare, spre deosebire de baroc și rococo, s-a străduit spre claritate și simplitate strictă. Frumusețea este cuantificabilă - acesta este credo-ul clasicismului. Există legi, respectând cu strictețe, pe care le poți crea o operă de artă perfectă. Aceasta, pe de o parte, este acuratețea, proporționalitatea, unitatea părților; pe de altă parte, „publicul este mai presus decât personalul”, „datoria este mai presus decât iubirea”.

În Franța, artiștii, dramaturgii și arhitecții au urmat principiile clasicismului încă din secolul al XVII-lea - cu mult înainte de Iluminism; În Rusia, perioada de glorie a artei clasiciste a avut loc în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. Activitățile Academiei de Arte, fondată în 1757 la Sankt Petersburg, au jucat un rol important în acest sens.

Importanța Academiei în istoria artei ruse este extrem de mare. Timp de multe decenii a rămas singura instituție de învățământ superior de artă din Rusia. După ce a primit statutul de imperial în 1764, a rămas sub tutela constantă a autorităților, care, pe de o parte, i-a oferit posibilitatea de a plăti pentru cei mai buni studenți călătorii lungi de afaceri în străinătate și, pe de altă parte, de a limita „ideologice”. confuzie și șovăială.”

Kiril Golovocevski. Portretul contesei Sofia Dmitrievna Matyushkina în copilărie. 1763.
Ulei pe pânză. 61,2 x 47,5 cm Galeria de Stat Tretiakov

Anton Losenko. Portretul poetului și dramaturgului Alexander Petrovici Sumarokov
Ulei pe pânză. 74 x 64,5 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Sistemul de admitere a studenților a fost, totuși, destul de democratic, negravat de formalități. Trei studenți ai I.P. au fost printre primii care au intrat în Academie. Argunova - Losenko, Sablukov și Golovachevsky. Având o pregătire bună, nu numai că au studiat, dar i-au ajutat și pe profesori să predea cursuri academice și, la un moment dat, chiar au condus cursuri de pictură.

Predarea la Academie se baza, desigur, pe principiile clasicismului. Tinerii care au studiat au fost insuflat cu ideea nevoii de a se baza pe experiența trecutului, pe valoarea tradițiilor, în special a celor străvechi. Arta, au explicat profesorii, ar trebui să se străduiască pentru un ideal căruia viața din jur să corespundă, din păcate, puțin. Cu toate acestea, conține și modele ideale; un bun artist le va identifica și va prezenta natura pe pânză corectată, așa cum ar trebui să fie.

Având în vedere astfel de principii, nu este de mirare că academicienii au plasat genul istoric pe primul loc în pictură (subiectele biblice, legendare și mitologice au fost considerate și ele istorice). După deschiderea Academiei, acest gen a început să înflorească în arta rusă.

Dintre elevii I.P. Argunov, care a intrat la Academia de Arte, A.P. a obținut cel mai mare succes creativ. Losenko. S-a dovedit a fi un portretist extraordinar: Sumarokov, Ivan Shuvalov și fondatorul teatrului rus Fiodor Volkov au pozat pentru el. Dar, în primul rând, îl cunoaștem și îl apreciem ca pictor istoric - fondatorul acestui gen în arta rusă.

Fiul orfan timpuriu al unui mic țăran rus, Anton Losenko și-a putut face drum în viață numai datorită talentului său. În prima tinerețe a cântat în corul curții, de acolo a devenit elev al lui Argunov. Apoi a fost trimis la Academie. S-a distins întotdeauna prin observație, curiozitate vie și dorință lacomă de cunoaștere. În străinătate (în anii șaizeci a vizitat Parisul de două ori, apoi Roma), Losenko a ținut un „Jurnal al lucrărilor notabile de pictură și sculptură pe care le-am observat”, unde și-a analizat cu atenție impresiile despre lucrările marilor maeștri europeni - Rafael, Rubens, Rembrandt, Poussin, a studiat monumentele antice, determinându-și propriul drum în artă.

Anton Losenko. Moartea lui Adonis. 1764 Ulei pe pânză. 77,6 x 105,2 cm

Anton Losenko. Zeus și Thetis. 1769
Ulei pe pânză. 172 x 126 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Și ulterior, în timp ce preda tineri artiști la Academie, nu a încetat niciodată să învețe singur. S-a străduit pentru stăpânirea perfectă a tehnicii, cunoașterea precisă a anatomiei și a perspectivei. Desenele sale sunt considerate una dintre cele mai înalte realizări ale graficii secolului al XVIII-lea; multă vreme au servit drept model studenţilor Academiei la orele de desen. Primul manual de anatomie plastică alcătuit de el în Rusia - „Explicarea unei scurte proporții a unei persoane... în beneficiul tinerilor care practică desenul...” - a fost folosit și la Academie timp de câteva decenii.

Principiile artistice ale lui Losenko au fost determinate până la sfârșitul anilor șaizeci. Logica clară a clasicismului părea la acea vreme o gură de aer proaspăt pe fondul pretențioșiei decorative și supraîncărcării cu alegorii ale barocului târziu și rococo, în spiritul cărora lucrau artiștii străini invitați în Rusia la acea vreme (de exemplu, S. . Torelli şi F. Fontainebasso). În 1768, Losenko a pictat două „figuri academice de mărimea unei persoane obișnuite” - studii ale corpului gol, numite convențional „Cain” și „Abel”, iar un an mai târziu - pictura „Zeus și Thetis”. În aceste lucrări el s-a declarat mai întâi un artist al mișcării clasiciste.

Cele mai bune lucrări ale lui Losenko sunt picturi de gen istoric, scrise pe tema istoriei antice și, cel mai important, a istoriei naționale. În 1770, expune la Academie pictura „Vladimir și Rogneda”. Intriga sa se bazează pe evenimentele din îndepărtatul secol al X-lea, descrise în Povestea anilor trecuti. Vladimir, viitorul Mare Duce al Kievului, a cortes-o pe prințesa Polotsk Rogneda și, după ce a primit un refuz, a capturat-o cu forța după ce a învins Polotsk și i-a ucis tatăl și frații. Apelul la un complot din istoria Rusiei a fost inovator și, în același timp, foarte indicativ pentru a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, când societatea rusă, în condiții de ascensiune națională, a început să realizeze semnificația și măreția trecutului său istoric. Eroii cronicilor și legendelor au stat la egalitate cu personajele antice și biblice, demonstrând același exemplu de pasiuni puternice și sentimente înalte.

Anton Losenko. Avraam își sacrifică fiul Isaac. 1765
Ulei pe pânză. 202 x 157 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Anton Losenko. Captură minunată de pește. 1762
Ulei pe pânză. 159,5 x 194 cm Muzeul de Stat al Rusiei

În imagine, Vladimir nu apare ca un cuceritor crud. Este îndrăgostit și deprimat de durerea iubitei sale, pe care i-a provocat-o el însuși. Sunt compatibile arbitrariul și dragostea? Povestea, pe care Losenko o cunoștea bine, a oferit răspunsul: Vladimir și Rogneda au trăit mulți ani într-o căsnicie prosperă... până când prințul a părăsit-o de dragul unei prințese bizantine, cu care a trebuit să se căsătorească din motive politice.

Trei ani mai târziu, artistul a prezentat publicului un alt tablou. subiect istoric- „Adio lui Hector lui Andromache”, o compoziție complexă cu mai multe figuri, executată cu strălucire profesională și sacrificiu de sine slăvit în numele Patriei.

