100 de picturi grozave (Partea 1)

Picturile grozave sunt întotdeauna o oglindă a timpului, indiferent în ce formă alegorică complexă le pune artistul. Nu toate imaginile sunt clare pentru privitor la prima vedere, unele dintre ele necesită o atenție deosebită, înțelegere și o anumită pregătire și cunoștințe.

Ne dorim pe site-ul nostru nu doar să vorbim despre cele mai faimoase lucrări ale picturii mondiale, ci să oferim tuturor posibilitatea de a comanda o reproducere de înaltă calitate pe pânză naturală a capodoperei lor preferate.

Jan van Eyck(1390-1441) este considerat a fi cel mai mare pictor olandez al secolului al XV-lea, care a pus bazele tradiției realiste în pictura de altar. Originar dintr-un mic oraș olandez de pe râul Meuse, în 1422, deja un maestru respectat, a intrat în serviciul contelui Ioan de Bavaria și până în 1424 a participat la decorarea palatului contelui de la Haga. În 1425, Van Eyck s-a mutat la Lille, unde a devenit pictorul de curte al ducelui burgundian Filip al III-lea cel Bun. La curtea ducelui, care îl prețuia foarte mult pe artist, nu numai că a pictat tablouri, ci și-a îndeplinit multe misiuni diplomatice, călătorind în mod repetat în Spania și Portugalia.

În 1431, Van Eyck s-a mutat la Bruges, unde a trăit până la sfârșitul zilelor sale, lucrând atât ca pictor de curte, cât și ca artist al orașului. Cel mai mare număr de lucrări care au ajuns până la noi au fost scrise de maestru într-o perioadă în care era în slujba ducelui de Burgundia.

Una dintre cele mai multe lucrări celebre Van Eyck, Portretul cuplului Arnolfini, se află în colecția Galeriei Naționale din Londra. În tabloul care înfățișează ceremonia de nuntă a doi tineri bogați, artistul a găsit un loc pentru mai multe simboluri - de exemplu, pentru un câine situat la picioarele proaspăt căsătoriți, simbol al fidelității. În oglinda rotundă agățată pe peretele din spatele compoziției se reflectă două persoane - evident, martori la nuntă. Într-una dintre ele, artistul s-a înfățișat pe sine, așa cum se spune în inscripția de deasupra oglinzii. Artistul i-a înfățișat pe tinerii căsătoriți în toată înălțimea. Pictorul înfățișează cu dragoste lucrurile din jurul tinerilor căsătoriți. Aceste obiecte spun multe despre stilul de viață al proprietarilor lor, subliniind virtuțile lor burgheze - cumpătare, modestie, dragoste pentru ordine.

Conținutul picturii descrise mai sus este doar cea mai comună versiune, dar pentru unii cercetători o alta este atractivă: Acesta este un autoportret al artistului. În 1934, celebrul critic de artă austriac Erwin Panofsky a sugerat că pictura nu înfățișează o căsătorie, ci o logodnă. În plus, s-a stabilit că Giovanni Arnolfini și soția sa nu au avut, iar femeia înfățișată în imagine așteaptă în mod clar adăugarea familiei, iar Margaret van Eyck (sora artistului) a născut un fiu pe 30 iunie , 1434.

Deci cine este eroul imaginii? Sau este cu adevărat o scenă de familie și nu un portret comandat? Întrebarea rămâne deschisă...

Van Eyck îi prezintă privitorului intimitate oameni care arată frumusețe viata de zi cu zi. În acest fel, a deschis noi posibilități realiste arte frumoase, realizat pe deplin abia în secolul al XVII-lea, când în Olanda au fost create multe picturi similare.

Această cea mai mare creație a artistului, precum „Primăvara” lui, a fost în profundă uitare timp de mai bine de trei sute de ani în liniștita Villa Castello de la periferia Florenței. Pictura a fost remarcată abia la mijlocul secolului trecut, când pictorii prerafaeliți Milles și Rossetti l-au redescoperit pe Botticelli ca unul dintre rarele talente ale Italiei secolului al XV-lea.

Nașterea lui Venus a fost scrisă pentru Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, vărul lui Lorenzo Magnificul și cel mai important patron al lui Botticelli. Florența, unde artistul și-a petrecut aproape întreaga viață, a fost condusă de puternica familie Medici. Intriga imaginii este legată de cultura curții lui Lorenzo de' Medici, impregnată de filozofia neoplatonismului. De data aceasta a strofelor lui Poliziano și a sonetelor lui Lorenzo Magnificul, vremea turneelor și procesiunilor de carnaval a fost perioada de glorie a lui Botticelli.

În „Nașterea” Sandro Botticelli a descris imaginea Afroditei Urania - Venus cerească, fiica lui Uranus, născută din mare fără mamă. Tabloul surprinde nu atât nașterea în sine, cât momentul care a urmat, când Venus, mânată de suflarea geniilor văzduhului, ajunge la țărmul promis. Frumusețea figurii goale este încoronată de nimfa Ora, care este întruchiparea naturii, ea este gata să o acopere cu o mantie. Ora este unul dintre cei trei Munți, nimfe ale anotimpurilor. Acest Munte, judecând după florile care îi acoperă hainele, patronează perioada anului în care puterea lui Venus atinge apogeul. Poate că această pictură a fost inspirată de unul dintre imnurile lui Homer, care descrie modul în care Zephyr, zeul vântului de vest, a adus-o pe Venus pe insula Cipru, unde Munții au acceptat-o.

Conform ideilor cercului lui Lorenzo de' Medici, Venus, zeița iubirii, este și zeița umanității. Ea este cea care îi învață pe oameni rațiunea, curajul, este mama Armoniei, născută din unirea materiei și spiritului, naturii și ideii, dragostei și sufletului.

Cea mai faimoasă pictură din lume, Mona Lisa, creația lui Leonardo da Vinci, se află la Luvru.

Mona Lisa a fost creată între 1503 și 1506 și finalizată în 1510. Încă rămâne neclar cine a pozat exact pentru marele maestru. Artistul a primit o comandă pentru pictura de la Francesco del Giocondo, un comerciant de mătase florentin, iar majoritatea istoricilor și criticilor de artă cred că portretul o înfățișează pe Lisa Gherardini, soția lui Giocondo, care a comandat portretul în cinstea nașterii celui de-al doilea fiu al lor. , născut în decembrie 1502. Cu toate acestea, de 500 de ani încoace, disputele nu s-au atenuat cu privire la cine este cu adevărat reprezentat în această pictură faimoasă.

Cuvântul „Mona” este cel mai probabil o formă prescurtată a „monna” sau „mia donna”, adică „milady” sau „madame”. În franceză se numește „La Joconde”, iar în italiană - „La Gioconda” (cea vesela), dar acesta este doar un joc de cuvinte, o coincidență cu numele de familie al celui care a servit drept prototip pentru imagine.

Portretul este un exemplu excelent al tehnicii preferate a lui Leonard, așa-numitul sfumato - „clarobscur fumuriu”, o jumătate de lumină blândă, cu o gamă moale de tonuri care par a fi ușor mânjite și tranziție lină unele în altele. În același timp, Leonardo desemnează colțurile gurii și ale ochilor cu atâta precizie și grație încât imaginea capătă o calitate cu adevărat fantastică.

Unii cercetători susțin că pictura este un autoportret al lui Leonardo însuși, care a dat aspectului său trăsături feminine sau chiar trăsături de hermafrodit. Într-adevăr, dacă îndepărtezi părul din imaginea Mona Lisei, vei obține o față ciudată fără sex. Această ipoteză a fost confirmată de lucrările realizate de cercetători independenți - Lillian Schwartz de la Bell Labs și Digby Questi de la Clinica Maudsley din Londra, care au confirmat ipoteza că Leonardo s-ar fi putut descrie pe sine în imaginea Mona Lisei. Folosind programe speciale de calculator, cercetătorii au comparat Mona Lisa cu un autoportret al lui Leonardo, realizat când acesta era deja la o vârstă înaintată. Rezultatul a fost uimitor. „Mona Lisa” s-a dovedit a fi aproape o imagine în oglindă a chipului marelui maestru. Aproape toate trăsăturile feței se potriveau perfect, inclusiv vârful nasului, buzele și ochii.

În 1911, Mona Lisa a fost furată de la Luvru de către italianul Vincenzo Perugia, care lucra ca tâmplar la muzeu. Pur și simplu a scos tabloul din galerie, ascunzând-o sub haine. Celebrul tablou a fost găsit abia în 1913, când hoțul a încercat să-l vândă unui anume colecționar. Anterior, capodopera lui Leonardo era depozitată într-o valiză cu fund dublu. Atacatorul a explicat ce a făcut spunând că vrea să returneze în Italia un tablou care fusese exportat ilegal de Napoleon Bonaparte.

Din cartea lui Robert Cumming „Mari artiști”:
„Cunoscută pe scară largă sub numele de „Venus de Dresda”, această pictură a fost extrem de originală, neavând analogi în arta antichității clasice Lucrarea demonstrează interesul artistului pentru un nou ideal de frumusețe, în care starea de spirit poetică prevalează asupra conținutului rațional.
Acest nud înclinat a devenit una dintre cele mai populare imagini din pictura europeană. Giorgione înfățișează silueta dormind sub un copac cu ochii închiși, pierdută în vise și neștiind că este urmărit. Aproape toate variațiile ulterioare pe această temă o înfățișează ca fiind trează. În special, Manet în „Olympia” a descris „Venus” oferind servicii sexuale.
Nuanțele moi și formele rotunjite ale lui Venus vorbesc despre influența lui Leonardo da Vinci, care poate fi văzută și în designul pliurilor draperiilor. „Venusul de la Dresda” a fost pictat în același deceniu în „Mona Lisa” - și ambele au dat naștere imediat la multe copii și imitații.
Clab-obscurul redat cu pricepere și evidențierea draperiilor de lux demonstrează măiestria magistrală a lui Giorgione asupra tehnicii picturii în ulei.
Contururile netede ale corpului sporesc senzația de somn profund și, parcă, te invită să mângâi silueta cu privirea.
Natura erotică a imaginii indică faptul că pictura a fost comandată pentru un dormitor privat.
Raze X și note de la restauratorii din secolul al XIX-lea indică faptul că Giorgione a descris inițial (sau a intenționat să înfățișeze) figura lui Cupidon pe partea dreaptă a pânzei.
Potrivit zvonurilor, Giorgione nu a avut timp să finalizeze pictura în timpul vieții și este general acceptat că ordinul de a finaliza peisajul a fost dat lui Titian. Peisajul „multi-stratificat” și dealurile albastre de la orizont sunt caracteristice stilului timpuriu al lui Tițian. Moartea prematură a unui rival a contribuit la ascensiunea stelei lui Titian”.