În urma lui Losenko, o întreagă galaxie de pictori istorici a intrat în arta rusă, cei mai mulți dintre ei fiind studenții săi: I. Akimov, P. Sokolov, G. Ugryumov, M. Puchinov. Toate se disting printr-un nivel înalt de îndemânare: desen rafinat, fluență în culori și lumini și umbre și utilizarea celor mai complexe tehnici de compoziție.

Această abilitate face o mare impresie în pictura lui Akimov, în vârstă de nouăsprezece ani, „Marele Duce Svyatoslav, sărutându-și mama și copiii la întoarcerea de la Dunăre la Kiev”, scrisă sub marea influență a unui profesor, dar la nivel profesional al un artist pe deplin matur. Ulterior, I.A. Akimov (1754-1814) a creat o serie de picturi, în principal pe teme mitologice (de exemplu, „Auto-imolarea lui Hercule”), predate multă vreme la Academie și, la un moment dat, a condus-o. În 1804, el a scris unul dintre primele eseuri despre arta rusă - „Scurte informații istorice despre unii artiști ruși”.

Printre lucrările lui P.I. Sokolov (1753-1791) este deosebit de interesant în pictura „Mercur și Argus”, în care sunt contrastate figurile unui puternic adormit cu încredere și ale vicleanului insidios Mercur, care este pe cale să-l lovească cu o sabie. Sokolov este, de asemenea, cunoscut ca unul dintre cei mai buni desenatori academicieni: reprezentările sale cu modele care folosesc creion italian și cretă pe hârtie colorată sunt considerate de criticii de artă ca fiind printre cele mai înalte realizări ale graficii rusești ale secolului al XVIII-lea.

Lucrările lui M. Puchinov (1716-1797) se remarcă prin decorativitate sporită, provenind din pictura rusă de la mijlocul secolului și, în general, neobișnuită pentru arta clasicismului. Un exemplu de astfel de compoziție decorativă, bogată în culori este pictura „Întâlnirea lui Alexandru cel Mare cu Diogene”, care înfățișează o întâlnire cu filozoful Alexandru cel Mare, pentru care a primit titlul de academician în 1762.

Ivan Akimov. Prometeu face o statuie la ordinul Minervei. 1775
Ulei pe pânză. 125 x 93 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Ivan Akimov. Saturn cu o coasă, așezat pe o piatră și tăind aripile lui Cupidon. 1802
Ulei pe pânză. 44,5 x 36,6 cm Galeria de Stat Tretiakov

Matvei Puchinov. Întâlnirea lui Alexandru cel Mare cu Diogene
Ulei pe pânză 217 x 148 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Un rol deosebit în dezvoltarea picturii istorice rusești l-a jucat G.I. Ugryumov (1764-1823). Era îndrăgostit de istoria Rusiei și a desenat subiecte pentru picturile sale din ea. A pictat în principal pânze mari cu mai multe figuri dedicate importantelor evenimente istorice, umplându-le cu idei apropiate de societatea rusă de la începutul secolului. De exemplu, în pictura „Chemarea lui Mihail Fedorovich la țar la 14 martie 1613” (nu mai târziu de 1800), el dezvoltă tema puterii ca datorie și povară, relevantă în orice moment. Tânărul Mihail, deși nu are încredere în abilitățile sale, se supune voinței oamenilor care l-au ales în regat, pentru că se simte responsabil în fața oamenilor și a Patriei.

Eroii lui Ugryumov ar putea deveni nu numai conducători și generali („Intrarea ceremonială a lui Alexandru Nevski în orașul Pskov după victoria sa asupra germanilor”, „Capturarea Kazanului”), ci și oameni obișnuiți, precum legendarul Kyiv kozhemyaki Yan Usmar („Testul puterii lui Yan Usmar”). Picturile sale se caracterizează, pe lângă conținutul semantic, prin soluții compoziționale expresive, culori bogate și un joc luminos de clarobscur.

Ugryumov a devenit profesor de pictură istorică la Academie la începutul anilor nouăzeci (la scurt timp după ce el însuși a absolvit) și a rămas ca atare timp de mai bine de douăzeci de ani. A îmbunătățit metoda de predare a desenului, făcând-o mai liberă și mai aproape de natură. Pregătirea tehnică excelentă pe care Academia a oferit-o studenților săi în secolul următor i s-a datorat în mare parte.

Grigori Ugriumov. Chemarea la tron ​​a lui Mihail Fedorovich Romanov la 14 martie 1613. Nu mai târziu de 1800
Ulei pe pânză. 510 x 393 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Grigori Ugryumov. Captura Kazanului la 2 octombrie 1552 Nu mai târziu de 1800. Ulei pe pânză. 510 x 380 cm
Muzeul Național de Artă al Republicii Belarus, Minsk

Grigori Ugriumov. Intrarea ceremonială a lui Alexandru Nevski în orașul Pskov după victoria sa asupra germanilor. 1793 (1794?). Ulei pe pânză 197,5×313,5 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Grigori Ugryumov. Testul de rezistență al lui Jan Usmar 1796 (1797?)
Ulei pe pânză 283 x 404 cm Muzeul de Stat al Rusiei

A doua jumătate a secolului al XVIII-lea a fost perioada înaltă a artei portretului rusesc. Vine o nouă generație de maeștri, cu idei și idei noi despre ceea ce ar trebui să fie un portret. Clasicismul îi influențează, dar într-o măsură mult mai mică decât pictorii istorici. Conduși de un interes puternic față de personalitatea umană, ei se străduiesc să o arate cât mai profund și cuprinzător posibil. Tipologia portretului se extinde: la portretele formale și de cameră deja existente se adaugă costumate și mitologice. Cercul social al modelelor este în creștere - și, ceea ce este tipic, în principal datorită oamenilor de muncă creativă care și-au câștigat faima pentru talentul și cunoștințele lor, și nu pentru originea înaltă. Arta portretului încetează să mai fie elitistă și depășește capitalele: locuitorii provinciilor rusești vor și ei să se imortalizeze pentru posteritate și, prin eforturile numeroși pictori de provincie, se creează o amplă galerie de imagini; material foarte interesant pentru criticii și istoricii de artă.

Într-un cuvânt, arta portretului poate fi numită în siguranță apogeul picturii rusești din a doua jumătate a secolului. La acest vârf există, în primul rând, două nume: Rokotov și Levitsky.

Rokotov și Levitsky. Oricine a văzut vreodată portretele pe care le-a creat va rămâne pentru totdeauna sub vraja lor. Atât de asemănătoare și atât de diferite. Elegant Levitsky, jucându-se cu imaginile, folosind cu generozitate detalii, alegorii, unghiuri - uneori nu este contrariu să-și bată joc de modelele sale, deși are o atitudine complet iubitoare față de ele. Și misteriosul Rokotov - fețele din picturile sale plutesc din amurgul vag, emoționează și atrag neobișnuit... În ciuda aparentei monotonii a tehnicilor sale, el atinge o profunzime psihologică uimitoare și puterea impactului emoțional. Istoricii de artă compară uneori acești artiști cu alți doi mari portretiști - englezii Reynolds și Gainsborough. Într-adevăr, paralelele sunt evidente. Desigur, nu vorbim despre nicio influență sau împrumut. Aceasta este intimitatea interioară. O epocă, procese istorice similare... Oamenii care trăiesc în diferite părți ale Europei descoperă adesea mult mai multe în comun decât se crede, din anumite motive, în mod obișnuit.