I. Bosch s-a dovedit a fi un artist foarte dificil nici acum nu există un punct de vedere stabilit asupra interpretării subiectelor și imaginilor individuale ale picturilor sale.
Pentru artiștii medievali (precum și pentru privitorii lor), toate obiectele și fenomenele aveau o semnificație simbolică, fiecare obiect primind propria sa interpretare simbolică bazată pe textele Bibliei. De exemplu, pe baza expresiei: „Cuvântul lui Dumnezeu este puternic ca un leu”, leul a fost considerat un simbol al omnipotenței credinței creștine, motiv pentru care figurile de lei decorează portalurile multor catedrale romanice din Franța, iar în Italia, sculptorii din secolele XIII-XIV au plasat lei la poalele amvonurilor bisericii. Opera lui Bosch, poate, este dificilă în vremea noastră și pentru percepția directă, deoarece artistul, pe lângă simbolurile medievale tradiționale (cunoscute de toată lumea), a folosit și alte simboluri - mai puțin studiate și greu de descifrat.
Limbajul artistic al lui Bosch nu s-a încadrat niciodată în întregime în interpretările simbolice medievale. Artistul folosea adesea anumite simboluri într-un sens opus celui general acceptat și, de asemenea, a inventat noi simboluri. Poate de aceea a fost numit „scriitor de science-fiction sumbru”, „profesor onorific de coșmaruri”, dar suprarealiștii moderni și-au văzut în Bosch tatăl și precursorul lor spiritual. Iată, de exemplu, o astfel de scenă. Un cuplu iubitor s-a izolat într-o bulă transparentă. Puțin mai sus, un tânăr îmbrățișează o bufniță uriașă, în dreapta bulei din mijlocul bazinului, în apă, un alt bărbat stă pe cap, cu picioarele desfăcute larg, între care păsările și-au făcut un cuib. . Nu departe de el, un tânăr, aplecat dintr-un măr roz gol împreună cu iubitul său, hrănește un ciorchine monstruos de struguri oamenilor care stau până la gât în apă. Aceasta este „Grădina deliciilor pământești” - una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Hieronymus Bosch.
Hieronymus Bosch și-a creat tripticul „Grădina bucuriilor pământești” sau „Grădina desfătărilor” (este adesea numită lucrarea cea mai „boschiană”) în 1503, iar în el s-a manifestat pe deplin viziunea sa unică asupra lumii. Titlul picturii era deja dat literatura modernă, iar în a doua jumătate a secolului al XVI-lea, când a intrat în proprietatea regelui Filip al II-lea, a fost numită „Varietatea lumii”, în secolul al XVII-lea a avut numele de „Deșertăciune și glorie”.
În partea stângă a acestui triptic este înfățișat Paradisul, în dreapta - Iadul, iar între ele era o imagine a existenței pământești. Partea stângă Grădina Deliciilor înfățișează scena Creației Evei, iar Paradisul însuși strălucește și strălucește cu culori strălucitoare și strălucitoare. Pe fundalul peisajului fantastic al Paradisului. plin de o varietate de animale și plante, maestrul îl arată pe Adam care se trezește. Adam, proaspăt trezit, se ridică de pe pământ și o privește uimită pe Eva, pe care i-o arată Dumnezeu. Celebrul critic de artă C. de Tolnay notează că privirea surprinsă pe care Adam o aruncă primei femei este deja un pas pe calea păcatului. Iar Eva, extrasă din coasta lui Adam, nu este doar o femeie, ci și un instrument de seducție. Contradicția dintre un bărbat calm și fără păcat și o femeie care poartă semințele păcatului este reprodusă și în natura din jurul lor. Un palmier pipernicit care crește pe o stâncă portocalie misterioasă este în diagonală opusă unui palmier înflorit. Mai multe incidente aruncă o umbră întunecată asupra vieții pașnice a animalelor: un leu devorează o căprioară, un mistreț urmărește o fiară misterioasă. Și deasupra tuturor se ridică Sursa Vieții - un hibrid de plantă și rocă de marmură, o structură gotică înaltă așezată pe pietrele albastre închise ale unei mici insule. În vârful ei încă se mai observă o semilună abia sesizabilă, dar deja din interiorul ei iese cu privirea o bufniță, ca un vierme, mesagerul nenorocirii.
Partea centrală a tripticului - însăși „Grădina bucuriilor pământești” - înfățișează un peisaj grandios acoperit cu figuri goale de bărbați și femei. Animale de proporții nenaturale, păsări, pești, fluturi, alge, flori uriașe și fructe sunt amestecate cu oameni. figuri în alcătuirea „Grădinii Bucuriilor Pământeşti” se remarcă următoarele: trei planuri: în prim plan se prezintă „diverse bucurii”, al doilea este ocupat de o cavalcadă de numeroşi călăreţi care călăresc diverse animale, al treilea (cel mai îndepărtat). ) este încoronată cu un cer albastru, unde oamenii zboară pe pești înaripați și cu ajutorul propriilor aripi S-ar părea că pe fundalul unui astfel de peisaj, nimic nu poate fi mai cast decât jocurile de dragoste ale cuplurilor umane psihanaliza (psihiatrul R. Khaikin chiar a sugerat efectuarea unei analize psihopatologice a operei lui I. Bosch), cărțile de vis din acea vreme dezvăluie adevărata semnificație a acestor plăceri pământești: cireșe, căpșuni sălbatice, căpșuni și struguri , mâncate de oameni cu astfel de plăceri. bucuria, simbolizează sexualitatea păcătoasă, lipsită de lumina iubirii divine; barca cu mere în care se retrag îndrăgostiții are forma unui sân de femeie; păsările devin personificarea poftei și a desfrânării, peștii - un simbol al poftei neliniștite, coaja este principiul feminin.
În partea de jos a imaginii, un tânăr a îmbrățișat o căpșună uriașă. Sensul acestei imagini ne va deveni clar dacă ne amintim că în arta vest-europeană căpșunile au servit ca simbol al purității și virginității. Scena cu un ciorchine de struguri în bazin este o comuniune, iar un pelican uriaș, după ce a ridicat o cireșă pe ciocul lung (un simbol al senzualității), îi tachinează pe oamenii care stă în bobocul unei flori fantastice pelicanul însuși simbolizează iubirea față de aproapele. Artistul dă adesea un sunet specific senzual simbolurilor artei creștine, reducându-le la planul material-fizic.
Hieronymus Bosch creează o lume uluitoare de dorințe efemere și plăceri senzuale: aloe sapă în carnea goală, coralul strânge ferm corpurile, o coajă se închide și transformă un cuplu iubitor în captivi. În Turnul Adulterului, care se ridică din Lacul Poftei și ai cărui pereți galben-portocalii scânteie ca cristalul, soții înșelați dorm printre coarne. Sfera de sticlă de culoarea oțelului în care îndrăgostiții se răsfăț la mângâieri este acoperită cu o coroană de semilună și coarne de marmură roz. Sfera și clopotul de sticlă care îi adăpostesc pe cei trei păcătoși ilustrează proverbul olandez. „Fericirea și paharul – cât de scurte sunt!” Ele sunt, de asemenea, simboluri ale naturii eretice a păcatului și ale pericolelor pe care acesta le aduce lumii.
Aripa dreaptă a tripticului - Iadul - este întunecată, mohorâtă, alarmantă, cu scăpări de lumină individuale străpungând întunericul nopții și cu păcătoși care sunt chinuiți de un fel de uriaș. instrumente muzicale. În centrul Iadului există o figură uriașă a lui Satan, acesta este un fel de „ghid” către Iad - principalul „povestitor” cu o față palidă de moarte și un zâmbet ironic pe buzele sale subțiri. Picioarele lui sunt trunchiuri goale de copac și se sprijină pe două nave. Trupul lui Satan este o coajă de ou deschisă pe marginea pălăriei sale, demonii și vrăjitoarea fie umblă, fie dansează cu sufletele păcătoase... Sau conduc oamenii vinovați de păcat nefiresc în jurul unei cimpoi uriașe (un simbol al masculinității). stăpânitorul Iadului a păcătuit: un păcătos a fost răstignit prin străpungerea lui cu corzile unei harpe; lângă el, un demon cu trup roșu conduce o orchestră infernală cântând din note scrise pe fesele altui păcătos. Pe un scaun înalt stă un demon, pedepsind pe lacomi și pe lacomi. Și-a băgat picioarele în ulcioare de bere și și-a pus o pălărie melon pe capul păsării. Și pedepsește pe păcătoși devorându-i.
Ușa Iadului reprezintă a treia etapă a Căderii, când pământul însuși s-a transformat în iad. Obiectele care slujeau înainte păcatului s-au transformat acum în instrumente de pedeapsă. Aceste himere ale unei conștiințe vinovate au toate semnificațiile specifice simbolurilor sexuale ale viselor. Iepurele (în imagine este mai mare decât un om) în creștinism era un simbol al nemuririi sufletului. În Bosch, el cântă la corn și coboară capul păcătosului în focul iadului. Urechile uriașe sunt un semn de nenorocire. Cheia uriașă atașată de ax de călugăr dezvăluie dorința celui din urmă de căsătorie, care este interzisă membrilor clerului. În interiorul monstrului se află o tavernă, deasupra căreia flutură un banner - aceleași cimpoi. La o oarecare distanță, un bărbat stă într-o stare de melancolie, aplecat asupra haosului. Dacă vedeți în ea trăsăturile lui Hieronymus Bosch însuși, atunci întreaga imagine poate apărea în fața privitorului într-o lumină diferită: artistul însuși a inventat acest coșmar, toate aceste agonie și chinuri au loc în sufletul său. Unii istorici de artă insistă asupra acestui lucru, de exemplu deja amintitul C. de Tolnay. Cu toate acestea, Bosch era un om profund religios și nici măcar nu-și putea imagina să se plaseze în Iad. Cel mai probabil, artistul ar trebui căutat printre acele imagini care transmit Lumină și Bunătate în picturile sale nu degeaba a aparținut Frăției Fecioarei Maria.
Pentru contemporanii noștri, acțiunile personajelor din „Grădina deliciilor” sunt în multe privințe de neînțeles, dar pentru contemporanii lui Bosch (așa cum am menționat deja mai sus), au fost pline de profunde sens simbolic. Picturile sale (inclusiv „Grădina bucuriilor pământești”) sperie deseori privitorul cu compatibilitatea nefirească dintre oameni și animale, vii și morți, într-un singur personaj și, în același timp, pot distra. Personajele lui arată ca niște imagini de coșmar ale Apocalipsei și, în același timp, ca dracii veseli ai unui carnaval. Cu toate acestea, cu multe interpretări ale semnificației „Grădinii bucuriilor pământești”, nici una dintre ele nu poate
îmbrățișează pe deplin toate imaginile imaginii.

Acest retablo este ultima dintre principalele lucrări ale lui Rafael dedicată temei sale preferate. Chiar și în perioada timpurie a creativității sale, a apelat la imaginea Madonei cu Pruncul, căutând de fiecare dată noua abordare. Caracterul predominant al geniului lui Rafael s-a exprimat în dorința de divinitate, de transformare a pământului, umanului în eternul, divin.
Se pare că cortina tocmai s-a despărțit și o viziune cerească a fost dezvăluită ochilor credincioșilor - Fecioara Maria mergând pe un nor cu pruncul Isus în brațe. Madona îl ține pe Isus, care s-a aplecat cu încredere aproape de ea, cu grijă și îngrijorare maternă. Geniul lui Rafael părea să înglobeze copilul divin într-un cerc magic format din mâna stângă a Madonei, vălul ei curgător și mâna dreaptă a lui Isus. Privirea ei, îndreptată către privitor, este plină de o previziune alarmantă soartă tragică fiul. Chipul Madonei este întruchiparea idealului antic de frumusețe combinat cu spiritualitatea idealului creștin.
Papa Sixtus al II-lea, care a fost martirizat în 258 d.Hr. și canonizat, îi cere Mariei mijlocire pentru toți cei care se roagă ei înaintea altarului. Poza Sfintei Barbara, chipul și privirea coborâtă exprimă smerenie și reverență. În adâncul imaginii, pe fundal, abia vizibile în ceața aurie, se văd vag chipurile îngerilor, sporind atmosfera sublimă de ansamblu. Vederile și gesturile celor doi îngeri din prim plan sunt îndreptate către Madona. Prezența acestor băieți înaripați, care amintesc mai mult de cupidonii mitologici, conferă pânzei o căldură și umanitate aparte.
Madona Sixtină a fost comandată lui Rafael în 1512 ca altar pentru capela Mănăstirii Sfântul Sixtus din Piacenza. Papa Iulius al II-lea, pe atunci încă cardinal, a strâns fonduri pentru construirea unei capele în care au fost păstrate moaștele Sf. Sixtus și Sf. Barbara.
În Rusia, în special în prima jumătate a secolului al XIX-lea, „Madona Sixtina” a lui Rafael a fost foarte venerată de către scriitori și critici atât de diferiți, precum V. A. Zhukovsky, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev. Belinsky i-a scris din Dresda lui V.P Botkin, împărtășindu-i impresiile despre „Madona Sixtina”: „Ce noblețe, ce grație a pensulei! Nu te poți opri să te uiți la ea! Mi-am amintit involuntar de Pușkin: aceeași noblețe, aceeași grație a expresiei, cu aceeași severitate a conturului! Nu degeaba Pușkin l-a iubit atât de mult pe Rafael: este înrudit cu el prin fire.” Doi mari scriitori ruși, L. N. Tolstoi și F. M. Dostoievski, aveau în birourile lor reproduceri ale „Madonei Sixtine”. Soția lui F. M. Dostoievski a scris în jurnalul ei: „Fiodor Mihailovici a pus lucrările lui Rafael mai presus de toate în pictură și l-a recunoscut ca fiind cea mai înaltă opera sa”. Madonna Sixtina».
Carlo Maratti și-a exprimat surprinderea față de Rafael: „Dacă mi-ar fi arătat un tablou de Rafael și n-aș ști nimic despre el, dacă mi-ar spune că aceasta este creația unui înger, aș crede.”
Mintea mare a lui Goethe nu numai că l-a apreciat pe Rafael, dar a găsit și o expresie potrivită pentru evaluarea lui: „El a creat întotdeauna ceea ce alții doar visau să creeze”.
Acest lucru este adevărat, deoarece Rafael a întruchipat în lucrările sale nu doar dorința unui ideal, ci chiar idealul accesibil unui muritor.

Din cartea „100 de Mari Tablouri” de N.A. Ionina:

Augsburg, unde la acea vreme s-a adunat întreaga curte spaniolă și mulți prinți germani. La Augsburg, Tizian a pictat un imens portret ecvestru al lui Carol al V-lea în dimineața dinaintea bătăliei, în care monarhul a câștigat una dintre cele mai strălucitoare victorii ale sale. Acest portret i-a surprins pe contemporanii lui Tizian: era ciudat să-l vezi pe împărat - un diplomat subtil de fotoliu și melancolic - în formă de cavaler și erou cu sulița în mână, cu viziera ridicată, galopând singur printre câmpuri. Dar aceasta a fost voința monarhului.
La bătălia de la Mühlberg, acest fanatic al catolicismului părea mișcat de un fel de extaz: nu a îndreptat bătălia de departe, stând într-o targă sub protecția fortificațiilor. S-a repezit înaintea trupelor sale pentru a ataca și chiar a traversat vadul periculos al Elbei, târându-și colonii cu el. Această zi memorabilă și singurul act eroic al împăratului urma să fie imortalizată de Tițian. Portretul nu îl înfățișează pe Carol al V-lea sumbru, tăcut și bolnav, așa cum este descris în narațiunile contemporanilor săi. Acesta nu este Karl, pe care același Tițian l-a înfățișat în portretul aflat acum în Pinakothek din München. Aceasta nu este o ruină jalnică, nici un viclean și viclean, nici un trist „stăpân al universului”, nu fiul nebunei Joanna și al luxosului Filip... Acesta este nepotul „ultimului cavaler” - Maximilian și prin urmare, Titian a descris un fulger separat în portret, și nu un întreg personaj psihologic.
A fost uluitoare și cea mai îndrăzneață dintre toate lucrările lui Tițian. În ceața roșiatică a unei dimineți de primăvară, singur pe câmpia întinsă care se întinde până la dealurile Elbei, împăratul, îmbrăcat în oțel gonit și aurit, cu o grămadă ridicată deasupra chipului său palid și hotărât, galopează din pădure cu sulița cu fața în față. Cât de impresionant și maiestuos arată călărețul! Dar cât de singur este în acest domeniu. Și unde s-a repezit pe un cal cavalabil frumos? Comandă națiunile, pedepsește rebelii cu foc și sabie, doborând armate de trupe asupra dușmanilor, un om al cărui gest chiar și leneș ar putea ridica sau distruge - el este înfățișat obosit și singur în portret.
Privitorul își privește chipul caracteristic, voinic, cu bărbia proeminentă ascuțită, și deodată distinge limpede în privirea împăratului o tristețe distractivă, un fel de oboseală interioară, care se transmite întregii sale siluete și este vizibilă chiar și în alergarea măsurată a calului său. Aspectul lui este impresionant spiritul rău, iar această viziune te ia prin surprindere și te sperie. Până și culorile portretului conțin ceva sinistru și războinic. În fața lui Carol al V-lea se vede ceva teribil, „fantomatic”: singur pe câmp, singur pe lume, singur cu sufletul zdrobit. Așa l-a înțeles și l-a portretizat Tițian pe împărat. Poate că el însuși nu era încă conștient de marea sa oboseală, iar artistul i-a arătat propriul suflet - fără înfrumusețare.
În acest portret, Titian nu a lăsat să se dezvolte pasiunea sa, sfera sa de solemnitate, ci s-a încătușat în limitele cerințelor clientului, tratând sarcina cu o răceală rară. Poate de aceea unii cercetători notează o anumită nefirescitate atât în portret, cât și în poziția împăratului, ca pe manechinele dintr-un arsenal de arme vechi. Dar pătrunderea psihologică a lui Tizian a atins limita maximă în acest portret. În ceea ce privește încrederea tehnicilor artistice, acest portret este uimitor, în ceea ce privește expresia caracterului și spiritul epocii - nimic nu se poate compara cu el. Se pare că Clio însăși, muza Istoriei, a condus mâna artistului în acele vremuri.

Perseus - în mitologia greacă fiul lui Danae, care a fost dus de Jupiter când s-a transformat într-un curent de ploaie aurie. Faptele sale eroice au inclus tăierea capului pe Medusa, una dintre Gorgonele cu păr de șarpe, și salvarea frumoasei Andromeda de la un monstru marin. Ultimul subiect este o legendă non-nativă frecvent întâlnită. Perseus este înfățișat fie ca un erou tipic al antichității clasice, fie ca un războinic blindat. El ține în mână o sabie rotunjită - un cadou de la Mercur - și un scut strălucitor dat de Minerva, protectorul său.
Ovidiu în Metamorfoze povestește cum Andromeda, fiica regelui etiopian, a fost înlănțuită de o stâncă de pe mal ca sacrificiu pentru un monstru marin. Perseus, zburând pe cer, s-a îndrăgostit de ea la prima vedere. S-a repezit la timp, ucigând monstrul și eliberând-o pe Andromeda. Rubens a creat pictura „Perseus și Andromeda” într-un moment în care opera sa era deosebit de emoționantă și veselă. În ceea ce privește perfecțiunea picturii și măiestria înaltă, această lucrare este una dintre capodoperele artistului. Și aici pentru Rubens principalul rămâne pentru ceea ce s-a născut omul: lupta, victoria și iubirea.

Ceea ce l-a interesat pe Rubens nu a fost isprava lui Perseus în sine, nici lupta și rezistența, ci bucuria față de victoria care fusese deja obținută, când strigăte de bucurie răsunau de la țărm și toată lumea îl lăuda pe puternicul erou. În această imagine, Perseu apare ca un triumfător, zeița înaripată Victoria (Gloria) cu o ramură de palmier și o coroană de laur în mâinile ei încununează câștigătoarea. Apoteoza lui Perseu devine un triumf al vieții, nemai umbrit de nimic, frumos și vesel. Iar Rubens rezolvă această sarcină artistică cu atâta completitudine, cu o putere atât de incitantă, care aproape că nu a mai fost întâlnită până acum. Dinamica internă intensă a fiecărei linii, a fiecărei forme, ritmul lor crescător realizează aici o expresivitate excepțională. O forță irezistibilă, care se repezi ca un vârtej de undeva din afară, dă întregii compoziții și mișcărilor învolburate, ca într-un vârtej, o singură direcție.