Ne. 65:

Fedor Rokotov. Portretul lui Praskovya Nikolaevna Lanskaya. La începutul anilor 1790. Ulei pe pânză. 74 x 53 cm (opal). Galeria de Stat Tretiakov
Fedor Rokotov. Portretul Varvara Ermolaevna Novosiltseva. 1780 Ulei pe pânză. 70,5 x 59 cm (oval). Galeria de Stat Tretiakov

Nu știm multe despre viața lui Fiodor Stepanovici Rokotov. Data nașterii sale este contestată: 1732 sau 1735; și poate 1736 (artista a murit în 1808). Se știe că s-a născut într-o familie de iobagi și și-a primit libertatea după ce a început să picteze. El și-a atins faima devreme: la sfârșitul anilor cincizeci, când era încă departe de treizeci de ani, a fost însărcinat să picteze un portret ceremonial al Marelui Duce Petru Fedorovich (viitorul Petru al III-lea). În același timp, a pictat un tablou neobișnuit pentru opera sa - unul dintre primele interioare rusești, „Oficiul I.I. Şuvalov." Acesta nu este doar un interior, este un fel de „portret fără model” (totuși, încă îl vedem pe Shuvalov: portretul lui de J.-L. de Velli atârnă pe peretele biroului său). Contele Ivan Shuvalov nu a fost doar un mare om de stat, ci și unul dintre cei mai educați oameni ai timpului său, fondatorul Universității din Moscova, un cunoscător și un cunoscător al artei. Tabloul lui Rokotov, care reproduce mobilierul biroului său cu acuratețe documentară, îi reînvie atmosfera, ajutându-ne să înțelegem mai bine acest om extraordinar.

Până la mijlocul anilor şaizeci, Rokotov a locuit în Sankt Petersburg. Chiar și atunci avea atât de multe comenzi încât, deși a lucrat foarte repede, detalii minore ale portretelor trebuiau completate de studenții săi. Unul dintre contemporanii săi a scris cu încântare despre portretul magnific al lui A.P. Sumarokov, creat în doar trei ședințe: „... tu, aproape jucăuș, i-ai marcat doar înfățișarea feței și ascuțimea vederii (privirii), la acea oră sufletul său de foc, cu toată tandrețea inimii, n-a făcut. ascunde asya pe pânza animată de tine...”.

Fedor Rokotov. Portretul Varvara Nikolaevna Surovtseva. A doua jumătate a anilor 1780.
Ulei pe pânză. 67,5 x 52 cm (oval). Muzeul de Stat al Rusiei

Fedor Rokotov. Portretul lui Agrafena (Agrippina?) Mikhailovna Pisareva (?),
nascut Durasova. Prima jumătate a anilor 1790.
Ulei pe pânză. 63,5 x 49,5 cm (oval). Muzeul de Stat al Rusiei
Fedor Rokotov. Portretul contesei Elizaveta Vasilievna Santi, născută Lachinova. 1785
Ulei pe pânză. 72,5 x 56 cm (oval). Muzeul de Stat al Rusiei

Portretul Marelui Duce Pavel Petrovici, pictat în 1761, este foarte bun. Acest om, câteva decenii mai târziu, avea să devină un împărat rus misterios, cu un temperament de neînțeles și soartă tragică. Între timp, acesta este doar un băiețel, vioi și capricios; Farmecul copilăriei este subliniat de combinația caldă de tonuri aurii și roșii, pe care se construiește culoarea imaginii.

În jurul anului 1766, artistul s-a mutat la Moscova. Acolo, în anii şaizeci şi optzeci, al lui cele mai bune lucrări: portretele lui V.I. Maykova, A.I. Vorontsova, A.M. Obreskova, A.Yu. Kvashina-Samarina, V.E. Novoseltseva, P.N. Lanskoy, E.V. Santi, soțul și soția Struisky și Surovtsev și mulți alții. A scris într-un stil cameral strict, arătând de-a lungul timpului o afinitate tot mai mare pentru simplitatea clasicistă. Detalii minime, fundal întunecat simplu. Toată atenția privitorului este captată de chipul modelului. Aceste fețe sunt foarte diferite, ceea ce au în comun este că toate sunt spirituale. Rokotov nu a pictat oameni superficiali, sau mai degrabă, a putut să discerne profunzimea lor în toți cei care au pozat pentru el. Ochi vii ne privesc, când batjocoritor, când trist, când cu neliniște dureroasă. Ele conțin întotdeauna un secret, o ghicitoare a unei vieți necunoscute nouă. Incapacitatea de a o rezolva mă îngrijorează, mă face să privesc iar și iar...

Poate că poetul Nikolai Zabolotsky a spus cel mai bine despre acest efect hipnotic pe care portretele lui Rokotov îl au asupra privitorului:

...Îți amintești cum, din întunericul trecutului,
Abia învelite în satin,
Din portretul lui Rokotov din nou
Struyskaya se uita la noi?
Ochii ei sunt ca două neguri,
Jumătate zâmbet, jumătate plâns,
Ochii ei sunt ca două înșelăciuni,
Eșecuri acoperite în întuneric.
O combinație de două mistere
Jumătate încântare, jumătate frică,
O criză de tandrețe nebună,
Anticiparea durerii de moarte...
(Din poezia „Portret”, 1954).

Dmitri Grigorievich Levitsky (1735-1822) s-a născut și a petrecut primii aniîn Ucraina. Arta l-a însoțit încă din copilărie: tatăl său, preot, era pasionat de gravură și era considerat unul dintre cei mai buni gravori ucraineni. Cu toate acestea, este dificil de spus cum s-ar fi evoluat soarta lui Levitsky dacă nu ar fi fost întâlnirea cu A.P. Antropov, care a venit la Kiev pentru a supraveghea lucrările de pictură din Biserica Sf. Andrei. Antropov a observat talentul lui Dmitri și l-a luat ca student.

Levitsky a învățat multe de la profesorul său. În primul rând, capacitatea de a oferi o descriere precisă și precisă a persoanei care este portretizată. Dar a mers mult mai departe decât Antropov, umplându-și lucrările cu profunzime, punând în ele umanism și lățime de viziune, ceea ce l-a făcut asemănător cu Rokotov.

El a pictat primele tablouri care ne permit să vorbim despre Levitsky ca un artist matur la sfârșitul anilor șaizeci și șaptezeci. Acestea sunt portretele lui A.F. Kokorinov (famos arhitect, constructor al clădirii Academiei de Arte) și N.A. Sezemova. În portretul lui Sezemov, se observă aspectul neobișnuit al persoanei înfățișate în arta vremii - un originar din țărănime. De asemenea, este extrem de interesant portretul lui Denis Diderot, pictat în 1773, când filozoful francez a venit la Sankt Petersburg.

În același 1773, Levitsky a primit o comandă mare de la Ecaterina a II-a. Până în 1776, lucrarea sa a continuat la „Smolyanka” - o serie de portrete ale studenților Institutului Smolny, același care i-ar fi glorificat numele pentru totdeauna, chiar dacă nu ar fi pictat altceva. Impresia de ansamblu care apare atunci când priviți aceste portrete uimitoare unul după altul poate fi exprimată în câteva cuvinte: fericire, încântare, sărbătoare! Aceste fete viclene în costume de teatru, care joacă timid scene pastorale în fața artistului, sunt pur și simplu miraculos de bune. Aici nativul din însorita Mică Rusia a dat frâu liber iubirii sale de viață, optimismului și admirației pentru însuși faptul existenței. Fiecare portret este o lucrare independentă, fiecare femeie din Smolensk are propriul ei caracter. Dar toate împreună formează o minunată unitate semantică și stilistică, iar cu nu mai puțin extaz decât chipurile lor, artista își pictează ținutele, transmițând cu măiestrie caracteristicile țesăturilor: mătase și satin, catifea, dantelă și brocart.