S.M. Sandomirsky

Robert Wallace în carte lumea lui Leonardo, M., 1997 scrie: „Din cele două probleme cu care s-au confruntat autorii „Cinei celei de Taină” timp de secole, Leonardo a rezolvat problema evidențierii lui Iuda cu cea mai mare ușurință. L-a așezat pe Iuda pe aceeași parte a mesei cu toți ceilalți, dar l-a separat psihologic de ceilalți cu o singurătate care era mult mai zdrobitoare decât simpla retragere fizică. Sumbru și concentrat, Iuda s-a retras de la Hristos. E ca și cum ar fi pe el o pecete veche de secole de vinovăție și singurătate.”
Iuda stă cu toată lumea, ca un apostol între apostoli. Hristos este singur și de aceea este trist, dar cel mai puțin singur este Iuda. De aici puterea lui încrezătoare. Și nu este de vină, pentru că conversația din film nu este despre trădare, ci despre salvarea sufletelor oamenilor care sunt cel mai puțin preocupați de asta.
Să luăm în considerare apostolii, deși după cele spuse nu mai hotărăsc nimic.

12 11 10 9 8 7 Hristos 1 2 3 4 5 6
Bartolomeu Ioan Toma Filip Matei
Petru Iacob Simeon
Iuda

1. Thomas în prag pe un fundal deschis. Mâna dreaptă este strânsă, degetul arătător în sus: „Dumnezeu nu va permite o astfel de crimă”.
2. Iacov se uită îngrozit la sângele noului legământ care țâșnește din încheietura lui. Brațele și palmele larg răspândite rețin cuvintele lui Hristos și încearcă să-i protejeze pe cei din spatele lui.
3. Philip își apasă degetele pe piept și are o rugăminte pe față: „Aveți încredere în mine, acest lucru este imposibil din partea mea”.
4. Ambele mâini acceptă cuvintele lui Hristos și cu o privire îl întreabă pe a 6-a: „Este posibil ce spune el?”
5. Simeon acceptă cuvintele lui Hristos cu palma dreaptă și o întreabă pe a 6-a.
6. Matei, ambele palme sunt îndreptate către Hristos - el își întoarce cuvintele: „Acest lucru este imposibil!”
7. Ioan. Degetele sunt strânse și stau pe masă, arătând durere și slăbiciune. S-a întors brusc spre stânga, cu ochii închiși. Capul se întinde moale pe umăr.
8. Petru. Mâna stângă acceptă cuvintele lui Hristos și o liniștește pe a 7-a. În mâna sa dreaptă există un cuțit - el este gata să-l omoare pe trădător.
9. Iuda: putere scăzută stabilă, auto-neprihănire, determinare, energie.
10. Palmele ridicate la nivelul pieptului: „Cine este trădătorul?” Aruncă o privire piezișă la cuțit.
11. Mâna dreaptă pe umărul zilei de 10: este de acord cu el. Ea acceptă cuvintele lui Hristos.
12. Bartolomeu s-a ridicat hotărât și a fost gata să acționeze.
În general, grupul potrivit de apostoli nu permite trădarea; stânga admite această posibilitate și este hotărâtă să-l pedepsească pe trădător.
În cât de puternic s-a balansat Ioan spre stânga, eliberând complet fereastra, este lumina adevărului lui Hristos, iar Toma, fiind în fereastră la nivelul lui Hristos, dar speră nu în sine, ci în Dumnezeu; cum al 2-lea apostol a fost aruncat la dreapta, cum restul ucenicilor au fost confuzi, confuzi și agitați, trădând gândul lui Leonardo da Vinci că ideile de jertfă și mântuire, poruncile noului testament al lui Hristos de către apostolii - acești oameni slabi - nu vor fi împliniți și jertfa lui va fi în zadar. Acesta este motivul descurajării lui Hristos. Mai mult decât atât, artistul însuși aduce un omagiu înaltei aspirații și sacrificiului Dumnezeului pământesc.

„Fiecare portret pictat cu sentiment este, în esență, un portret al artistului, și nu al persoanei care a pozat pentru el.” Oscar Wilde

Ce este nevoie pentru a fi artist? O simplă imitație a unei opere nu poate fi considerată artă. Arta este ceva care vine din interior. Ideea autorului, pasiunea, căutarea, dorințele și tristețile, care sunt întruchipate pe pânza artistului. De-a lungul istoriei omenirii, au fost pictate sute de mii și poate milioane de tablouri. Unele dintre ele sunt cu adevărat capodopere, cunoscute în toată lumea, chiar și oameni care nu au nicio legătură cu arta le cunosc. Este posibil să identificăm cele 25 cele mai remarcabile dintre astfel de picturi? Sarcina este foarte dificilă, dar am încercat...

✰ ✰ ✰

„Persistența memoriei”, Salvador Dali

Datorită acestui tablou, Dali a devenit celebru la o vârstă destul de fragedă, avea 28 de ani. Pictura are mai multe titluri - „Ore blânde”, „Duritatea memoriei”. Această capodopera a atras atenția multor critici de artă. Practic, erau interesați de interpretarea tabloului. Se spune că ideea din spatele picturii lui Dali este legată de teoria relativității a lui Einstein.

✰ ✰ ✰

„Dans”, Henri Matisse

Henri Matisse nu a fost întotdeauna un artist. Și-a descoperit dragostea pentru pictură după ce a primit o diplomă de drept la Paris. A studiat arta cu atâta râvnă încât a devenit unul dintre cei mai mari artiștiîn lume. Acest tablou are foarte puține critici negative din partea criticilor de artă. Ea reflectă o combinație de ritualuri păgâne, dans și muzică. Oamenii dansează în transă. Trei culori - verde, albastru și roșu, simbolizează Pământul, Cerul și Umanitatea.

✰ ✰ ✰

„Sărutul”, Gustav Klimt

Gustav Klimt a fost adesea criticat pentru nuditatea din picturile sale. „Sărutul” a fost remarcat de critici, deoarece a îmbinat toate formele de artă. Pictura ar putea fi o reprezentare a artistului însuși și a iubitei sale, Emilia. Klimt a pictat acest tablou sub influența mozaicurilor bizantine. Bizantinii foloseau aurul în picturile lor. De asemenea, Gustav Klimt a amestecat aurul în vopselele sale pentru a-și crea propriul stil de pictură.

✰ ✰ ✰

„Țiganul adormit”, Henri Rousseau

Nimeni, în afară de Rousseau însuși, nu ar putea descrie mai bine această imagine. Iată descrierea lui - „o țigancă nomadă care își cântă melodiile cu acompaniamentul unei mandoline, doarme pe pământ de oboseală, ulciorul ei cu apă potabilă se află în apropiere. Un leu care trecea s-a apropiat să o adulmece, dar nu a atins-o. Totul este scăldat în lumina lunii, o atmosferă foarte poetică.” Este de remarcat faptul că Henri Rousseau este autodidact.

✰ ✰ ✰

„Judecata de Apoi”, Hieronymus Bosch

Fără alte prelungiri, poza este pur și simplu magnifică. Acest triptic este cel mai mare tablou supraviețuitor al lui Bosch. Aripa stângă arată povestea lui Adam și a Evei. Partea centrală este " judecata de apoi„din partea lui Isus – cine ar trebui să meargă în rai și cine să meargă în iad. Pământul pe care îl vedem aici arde. Aripa dreaptă înfățișează o imagine dezgustătoare a iadului.

✰ ✰ ✰

Toată lumea este familiarizată cu Narcis din mitologia greacă - un bărbat care era obsedat de aspectul său. Dali a scris propria sa interpretare a lui Narcis.

Aceasta este povestea. Frumosul tânăr Narcis a frânt cu ușurință inimile multor fete. Zeii au intervenit și, pentru a-l pedepsi, i-au arătat reflexia lui în apă. Narcisistul s-a îndrăgostit de el însuși și în cele din urmă a murit pentru că nu a fost niciodată capabil să se îmbrățișeze. Atunci Zeii au regretat că i-au făcut asta și au decis să-l imortalizeze sub forma unei flori de narcisă.

În partea stângă a imaginii este Narcis privindu-și reflexia. După care s-a îndrăgostit de el însuși. Panoul din dreapta arată evenimentele care s-au desfășurat după, inclusiv floarea rezultată, narcisa.

✰ ✰ ✰

Intriga filmului se bazează pe masacrul biblic al copiilor din Betleem. După ce vestea nașterii lui Hristos a fost cunoscută de la magi, regele Irod a ordonat uciderea tuturor copiilor mici și pruncilor din Betleem. În imagine, masacrul este la apogeu, ultimii câțiva copii, care au fost luați de la mame, își așteaptă moartea fără milă. De asemenea, sunt vizibile cadavrele copiilor, pentru care totul este deja în spatele lor.

Datorită folosirii bogatului gama de culori, pictura lui Rubens a devenit o capodopera de renume mondial.

✰ ✰ ✰

Lucrarea lui Pollock este foarte diferită de alți artiști. Și-a așezat pânza pe pământ și s-a mișcat în jurul și în jurul pânzei, picurând vopsea de sus pe pânză folosind bețișoare, perii și seringi. Datorită acestei tehnici unice, el a fost supranumit „Sprinkler Jack” în cercurile artistice. De ceva timp, acest tablou a deținut titlul de cel mai scump tablou din lume.

✰ ✰ ✰

Cunoscut și sub numele de „Dancing at Le Moulin de la Galette”. Acest tablou este considerat unul dintre cele mai vesele tablouri ale lui Renoir. Ideea filmului este de a le arăta spectatorilor latura distractivă a vieții pariziene. La o examinare mai atentă a picturii, puteți vedea că Renoir și-a plasat câțiva dintre prietenii săi pe pânză. Deoarece pictura pare ușor neclară, a fost inițial criticată de contemporanii lui Renoir.

✰ ✰ ✰

Intriga este preluată din Biblie. Tabloul „Cina cea de Taină” înfățișează ultima cină a lui Hristos înainte de arestarea sa. Tocmai vorbise cu apostolii săi și le spusese că unul dintre ei îl va trăda. Toți apostolii sunt întristați și îi spun că, desigur, nu sunt ei. Acesta a fost momentul pe care Da Vinci l-a descris frumos prin reprezentarea sa vie. Marele Leonardo i-a luat patru ani pentru a finaliza acest tablou.

✰ ✰ ✰

„Nuferii” lui Monet pot fi găsite peste tot. Probabil le-ați văzut pe tapet, postere și coperți ale revistelor de artă. Cert este că Monet era obsedat de crini. Înainte să înceapă să le picteze, a crescut nenumărate numere din aceste flori. Monet a construit un pod în stil japonezîn grădina lui deasupra unui iaz cu crini. A fost atât de mulțumit de ceea ce a realizat, încât a desenat acest complot de șaptesprezece ori într-un an.

✰ ✰ ✰

Există ceva sinistru și misterios în această imagine, există o aură de frică în jurul ei. Doar un astfel de maestru ca Munch a fost capabil să înfățișeze frica pe hârtie. Munch a realizat patru versiuni ale lui The Scream în ulei și pastel. Potrivit înregistrărilor din jurnalul lui Munch, este destul de clar că el însuși credea în moarte și spirite. În tabloul „Țipătul”, el s-a înfățișat pe sine în momentul în care într-o zi, în timp ce se plimba cu prietenii, a simțit frică și entuziasm, pe care a vrut să le picteze.

✰ ✰ ✰

Pictura, care este de obicei menționată ca simbol al maternității, nu trebuia să devină una. Se spune că modelul lui Whistler, care trebuia să stea la pictură, nu a apărut și a decis să-și picteze mama. Putem spune că viața tristă a mamei artistului este descrisă aici. Această dispoziție se datorează culorilor închise care sunt folosite în acest tablou.

✰ ✰ ✰

Picasso a cunoscut-o pe Dora Maar la Paris. Se spune că ea era mai apropiată intelectual de Picasso decât toate amantele lui anterioare. Folosind cubismul, Picasso a reușit să transmită mișcare în opera sa. Se pare că chipul lui Maar se întoarce spre dreapta, spre chipul lui Picasso. Artista a făcut prezența femeii aproape reală. Poate că voia să simtă că ea era acolo, mereu.

✰ ✰ ✰

Van Gogh a scris Noaptea înstelată în timp ce era supus unui tratament, unde i s-a permis să picteze doar în timp ce starea lui se îmbunătăți. La începutul aceluiași an, și-a tăiat lobul stâng al urechii. Mulți l-au considerat pe artist nebun. Din întreaga colecție de lucrări a lui Van Gogh, Noaptea înstelată este cea mai faimoasă, poate datorită luminii sferice neobișnuite din jurul stelelor.

✰ ✰ ✰

În acest tablou, Manet a recreat Venus din Urbino a lui Titian. Artistul avea o reputație proastă pentru a înfățișa prostituate. Deși domnii la acea vreme le vizitau destul de des pe curtezane, ei nu credeau că cineva le va lua în cap să le picteze. Pe atunci, era de preferat ca artiștii să picteze tablouri pe teme istorice, mitice sau biblice. Cu toate acestea, Manet, mergând împotriva criticilor, a arătat publicului contemporanul lor.

✰ ✰ ✰

Acest tablou este o pânză istorică care înfățișează cucerirea Spaniei de către Napoleon.

După ce a primit o comandă pentru picturi care înfățișează lupta poporului Spaniei împotriva lui Napoleon, artistul nu a pictat pânze eroice și patetice. A ales momentul în care rebelii spanioli au fost împușcați de soldații francezi. Fiecare dintre spanioli trăiește acest moment în felul său, unii s-au resemnat deja, dar pentru alții tocmai a sosit bătălia principală. Război, sânge și moarte, asta a descris de fapt Goya.

✰ ✰ ✰

Se crede că fata înfățișată este fiica cea mare a lui Vermeer, Mary. Trăsăturile sale sunt prezente în multe dintre lucrările sale, dar sunt greu de comparat. O carte cu același titlu a fost scrisă de Tracy Chevalier. Dar Tracy are o versiune complet diferită a cine este reprezentat în această imagine. Ea susține că a abordat acest subiect pentru că există foarte puține informații despre Vermeer și picturile sale, iar acest tablou anume emană o atmosferă misterioasă. Ulterior, a fost realizat un film bazat pe romanul ei.

✰ ✰ ✰

Titlul exact al picturii este „Performanța companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Willem van Ruytenburg”. Pe lângă miliție, Rembrandt a adăugat mai multe persoane în plus la compoziție. Având în vedere că și-a cumpărat o casă scumpă în timp ce picta acest tablou, poate fi adevărat că a primit o taxă uriașă pentru The Night's Watch.

✰ ✰ ✰

Deși pictura conține o imagine a lui Velázquez însuși, nu este un autoportret. Personajul principal picturi - Infanta Margareta, fiica regelui Filip al IV-lea. Acesta înfățișează momentul în care Velázquez, lucrând la un portret al regelui și al reginei, este forțat să se oprească și să se uite la infanta Margarita, care tocmai a intrat în cameră cu suita ei. Tabloul pare aproape viu, stârnind curiozitatea publicului.

✰ ✰ ✰

Acesta este singurul tablou al lui Bruegel care a fost pictat mai degrabă în ulei decât în tempera. Există încă îndoieli cu privire la autenticitatea picturii, în principal din două motive. În primul rând, nu a pictat în ulei, iar în al doilea rând, cercetările recente au arătat că sub stratul de pictură există un desen schematic de proastă calitate care nu aparține lui Bruegel.

Tabloul descrie povestea lui Icar și momentul căderii sale. Potrivit mitului, penele lui Icar erau prinse cu ceară, iar pentru că Icar s-a ridicat foarte aproape de soare, ceara s-a topit și a căzut în apă. Acest peisaj l-a inspirat pe W. Hugh Auden să scrie cel mai faimos poem al său pe aceeași temă.

✰ ✰ ✰

Școala din Atena este poate cea mai faimoasă frescă a artistului italian al Renașterii, Rafael.

În această frescă de la Școala din Atena, toți marii matematicieni, filozofi și oameni de știință s-au adunat sub un singur acoperiș, împărtășindu-și teoriile și învățând unii de la alții. Toți eroii au trăit în vremuri diferite, dar Raphael i-a așezat pe toți într-o singură cameră. Unele dintre figuri sunt Aristotel, Platon, Pitagora și Ptolemeu. O privire mai atentă dezvăluie că acest tablou conține și un autoportret al lui Rafael însuși. Fiecare artist ar dori să-și lase amprenta, singura diferență este forma. Deși poate că se considera una dintre aceste mari figuri?