Și iată un alt tablou frumos, pictat în același 1773. În ea, Levitsky a arătat nu numai pricepere și simțul umorului, ci și, poate, un curaj extraordinar. Acesta este un portret al celebrului crescător P.A. Demidova. Portretul este ceremonial: Demidov este înfățișat într-o ipostază mândră, în plină creștere, la spate, așa cum ar trebui să fie, sunt coloane și draperii. Cu toate acestea, el nu este îmbrăcat într-o uniformă cu comenzi, ci într-o șapcă și halat de casă și se sprijină nu pe vreun tom sau pe bustul unui mare artist, ci pe o adapatoare. Un gest regal al mâinii se adresează ghivecelor de flori: iată-o, principala realizare și munca unei vieți! Sensul ironic al portretului este, desigur, nu doar în scufundarea modelului într-un mediu acasă: o astfel de tehnică, care a fost găsită de mai multe ori în portretele secolului al XVIII-lea, nu ar face decât să adauge sinceritate și căldură imaginii. Dar tocmai combinația dintre incongruenți este cea care ajută la o descriere devastator de exactă a lui Demidov, care avea, pe de o parte, o minte extraordinară și, pe de altă parte, o dispoziție foarte bizară, cu semne pronunțate de tiranie absurdă.

Această precizie a caracteristicilor este caracteristică tuturor portretelor lui Levitsky. El știe perfect să observe principalul lucru la o persoană și să creeze o imagine holistică, strălucitoare. Și nu își tratează niciodată modelul cu obiectivitate rece. Dacă îi place o persoană, el pictează o imagine care radiază de căldură (portrete ale lui M.A. Dyakova-Lvova, tatăl artistului și fiica sa, soțul și soția Bakuninilor și alții).

Dmitri Levitsky. Portretul unui preot (G.K. Levitsky?). 1779
Ulei pe pânză. 71,2 x 58 cm Galeria de Stat Tretiakov

Dmitri Levitsky. Portretul arhitectului Alexander Filippovici Kokorinov. 1769

Dmitri Levitsky. Portretul elevilor Societății Imperiale de Educație a fecioarelor nobile Feodosia Stepanovna Rzhevskaya și Nastasya Mikhailovna Davydova. 1772
Ulei pe pânză. 161 x 103 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Dmitri Levitsky. Portretul unei eleve a Societății Imperiale de Educație pentru Fecioarele Nobile Ekaterina Ivanovna Nelidova 1773.
Ulei pe pânză 164 x 106 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Dmitri Levitsky. Portretul unei eleve a Societății Imperiale de Educație pentru Fecioarele Nobile Ekaterina Ivanovna
Molchanova. 1776. Ulei pe pânză. 181,5 x 142,5 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Dmitri Levitsky. Portretul Nataliei Semyonovna, o elevă a Societății Imperiale de Educație pentru Fecioare Nobile
Borșova. 1776. Ulei pe pânză. 196,5 x 134,5 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Dmitri Levitsky. Portretul lui Ivan Logginovich Golenishchev-Kutuzov
Ulei pe pânză. 80,3 x 63,2 cm Muzeul de Istorie de Stat, Moscova

Dmitri Levitsky. Portretul lui Alexandru Vasilevici Suvorov. 1786
Ulei pe pânză. 80,5 x 62,5 cm Muzeul V.A. Tropinin și artiștii moscoviți din timpul său, Moscova

Dmitri Levitsky. Portretul Annei Stepanovna Protasova, fosta domnișoară de onoare a Ecaterinei a II-a. 1800
Ulei pe pânză. 81,5 x 64,5 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Dmitri Levitsky. Portretul Ecaterinei a II-a. Pe la 1782
Ulei pe pânză. Muzeul de Stat- Rezervația naturală Pavlovsk

Petru Drojdin. Portretul Ecaterinei a II-a. 1796
Ulei pe pânză. 251 x 187 cm Galeria de Stat Tretiakov

Ermolai Kamezhenkov. Portretul unui om liber onorific al Academiei de Arte, pictorul Johann Friedrich Groth. 1780
Ulei pe pânză. 134 x 102 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Însă cea mai uluitoare strălucire exterioară nu îl poate face să ascundă aroganța, insensibilitatea sau înșelăciunea acolo unde le observă (de exemplu, în portretele Ursulei Mnischek și Anna Davia).

Cu toate acestea, printre lucrările lui Levitsky există una în care nu își permite să arate nicio părtinire artistică. Vorbim despre celebrul portret al Ecaterinei a II-a (prima versiune a fost creată în 1783). Aici s-a confruntat cu o sarcină clar definită: crearea imaginii unei împărătese-legislatoare, întruchiparea ideii unei monarhii iluminate. Această idee era populară în societatea de atunci. Levitsky însuși a împărtășit-o - motiv pentru care a reușit să creeze această pânză cu o asemenea strălucire, ca o odă solemnă, în spiritul „Felitsa” a lui Derzhavin.

Timp de mai bine de cincisprezece ani (din 1771 până în 1787) Levitsky a predat portretul la Academia de Arte. Elevul său a fost minunatul portretist Șciukin, care a aparținut următoarei generații de artiști ruși. Desigur, influența sa a fost simțită nu numai de cei cărora le-a predat pictura. Putem vorbi despre un întreg cerc de artiști ai acelei vremuri, aproape de Levitsky ca stil și puncte de vedere asupra artei portretului.
În primul rând, acesta este P.S. Drojdin (1745-1805), care, pe lângă Levitsky, a studiat și cu Antropov și a pictat în 1776 un tablou foarte cald și precis din punct de vedere psihologic, care îl înfățișează pe Antropov cu fiul său în fața unui portret al soției sale. Sunt cunoscute și portretele sale tânărîntr-un caftan albastru (1775), un Tverite (1779) și o serie de altele, alcătuind o galerie de personaje umane foarte diferite.

Este imposibil să nu menționăm E.D. Kamezhenkov (1760-1818), ale cărui cele mai bune lucrări („Portretul unui bărbat necunoscut într-o haină liliac”, „Autoportret cu fiica sa Alexandra”, portretele fiicei sale cu o dădacă, I.F. Grot) îl caracterizează și el ca artist. a cercului lui Levitsky.

Mihail Şibanov. Prânz țărănesc. 1774
Ulei pe pânză. 103 x 120 cm Galeria de Stat Tretiakov

Desigur, nu am enumerat toți pictorii de portrete care au lucrat în Rusia în timpul lui Catherine. Erau mulți dintre ei în capitale și provincii. Inclusiv artiști străini care, cu mai mult sau mai puțin succes, se încadrează în tabloul de ansamblu al picturii rusești (de exemplu, îl putem numi pe K. Khristinek, care este apropiat în stilul său de Rokotov). Arta portretului a continuat să se dezvolte continuu. Până în anii nouăzeci ai secolului al XVIII-lea ajunsese într-o nouă etapă.

Spre deosebire de portret, genul de zi cu zi tocmai a apărut în secolul al XVIII-lea. Perioada de glorie avea să vină în secolul următor, cunoscut pentru tendințele sale democratice. Între timp, artiștii care apreciau frumusețea vieții de zi cu zi căutau teme și subiecte noi și priveau perspectivele de deschidere cu o curiozitate prudentă.

Viața oamenilor de rând, în special a țărănimii, le-a fost dezvăluită.

Problema țărănească din Rusia a fost întotdeauna acută. Mai ales după devastatorul război Pugaciov. Societatea educată, însă, nu voia să vadă în țărani doar tâlhari sau producători fără chip și neputincioși de bogăție materială. În el sa născut conștientizarea că acesta era poporul rus. De aici interesul trezit pentru viata taraneasca, costum, ritualuri și tradiții. În multe privințe, era și, ca să spunem așa, de natură etnografică: nobilimea rusă (societatea educată a secolului al XVIII-lea era, după cum știm, aproape exclusiv nobilă) a făcut cunoștință cu o latură a vieții care le era practic necunoscută.

În lumina acestui interes, luăm în considerare munca fondatorului gen de zi cu ziîn pictura rusă de Mihail Shibanov.

Nu știm practic nimic despre viața lui, cu excepția originilor sale de iobag (eventual prințul Potemkin) și a faptului că a scris cele mai bune lucrări ale sale în anii șaptezeci. Și lucrarea este magnifică. Tablouri precum „Cina țărănească”, „Conspirație” și mai ales „Sărbătoarea contractului de nuntă” ne permit să-l plasăm printre cei mai buni artiști ai timpului său. Desigur, cunoștea foarte bine viața pe care o descrie în picturile sale. Pe spatele unuia dintre ele este indicat că reprezintă „țăranii din provincia Suzdal” și era scris „în aceeași provincie, în satul Tatarov”. Costumele rusești, de zi cu zi și festive, sunt frumos reprezentate pe pânze, iar detaliile vieții de zi cu zi sunt afișate în mod fiabil. Dar principalul lucru al lui Shibanov este fața lui. Sunt complet vii. Ce varietate de personaje și stări de spirit! Iar chipul bătrânei din „Sărbătoarea contractului de nuntă” este, în opinia noastră, pur și simplu o adevărată capodoperă.

Mihail Şibanov. Portretul contelui A.M. Dmitrieva-Mamonova. 1787
Ulei pe pânză. Muzeul de Stat de Artă Nijni Novgorod

Mikhail Shibanov Portretul Ecaterinei a II-a. 1787. Ulei pe pânză. 70 x 59 cm
Palatul de Stat și Muzeul Parcului-Rezervație „Gatchina”

Stăpânirea caracterizării lui Shibanov s-a manifestat nu numai în pictura de zi cu zi. A pictat mai multe portrete geniale: Catherine a II-a într-un costum de călătorie, preferatul ei A.M. Dmitriev-Mamonov, Spiridonov, Nesterov. Dar a intrat în istoria artei ruse, desigur, ca pionier al temelor populare.

I. Ermenev (1746 - după 1789), acuarelist și grafician, fiu de mire, a absolvit Academia de Arte și celebru pentru, care a participat la asaltarea Bastiliei la 14 iulie 1789. Foarte puțin din opera sa a supraviețuit: un număr foile grafice, printre care se numără o serie neobișnuită care dezvoltă imagini cu țărani. S-ar putea numi „cerșetori”. Sunt cerșetorii pe care Ermenev îi înfățișează în diferite versiuni și unghiuri, într-o manieră monumental-grotesc unică. Când te uiți la foile serialului, ai impresia că o întâlnire cu acești oameni nefericiți l-a șocat profund pe artistă cândva. Nu acest șoc l-a aruncat în cele din urmă în furtuna sângeroasă a Franței revoluționare?...

Povestea despre pictura de zi cu zi a secolului al XVIII-lea va fi incompletă dacă nu amintim minunatul tablou al lui I. Firsov „Tânărul pictor” - unul dintre primii care aparțin acestui gen. Există mai multe mistere asociate cu această pictură și cu autorul său. Este oare același Firsov care, în anii cincizeci, în echipa de pictură a Cancelariei de la Clădiri, a creat desudeportes baroc? Când și unde a fost pictat tabloul? Există o presupunere că în Paris și că înfățișează o familie franceză. Cu toate acestea, acesta din urmă nu este ideea. Imaginea este cu adevărat minunată - cu culoarea ei proaspătă, ușurința compoziției, fermecătoarea vivacitate a personajelor, în special a copiilor. A fost creat ca într-o singură respirație. Și, la fel ca „Smolyanki” al lui Levitsky, ne dă o senzație a aerului ușor și amețitor pe care Rusia l-a respirat în secolul al XVIII-lea.

Epoca Ecaterinei cea Mare s-a încheiat în 1796. Ea a părăsit Rusia puternică, prosperă, dar împovărată cu probleme serioase, încă mocnind, dar palpabile - aveau să se manifeste cu putere în secolul următor. Situația externă a fost și ea dificilă. Revoluția care a izbucnit în Franța a măturat complet pacea și echilibrul Europei. Ceea ce era perceput ca de neclintit s-a dovedit a fi fragil și de scurtă durată.

În aceste condiții, simetria și certitudinea morală a clasicismului nu mai puteau corespunde căutării spirituale a societății. Lumea s-a dovedit a fi mult mai contradictorie. Clasicismul transformat intră în modă (din nou, mai întâi în Franța) - stilul Imperiului, „imperial” - orientat cu accent către antichitate, dar lipsit deja de claritatea strictă, proporțională, care i-a fost caracteristică mai devreme.

Artiștii din acest timp au fost caracterizați de o dorință de naturalețe și un interes puternic pentru cele mai subtile mișcări ale sufletului uman. Nu întâmplător, până la sfârșitul secolului, peisajul a devenit un gen independent în pictura rusă.

În proiectarea peisajului ca gen, au jucat un rol vederile asupra orașelor, parcurilor, palatelor și diferitelor locuri memorabile care au fost create mai devreme și au avut, ca să spunem așa, un caracter educațional și topografic; precum și peisaje de teatru, picturi și panouri interioare, componente de peisaj ale portretelor și picturi cu mai multe figuri. Peisajul a servit drept decor sau fundal, sporind în cel mai bun caz impresia emoțională a lucrării. Dar până la sfârșitul secolului, în arta rusă a existat o conștientizare tot mai mare că, în primul rând, imaginea naturii este valoroasă în sine și, în al doilea rând, că prin ea pot fi exprimate cele mai complexe stări umane.

Semyon Fedorovich Shchedrin (1745-1804) poate fi considerat fondatorul picturii peisagistice rusești. Este primul reprezentant al unei dinastii de artiști, glorificat de genialul pictor peisagist al primei jumătăți a secolului al XIX-lea, Sylvester Shchedrin, dar și propriile sale lucrări au jucat un rol foarte important în dezvoltarea artei rusești.

Urmând principiile clasicismului, Șchedrin credea că ar trebui să „corecteze” natura în picturile sale, dezvăluind în ea proporționalitatea ascunsă în spatele dezordonatului și aleatorii. În același timp, în spiritul stării de spirit caracteristice mediului artistic de la sfârșitul secolului, a căutat poezia și frumusețea unică în natură.

Peisajele sale din anii șaptezeci și optzeci sunt în principal imagini ale unor locuri imaginare, expresive, cu copaci frumoși în frunziș strălucitor de dantelă. Începând cu anii nouăzeci, opiniile sale despre pictura peisajului s-au schimbat, devenind inovatoare în multe privințe. El descoperă frumusețea în peisaje reale. El scrie vederi ale parcurilor celebre din vecinătatea Sankt-Petersburgului - Gatchina, Pavlovsk, Peterhof: „Vedere a Palatului Gatchina de pe Long Island” (1796), „Podul de piatră din Gatchina lângă Piața Connetable” (1799-1801). Și, de asemenea, Sankt Petersburg însuși (de exemplu, „Vedere despre Bolshaya Nevka și dacha lui Stroganov”, 1804), în a cărui descriere natura rămâne principalul lucru pentru el, iar structurile arhitecturale sunt percepute ca parte a acesteia.