✰ ✰ ✰

Michelangelo nu s-a considerat niciodată un artist, s-a considerat întotdeauna mai mult un sculptor. Dar a reușit să creeze o frescă uimitoare, rafinată, pe care întreaga lume o venerează. Această capodopera se află pe tavanul Capelei Sixtine din Vatican. Michelangelo a fost însărcinat să picteze mai multe povești biblice, dintre care una a fost creația lui Adam. În această imagine, sculptorul din Michelangelo este clar vizibil. Corpul uman al lui Adam este redat cu o precizie incredibilă folosind culori vibrante și forme musculare precise. Deci, putem fi de acord cu autorul, la urma urmei, el este mai mult un sculptor.

✰ ✰ ✰

„Mona Lisa”, Leonardo da Vinci

Deși este cea mai studiată pictură, Mona Lisa rămâne totuși cea mai misterioasă. Leonardo a spus că nu a încetat niciodată să lucreze la asta. Doar moartea lui, după cum se spune, a finalizat lucrarea pe pânză. „Mona Lisa” este primul portret italian în care modelul este înfățișat de la talie în sus. Pielea Mona Lisei pare să strălucească datorită folosirii mai multor straturi de uleiuri transparente. Ca om de știință, Leonardo da Vinci și-a folosit toate cunoștințele pentru a face imaginea Mona Lisei realistă. Cât despre cine este reprezentat exact în pictură, rămâne încă un mister.

✰ ✰ ✰

Tabloul o înfățișează pe Venus, zeița iubirii, plutind pe o scoică în vânt, care este suflată de Zephyr, zeul vântului de vest. Ea este întâmpinată pe mal de Ora, zeița anotimpurilor, care este gata să îmbrace zeitatea nou-născută. Modelul pentru Venus este considerat a fi Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo a murit la 22 de ani, iar Botticelli a dorit să fie înmormântat lângă ea. Era legat de o dragoste neîmpărtășită cu ea. Acest tablou este cea mai rafinată operă de artă creată vreodată.

✰ ✰ ✰

Concluzie

Acesta a fost un articol TOP 25 cele mai faimoase tablouri din lume. Vă mulțumim pentru atenție!

Lumea misterioasă a artei poate părea confuză pentru ochiul neinstruit, dar există capodopere pe care toată lumea ar trebui să le cunoască. Talentul, inspirația și munca minuțioasă la fiecare lovitura dau naștere unor lucrări care sunt admirate secole mai târziu.

Este imposibil să colectăm toate creațiile remarcabile într-o singură selecție, dar am încercat să selectăm cele mai cunoscute tablouri care atrag cozi uriașe în fața muzeelor din întreaga lume.

Cele mai faimoase picturi ale artiștilor ruși

„Dimineața într-o pădure de pini”, Ivan Shishkin și Konstantin Savitsky

Anul creației: 1889
Muzeu

Șișkin a fost un excelent pictor peisagist, dar rareori a trebuit să deseneze animale, așa că figurile puiilor de urs au fost pictate de Savitsky, un excelent artist de animale. La sfârșitul lucrării, Tretiakov a ordonat să fie ștearsă semnătura lui Savitsky, considerând că Shișkin a făcut o muncă mult mai amplă.

„Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan 16 noiembrie 1581”, Ilya Repin

Ani de creație: 1883–1885
Muzeu: Galeria Tretiakov, Moscova

Repin a fost inspirat să creeze capodopera, mai cunoscută drept „Ivan cel groaznic își ucide fiul”, din simfonia „Antar” a lui Rimski-Korsakov, și anume a doua sa mișcare, „Dulceața răzbunării”. Sub influența sunetelor muzicii, artistul a descris o scenă sângeroasă a crimei și a pocăinței ulterioare observate în ochii suveranului.

„Demonul așezat”, Mihail Vrubel

Anul creației: 1890
Muzeu: Galeria Tretiakov, Moscova

Pictura a fost una dintre cele treizeci de ilustrații desenate de Vrubel pentru ediția aniversară a lucrărilor lui M.Yu. Lermontov. „Demonul șezând” personifică îndoielile inerente spiritului uman, „dispoziția sufletească” subtilă și evazivă. Potrivit experților, artistul a fost într-o oarecare măsură obsedat de imaginea unui demon: această pictură a fost urmată de „Demon Flying” și „Demon Defeated”.

„Boyaryna Morozova”, Vasily Surikov

Ani de creație: 1884–1887
Muzeu: Galeria Tretiakov, Moscova

Filmul se bazează pe intriga vieții vechiului credincios „Povestea boiarinei Morozova”. Înțelegerea imaginii cheie a venit la artist când a văzut o cioară întinzându-și aripile negre ca o neclară pe suprafața înzăpezită. Mai târziu, Surikov a căutat mult timp un prototip pentru chipul nobilului, dar nu a găsit nimic potrivit până când într-o zi a întâlnit o femeie bătrână credincioasă cu o față palidă și frenetică într-un cimitir. Schița portretului a fost finalizată în două ore.

„Bogatyrs”, Viktor Vasnețov

Ani de creație: 1881–1898
Muzeu: Galeria Tretiakov, Moscova

Viitoarea capodopera epica sa nascut ca o mica schita in creion in 1881; Pentru a lucra în continuare pe pânză, Vasnețov a petrecut mulți ani strângând informații despre eroi din mituri, legende și tradiții și, de asemenea, a studiat muniția rusă antică autentică în muzee.

Analiza picturii lui Vasnețov „Trei eroi”

„Scăldarea calului roșu”, Kuzma Petrov-Vodkin

Anul creației: 1912
Muzeu: Galeria Tretiakov, Moscova

Inițial, pictura a fost concepută ca o schiță de zi cu zi din viața unui sat rusesc, dar în timpul lucrării pânza artistului a fost acoperită cu un număr mare de simboluri. Prin calul roșu, Petrov-Vodkin însemna „Soarta Rusiei”; după ce ţara s-a alăturat Primului război mondial el a exclamat: „De aceea, de aceea am pictat acest tablou!” Cu toate acestea, după revoluție, criticii de artă pro-sovietici au interpretat figura cheie din pictură ca un „prevestitor al incendiilor revoluționare”.

„Trinitate”, Andrei Rublev

Anul creației: 1411
Muzeu: Galeria Tretiakov, Moscova

Icoana care a pus bazele tradiției picturii icoanelor rusești în secolele XV-XVI. Pânza care înfățișează trinitatea de îngeri din Vechiul Testament care i s-a arătat lui Avraam este un simbol al unității Sfintei Treimi.

„Al nouălea val”, Ivan Aivazovsky

Anul creației: 1850
Muzeu

O perlă în „cartografia” legendarului pictor marin rus, care fără ezitare poate fi considerat unul dintre cei mai cunoscuți artiști din lume. Putem vedea cum marinarii care au supraviețuit în mod miraculos furtunii se agață de catarg în așteptarea întâlnirii „al nouălea val”, apogeul mitic al tuturor furtunilor. Dar nuanțele calde care domină pânza dau speranță pentru salvarea victimelor.

„Ultima zi a Pompeii”, Karl Bryullov

Ani de creație: 1830–1833
Muzeu: Muzeul Rusiei, Sankt Petersburg

Terminată în 1833, pictura lui Bryullov a fost expusă inițial în cele mai mari orașe ale Italiei, unde a făcut o adevărată senzație - pictorul a fost comparat cu Michelangelo, Tițian, Rafael... Acasă, capodopera a fost întâmpinată cu nu mai puțin entuziasm, asigurând porecla „Charlemagne” pentru Bryullov. Pânza este cu adevărat grozavă: dimensiunile sale sunt de 4,6 pe 6,5 metri, ceea ce o face una dintre cele mai mari picturi dintre lucrările artiștilor ruși.