Desigur, aceasta a fost natura, ordonată de mâinile omului. Transferându-l pe pânză, Shchedrin a observat cu atenție simetria clasicistă, împărțirea spațiului în trei planuri etc. Dar culoarea cerului și a norilor, ceața care încețoșează orizontul, strălucirea soarelui pe apa Neva - pe scurt, acel mediu de aer ușor în a cărui reprezentare artiștii secolului următor aveau să ajungă la perfecțiune - au devenit din ce în ce mai mult important pentru el.

Shchedrin a deschis calea acestor artiști nu numai cu lucrările sale. Din 1799, el, împreună cu I. Klauber, a condus clasa de gravură peisagistică la Academia de Arte, de la care minunații gravori S.F. Galaktionov, A.G. Ukhtomsky, frații Kozma și Ivan Chesky. Curând, această clasă a început să pregătească pictori de peisaj - peisajul din interiorul zidurilor Academiei a dobândit în cele din urmă statutul deplin.

Cele mai bune realizări ale picturii rusești la sfârșitul secolului erau încă asociate cu portretul. În acest moment, are loc o schimbare de generații, apar noi stăpâni. Artiștii se străduiesc din ce în ce mai mult să descrie viața interioară a unei persoane, experiențele sale cele mai profunde. Portretul devine mai intim. Ea reflectă ideile sentimentalismului, o mișcare populară la începutul secolului și în primii ani ai secolului al XIX-lea. Aceste tendințe au fost exprimate cel mai pe deplin în lucrările lui V.L. Borovikovsky (1757-1825) - unul dintre cei mai buni maeștri genul portretului în arta rusă.

Borovikovsky s-a născut în Ucraina și a studiat pictura cu tatăl său. Și, poate, ar fi rămas un portretist provincial pentru tot restul vieții, dacă nu pentru călătoria împărătesei în sudul Rusiei, pe care ea a întreprins-o în 1787. Catherinei îi plăceau picturile palatului temporar realizate de Borovikovsky. Iar artistul a mers la Sankt Petersburg pentru a-și îmbunătăți abilitățile de pictură. A studiat cu I.B. Lumpy Sr. și, eventual, Levitsky. A devenit rapid faimos și a primit multe comenzi. Pensulele sale includ portrete ceremoniale strălucite ale Prințului Kurakin (1801-1802), Paul I în costumul Marelui Maestru al Ordinului de Malta (1800) etc. Caracteristici psihologice vii sunt date și în portretele de cameră - G.R. Derzhavina, D.P. Troșcinski, generalul F.A. Borovsky.

Vladimir Borovikovski. Portretul contesei Anna Ivanovna Bezborodko cu fiicele ei Lyubov și Cleopatra. 1803
Ulei pe pânză. 134 x 104,5 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Dar, mai presus de toate, Borovikovsky este un maestru al portretelor intime feminine, sau mai precis, al portretelor domestice. El a pictat-o ​​chiar și pe Catherine a II-a în imaginea unui „proprietar din Kazan” care se plimba prin grădină într-o mantie caldă. Eroinele lui sunt domnișoare visătoare, cu un zâmbet viclean pe buze, cu o floare sau un măr în mână, care pozează pe fundalul unor peisaje gânditoare. Buclele lor, în concordanță cu gusturile sentimentale, sunt ușor dezordonate, iar ținutele lor sunt voit simple. Caracterul fiecăruia poate fi citit cu acuratețe unul nu poate fi confundat cu celălalt. Acestea sunt portretele lui O.K. Filippova, V.A. Shidlovskaya, E.A. Naryshkina, M.I. Lopukhina, E.N. Arsenieva, surorile Gagarin, țăranca Khristinya (cea din urmă este și remarcabilă pentru că pentru Borovikovsky nu este importantă imaginea „etnografică” a țăranei iobag, ci, ca în portretele fetelor nobile, lumea interioară) .

De-a lungul anilor, privirea artistului devine mai aspră, neclaritatea picturii sale, bazată pe semitonuri, este înlocuită de modelare plastică strictă (de exemplu, în portretele „Lady in a Turban” - probabil scriitorul francez A.-L. -J. de Stael, - D.A Derzhavina și M.I., scrisă în anii al X-lea.

Numele lui Borovikovsky nu este deloc singur în arta portretului rusesc la începutul secolului. Studentul lui Levitsky, S.S., a fost un portretist foarte luminos și original. Şciukin (1762-1828). Întreaga sa viață a fost legată de Academia de Arte, unde a ajuns ca un băiat dintr-un orfelinat, iar mai târziu a condus clasa de portret. În portretele sale, chiar și cele timpurii, există o premoniție a romantismului - o mișcare în cultură care va câștiga teren abia la începutul secolului următor, înlocuind clasicismul și sentimentalismul. Deosebit de indicative în acest sens sunt autoportretul din 1786 și portretul împăratului Paul I într-o uniformă simplă de ofițer, cu bastonul în mână.

Lucrarea lui M.I. este foarte interesantă. Belsky (1753-1794). El, ca și unii artiști contemporani, credea că adevărul vieții este mai valoros decât armonia poetică a imaginii și, urmând fidelitatea caracterului, nu a evitat asprimea și contradicțiile. Aceste opinii au fost reflectate, de exemplu, în portretul pe care l-a pictat compozitorului D.S. în 1788. Bortnyansky.

Vladimir Borovikovski. Portretul Dariei Alekseevna Derzhavina. 1813
Ulei pe pânză. 284 x 204,3 cm Galeria de Stat Tretiakov

Ne. 117:

Stepan Şciukin. Portretul arhitectului Adrian Dmitrievich Zakharov. Pe la 1804
Ulei pe pânză 25,5 x 20 cm Galeria de Stat Tretiakov

Mihail Belsky. Portretul compozitorului Dmitri Stepanovici Bortnyansky. 1788
Ulei pe pânză. 65,7 x 52,3 cm Galeria de Stat Tretiakov

Nikolai Argunov. Portretul generalului adjutant conte Alexander Matveevici Dmitriev-Mamontov. 1812
Ulei pe pânză. 151 x 125,6 cm Galeria de Stat Tretiakov

Nikolai Argunov. Portretul Matryona Ivanovna Sokolova. 1820 Ulei pe pânză. 67,1 x 52,8 cm Galeria de Stat Tretiakov
Nikolai Argunov. Portretul lui T.V. Shlykova. 1789 Ulei pe pânză. 79 x 55 cm (oval)
Muzeul de Stat al Ceramicii și „Moșia Kuskovo a secolului al XVIII-lea”, Moscova

În fine, N.I ar trebui considerat unul dintre cei mai importanți maeștri ai acestei perioade. Argunov (1771 - după 1829). Fiul și elevul celebrului pictor portretist iobag, Nikolai Argunov însuși a fost iobag până la vârsta de patruzeci și cinci de ani. Talentul său extraordinar este deja evidențiat de lucrările sale de tineret: „Țăranul care râde”, „Țăranul cu paharul în mână” și mai ales portretul poetic al dansatorului iobag al Teatrului Sheremetev Tatyana Shlykova-Granatova, scris pe când artista avea aproximativ optsprezece ani. ani. Ulterior, Argunov a creat mult mai multe lucrări minunate, printre care se remarcă portretele celebrei Praskovya Kovaleva-Zhemchugova, de asemenea o actriță iobag care a devenit soția contelui N.P. Sheremetev și a murit tânăr, la scurt timp după nașterea fiului ei. Portretul în care este înfățișată în ultimele săptămâni de sarcină - pe un fundal negru, într-o glugă neagră și roșie, cu o expresie alarmantă pe chipul ei slăbit - este pătruns de o premoniție de tragedie.

Opera acestor artiști, ca un pod magic, a unit secolele care trec și se apropie. Calea rapidă pe care a parcurs-o arta rusă de pe vremea lui Petru cel Mare a dus la rezultate magnifice. Avea în față un drum nou. Hobby-uri pasionate, căutări disperate de noutate, conflicte violente și bătălii reale asupra vederilor despre artă - toate acestea au rămas înainte. Pictura rusă din secolul al XVIII-lea nu știa încă acest lucru. Sarcina ei era să-l înțeleagă pe Om. Și a îndeplinit această sarcină cu brio.

Nikolai Argunov. Portretul lui Ivan Yakimov în costumul lui Cupidon. 1790
Ulei pe pânză. 142 x 98 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Nikolai Argunov. Portretul femeii Kalmyk Annushka. 1767
Ulei pe pânză. 62 x 50 cm Muzeul de Stat al Ceramicii și „Moșia Kuskovo a secolului al XVIII-lea”, Moscova

Nikolai Argunov. Portretul consilierului privat, senatorul Pavel Stepanovici Runich. 1817
Ulei pe pânză. 134 x 103 cm Muzeul de Stat al Rusiei

Nikolai Argunov. Portretul împăratului Paul I. 1797
Ulei pe pânză. 285 x 206 cm Moscova Ostankino Estate Museum

Pictura rusă maiestuoasă și diversă încântă întotdeauna privitorii cu inconstanța și perfecțiunea formelor artistice. Aceasta este o caracteristică a lucrărilor unor maeștri celebri de artă. Ne-au surprins mereu prin abordarea lor extraordinară a muncii, cu atitudinea lor reverentă față de sentimentele și senzațiile fiecărei persoane. Poate de aceea artiștii ruși au descris atât de des compoziții de portrete care combinau în mod viu imagini emoționante și motive epic calme. Nu e de mirare că Maxim Gorki a spus odată că un artist este inima țării sale, vocea unei întregi epoci. Într-adevăr, picturile maiestuoase și elegante ale artiștilor ruși transmit în mod viu inspirația timpului lor. Asemănător aspirațiilor celebrului autor Anton Cehov, mulți au căutat să aducă în picturile rusești savoarea unică a poporului lor, precum și un vis de nestins de frumusețe. Este greu de subestimat picturile extraordinare ale acestor maeștri ai artei maiestuoase, deoarece sub pensulele lor s-au născut lucrări cu adevărat extraordinare de diferite genuri. Pictură academică, portret, pictură istorică, peisaj, lucrări de romantism, modernism sau simbolism - toate încă aduc bucurie și inspirație privitorilor lor. Toată lumea găsește în ele ceva mai mult decât culori colorate, linii grațioase și genuri inimitabile de artă mondială. Poate că o asemenea abundență de forme și imagini cu care pictura rusă surprinde este legată de potențialul enorm al lumii înconjurătoare a artiștilor. Levitan a mai spus că fiecare notă de natură luxuriantă conține o paletă de culori maiestuoasă și extraordinară. Cu un astfel de început, apare o întindere magnifică pentru pensula artistului. Prin urmare, toate picturile rusești se disting prin severitatea lor rafinată și frumusețea atrăgătoare, de care este atât de dificil să te smulgi.

Pictura rusă se distinge pe bună dreptate de arta mondială. Cert este că până în secolul al XVII-lea pictura rusă a fost asociată exclusiv cu teme religioase. Situația s-a schimbat odată cu venirea la putere a țarului reformator, Petru cel Mare. Datorită reformelor sale, maeștrii ruși au început să se angajeze în pictura seculară, iar pictura cu icoane s-a separat ca o direcție separată. Secolul al XVII-lea este vremea unor artiști precum Simon Ushakov și Joseph Vladimirov. Apoi, în rusă lumea artei portretul s-a născut și a devenit rapid popular. În secolul al XVIII-lea, au apărut primii artiști care au trecut de la portretizare la pictura de peisaj. Simpatia pronunțată a artiștilor pentru panoramele de iarnă este remarcabilă. Secolul al XVIII-lea a fost amintit și pentru apariția picturii de zi cu zi. În secolul al XIX-lea, trei mișcări au câștigat popularitate în Rusia: romantismul, realismul și clasicismul. Ca și înainte, artiștii ruși au continuat să se îndrepte către genul portretului. Atunci au apărut portretele și autoportretele de renume mondial ale lui O. Kiprensky și V. Tropinin. În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, artiștii au descris din ce în ce mai mult poporul rus obișnuit în starea lor oprimată. Realismul devine mișcarea centrală a picturii acestei perioade. Atunci au apărut artiștii itineranți, înfățișând doar viața reală, reală. Ei bine, secolul al XX-lea este, desigur, avangarda. Artiștii din acea vreme și-au influențat în mod semnificativ atât adepții lor din Rusia, cât și din întreaga lume. Picturile lor au devenit precursorii artei abstracte. Pictura rusă este o lume uriașă minunată de artiști talentați care au glorificat Rusia cu creațiile lor.

Secolul al XVIII-lea este o perioadă în care au avut loc transformări colosale în toate sferele: politic, social, public. Europa introduce noi genuri în pictura rusă: peisaj, istoric, viața de zi cu zi. Direcția realistă a picturii devine predominantă. O persoană vie este un erou și purtător al idealurilor estetice ale vremii.

Secolul al XVIII-lea a intrat în istoria artei ca vremea portretelor pitorești. Fiecare dorea să aibă propriul portret: de la regină la un oficial obișnuit din provincie.

Tendințele europene în pictura rusă

Artiștii ruși renumiți ai secolului al XVIII-lea au fost nevoiți să urmeze moda occidentală la ordinul lui Petru I, care dorea să europenizeze Rusia. El a acordat o mare importanță dezvoltării arte frumoaseși chiar a planificat construirea unei instituții de învățământ specializat.

Artiștii ruși ai secolului al XVIII-lea au stăpânit noi tehnici de pictură europeană și au înfățișat pe pânzele lor nu numai țari, ci și diverși boieri, negustori și patriarhi, care au încercat să țină pasul cu moda și au însărcinat adesea artiști locali să picteze portrete. În același timp, artiștii de atunci au încercat să îmbogățească portretele cu obiecte de uz casnic, elemente costumul national, natura și așa mai departe. Atenția s-a concentrat pe mobilierul scump, vazele mari, hainele de lux și ipostazele interesante. Reprezentarea oamenilor din acea vreme este percepută astăzi ca o poveste poetică a artiștilor despre vremea lor.

Și totuși, portretele artiștilor ruși din secolul al XVIII-lea diferă prin contrast izbitor de portretele pictorilor străini invitați. De menționat că artiști din alte țări au fost invitați să predea artiști ruși.

Tipuri de portrete

Începutul secolului al XVIII-lea a fost marcat de trecerea artiștilor portretistici către vederi semi-ceremoniale și intime Portretele pictorilor din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea dau naștere unor tipuri precum ceremoniale, semiceremoniale, de cameră, intime.

Ușa de la intrare diferă de altele prin reprezentarea unui bărbat în picioare. Strălucirea luxului - atât în ​​îmbrăcăminte, cât și în articole de uz casnic.

Aspectul semi-rochie este o imagine a modelului până la genunchi sau până la talie.

Dacă o persoană este înfățișată pe un fundal neutru până la piept sau talie, atunci acest tip de portret se numește intim.

Vederea intimă a portretului sugerează un apel la lumea interioara eroul imaginii, în timp ce fundalul este ignorat.

Imagini portret

Adesea, artiștii ruși ai secolului al XVIII-lea au fost forțați să întrupeze într-o imagine portret ideea clientului despre sine, dar nu imaginea reală. Era important să se țină cont de opinia publică despre o anumită persoană. Mulți istorici de artă au ajuns de multă vreme la concluzia că principala regulă a acelei vremuri era să înfățișeze o persoană nu atât de mult cum a fost de fapt, sau așa cum și-ar dori să fie, ci așa cum ar putea fi în cea mai bună reflecție. Adică, în portrete au încercat să înfățișeze orice persoană ca pe un ideal.

Primii artiști

Artiștii ruși ai secolului al XVIII-lea, a căror listă este în general mică, sunt, în special, I. N. Nikitin, A. P. Antropov, F. S. Rokotov, I. P. Argunov, V. L. Borovikovsky, D. G. Levitsky.

Printre primii pictori ai secolului al XVIII-lea se numără numele lui Nikitin, Antropov, Argunov. Rolul acestor primi artiști ruși ai secolului al XVIII-lea a fost nesemnificativ. S-a rezumat doar la pictarea unui număr imens de imagini regale și portrete ale nobililor ruși. Artiștii ruși ai secolului al XVIII-lea sunt maeștri ai portretelor. Deși de multe ori pur și simplu i-au ajutat pe maeștrii străini să picteze pereții unui număr mare de palate și să facă peisaje de teatru.

Numele pictorului Ivan Nikitich Nikitin poate fi găsit în corespondența lui Petru I cu soția sa. Pensula lui este portretul țarului însuși, cancelarul G.I. Nu există nimic artificial în portretul său al hatmanului. Aspectul nu este schimbat nici de o perucă, nici de haine de curte. Artistul i-a arătat hatmanului așa cum a fost în viață. Principalul avantaj al portretelor lui Nikitin se află în adevărul vieții.

Opera lui Antropov a fost păstrată în imaginile Catedralei Sf. Andrei din Kiev și portretele din Sinod. Aceste lucrări se remarcă prin înclinația artistului pentru culorile galbene și măsline, deoarece este un pictor care a studiat cu un maestru al picturii icoanelor. Printre lucrările sale celebre se numără portretele Elizavetei Petrovna, Petru I, Prințesa Trubetskoy și Ataman F. Krasnoshchekov. Opera lui Antropov a combinat tradițiile picturii originale rusești din secolul al XVII-lea și canoanele de artă plastică din epoca Petru cel Mare.

Ivan Petrovici Argunov este un renumit pictor portretist iobag al contelui Sheremetyev. Portretele sale sunt elegante, ipostazele oamenilor pe care îi înfățișează sunt libere și mobile, totul în opera sa este precis și simplu. El este creatorul unui portret de cameră, care ulterior va deveni intim. Lucrări semnificative ale artistului: cuplul Sheremetyev, P.B. Sheremetyev în copilărie.

Nu trebuie să ne gândim că la acea vreme nu existau alte genuri în Rusia, dar marii artiști ruși ai secolului al XVIII-lea au creat totuși cele mai semnificative lucrări din genul portretului.

Apogeul secolului al XVIII-lea a fost opera lui Rokotov, Levitsky și Borovikovsky. Persoana din portretele artiștilor este demnă de admirație, atenție și respect. Umanitatea sentimentelor apare trăsătură distinctivă portretele lor.

Fiodor Stepanovici Rokotov (1735-1808)

Aproape nimic nu se știe despre Fiodor Stepanovici Rokotov, un artist rus din secolul al XVIII-lea din iobagii prințului I. Repnin. Acest artist pictează portrete ale femeilor blând și aerisit. Frumusețe interioară simțit de Rokotov și găsește mijloacele de a o traduce pe pânză. Chiar și forma ovală a portretelor nu face decât să sublinieze aspectul fragil și elegant al femeilor.

Genul principal al operei sale este portretul semiceremonial. Printre lucrările sale se numără portretele lui Grigori Orlov și Petru al III-lea, prințesa Yusupova și prințul Pavel Petrovici.

Dmitri Grigorievici Levițki (1735-1822)

Celebrul artist rus al secolului al XVIII-lea, Dmitri Grigorievich Levitsky, elev al lui A. Antropov, a reușit să surprindă și să recreeze cu sensibilitate în picturile sale stările mentale și caracteristicile oamenilor. Înfățișând pe cei bogați, el rămâne sincer și imparțial, portretele sale exclud servilismul și minciunile. Pensula lui include o întreagă galerie de portrete ale unor oameni mari ai secolului al XVIII-lea. În portretul ceremonial, Levitsky se dezvăluie ca un maestru. Găsește ipostaze și gesturi expresive, arătând nobili nobili. Istoria Rusiei în chipuri - așa este adesea numită opera lui Levitsky.
Tablouri ale artistului: portrete ale lui M. A. Lvova, E. I. Nelidova, N. I. Novikov, Mitrofanov.

Vladimir Lukici Borovikovsky (1757-1825)

Artiștii ruși din secolele al XVIII-lea și al XIX-lea se remarcă prin utilizarea așa-numitului portret sentimental. Artistul Vladimir Lukich Borovikovsky pictează fete gânditoare, care sunt înfățișate în culori deschise în portretele sale, sunt aerisite și inocente; Eroinele sale nu sunt doar femei țărănești ruse în rochii tradiționale, ci și doamne respectate ale înaltei societăți. Acestea sunt portrete ale lui Naryshkina, Lopukhina, Prințesa Suvorova, Arsenyeva. Pozele sunt oarecum asemănătoare, dar este imposibil să le uiți. se remarcă prin uimitoarea subtilitate a personajelor transmise, trăsăturile aproape evazive ale experiențelor emoționale și sentimentul de tandrețe care unește toate imaginile. În lucrările sale, Borovikovsky dezvăluie toată frumusețea unei femei din acea vreme.

Moștenirea lui Borovikovsky este foarte diversă și extinsă. Opera sa include atât portrete ceremoniale, cât și picturi în miniatură și intime. Dintre lucrările lui Borovikovsky, cele mai cunoscute au fost portretele lui V. A. Jukovsky, G. R. Derzhavin, A. B. Kurakin și Pavel I.

Picturi ale artiștilor ruși

Picturile din secolul al XVIII-lea ale artiștilor ruși au fost scrise cu dragoste pentru om, lumea lui interioară și respect pentru virtuțile morale. Stilul fiecărui artist, pe de o parte, este foarte individual, dar, pe de altă parte, are câteva trăsături comune cu alții. Acest moment a determinat chiar stilul care subliniază caracterul artei rusești în secolul al XVIII-lea.

Cei mai mulți artiști ruși din secolul al XVIII-lea:

1. „Tânăr pictor” A doua jumătate a anilor 1760. Autorul Ivan Firsov este cel mai misterios artist al secolului al XVIII-lea. Tabloul înfățișează un băiat în uniformă care pictează portretul unei fetițe frumoase.
2. „Adio lui Hector lui Andromache”, 1773. Autor Anton Pavlovici Losenko. Ultimul tablou al artistului. Înfățișează un complot din al șaselea cântec al Iliadei lui Homer.
3. „Podul de piatră din Gatchina lângă Piața Constable”, 1799-1801. Autorul Semyon Fedorovich Shchedrin. Pictura înfățișează o vedere peisaj.

Și totuși

Artiștii ruși din secolul al XVIII-lea încă au încercat să dezvăluie adevărul și caracterele adevărate ale oamenilor, în ciuda condițiilor de iobăgie și a dorințelor clienților bogați. Genul portretului în secolul al XVIII-lea întruchipat caracteristici specifice poporul rus.

Fără îndoială, se poate spune că, parcă, arta artistica Secolul al XVIII-lea nu a fost influențat de cultura europeană, dar a dus totuși la dezvoltarea tradițiilor naționale rusești.

---