Cele mai faimoase picturi ale lui Leonardo da Vinci

"Mona Lisa"

Ani de creație: 1503–1505
Muzeu: Luvru, Paris

O capodopera a geniului florentin care nu are nevoie de prezentare. Este de remarcat faptul că pictura a primit statutul de cult după incidentul furtului de la Luvru din 1911. Doi ani mai târziu, hoțul, care s-a dovedit a fi un angajat al muzeului, a încercat să vândă pictura Galeriei Uffizi. Evenimentele cazului de mare profil au fost acoperite în detaliu în presa mondială, după care sute de mii de reproduceri au fost puse în vânzare, iar misterioasa Mona Lisa a devenit obiect de cult.

Ani de creație: 1495–1498
Muzeu: Santa Maria delle Grazie, Milano

După cinci secole, o frescă cu un complot clasic pe peretele trapezei mănăstirii dominicane din Milano este recunoscută drept una dintre cele mai misterioase picturi din istorie. După ideea lui Da Vinci, tabloul înfățișează momentul mesei de Paște, când Hristos îi anunță pe ucenici despre o trădare iminentă. Numărul imens de simboluri ascunse a dat naștere unui număr la fel de mare de studii, aluzii, împrumuturi și parodii.

"Madonna Litta"

Anul creației: 1491
Muzeu: Ermitaj, Sankt Petersburg

Cunoscută și sub denumirea de Madona cu Pruncul, pictura a fost păstrată în colecția ducilor de Litta pentru o lungă perioadă de timp, iar în 1864 a fost achiziționată de Schitul Sankt Petersburg. Mulți experți sunt de acord că figura bebelușului a fost pictată nu de da Vinci personal, ci de unul dintre elevii săi - o ipostază prea neobișnuită pentru un pictor.

Cele mai faimoase picturi ale lui Salvador Dali

Anul creației: 1931
Muzeu: Muzeu arta contemporana, New York

Paradoxal, cea mai faimoasă operă a geniului suprarealismului s-a născut din gânduri despre brânza Camembert. Într-o seară, după o cină prietenoasă, care s-a încheiat cu aperitive cu brânză, artistul s-a pierdut în gânduri la „împrăștierea pulpei”, iar imaginația sa a pictat o imagine a unui ceas care se topește cu o ramură de măslin în prim plan.

Anul creației: 1955
Muzeu: National Gallery of Art, Washington

Un complot tradițional dat o întorsătură suprarealistă folosind principii aritmetice studiate de Leonardo da Vinci. Artistul a pus în prim plan magia particulară a numărului „12”, îndepărtându-se de metoda hermeneutică de interpretare a complotului biblic.

Cele mai faimoase picturi ale lui Pablo Picasso

Anul creației: 1905
Muzeu: Muzeul Pușkin, Moscova

Pictura a devenit primul semn al așa-numitei perioade „roz” în opera lui Picasso. Textura aspră și stilul simplificat sunt combinate cu un joc sensibil de linii și culori, contrastul dintre figura masivă a unui atlet și o gimnastă fragilă. Pânza a fost vândută împreună cu alte 29 de lucrări cu 2 mii de franci (în total) colecționarului parizian Vollard, a schimbat mai multe colecții, iar în 1913 a fost achiziționată de filantropul rus Ivan Morozov, deja pentru 13 mii de franci.

Anul creației: 1937
Muzeu: Muzeul Reina Sofia, Madrid

Guernica este numele unui oraș din Țara Bascilor care a fost supus bombardamentelor germane în aprilie 1937. Picasso nu fusese niciodată la Guernica, dar a fost uimit de amploarea dezastrului, ca de o „lovitură din corn de taur”. Artistul a transmis ororile războiului în formă abstractă și a arătat adevărata față a fascismului, voalându-l cu forme geometrice bizare.

Cele mai cunoscute tablouri ale Renașterii

„Madona Sixtina”, Raphael Santi

Ani de creație: 1512–1513
Muzeu: Galeria Vechilor Maeștri, Dresda

Dacă te uiți cu atenție la fundal, care la prima vedere este format din nori, vei observa că, de fapt, Rafael a înfățișat acolo capete de îngeri. Cei doi îngeri situati în partea de jos a tabloului sunt aproape mai celebri decât capodopera în sine, datorită circulației sale largi în arta de masă.

„Nașterea lui Venus”, Sandro Botticelli

Anul creației: 1486
Muzeu: Galeria Uffizi, Florența

Imaginea se bazează pe mitul grecesc antic al nașterii Afroditei din spuma mării. Spre deosebire de multe capodopere ale Renașterii, pânza a supraviețuit până astăzi în stare excelentă datorită stratului protector de gălbenuș de ou cu care Botticelli a acoperit cu prudență lucrarea.

„Crearea lui Adam”, Michelangelo Buonarotti

Anul creației: 1511
Muzeu: Capela Sixtină, Vatican

Una dintre cele nouă fresce de pe tavanul Capelei Sixtine, ilustrând capitolul din Geneza: „Și Dumnezeu a creat pe om după chipul Său”. Michelangelo a fost primul care l-a înfățișat pe Dumnezeu ca pe un bătrân cu părul cărunt, după care această imagine a devenit arhetipală. Oamenii de știință moderni cred că contururile figurii lui Dumnezeu și ale îngerilor reprezintă creierul uman.

„Pazul de noapte”, Rembrandt

Anul creației: 1642
Muzeu: Rijksmuseum, Amsterdam

Titlul complet al picturii este „Performanța companiei de puști a căpitanului Frans Banning Kok și a locotenentului Willem van Ruytenburg”. Pictura și-a primit numele modern în secolul al XIX-lea, când a fost găsită de criticii de artă care, din cauza stratului de murdărie care acoperă lucrarea, au decis că acțiunea din pictură se desfășoară sub acoperirea întunericului nopții.

„Grădina deliciilor pământești”, Hieronymus Bosch

Ani de creație: 1500–1510
Muzeu: Muzeul Prado, Madrid

Poate cel mai faimos triptic al lui Bosch, numit după partea centrală a compoziției: figurile înfățișate pe ea se complace cu abnegație în păcatul voluptuozității. Spre deosebire de partea din mijloc, care este plină de detalii mici, „agitate”, aripa stângă a imaginii, înfățișând un paradis autentic, transmite o atmosferă de pace și liniște, iar aripa dreaptă, plină de mecanisme diavolești, dimpotrivă. , amintește de chinurile iadului.

Cele mai cunoscute tablouri ale secolului XX

„Pătratul Negru”, Kazimir Malevici

Anul creației: 1915
Muzeu: Galeria Tretiakov, Moscova

Malevici a scris „Piața neagră” timp de câteva luni; Legenda spune că un tablou este ascuns sub un strat de vopsea neagră - artistul nu a avut timp să termine lucrarea la timp și, într-un acces de furie, a acoperit imaginea. Există cel puțin șapte copii ale „Pătratului Negru” realizate de Malevich, precum și un fel de „continuare” Pătratele suprematiste– „Piața Roșie” (1915) și „Piața Albă” (1918).

„Tipătul”, Edvard Munch

Anul creației: 1893
Muzeu: National Gallery, Oslo

Datorită efectului său mistic inexplicabil asupra privitorului, tabloul a fost furat în 1994 și 2004. Există opinia că imaginea creată la începutul secolului al XX-lea a anticipat numeroase dezastre ale secolului următor. Simbolismul profund al „The Scream” a inspirat mulți artiști, printre care Andy Warhol, regizori, muzicieni și chiar animatori.

„Merge”, Marc Chagall

Anul creației: 1918
Muzeu: Muzeul Rusiei, Sankt Petersburg

Dacă ai fost chinuit și de întrebarea: „De ce oamenii din tabloul lui Marc Chagall plutesc în aer?”, iată răspunsul artistului însuși - forța care poate oferi unei persoane posibilitatea de a zbura nu este altceva decât iubire. . Se crede că bărbatul și femeia de pe pânză sunt Marc Chagall și soția lui.

„Nr. 5, 1948”, Jackson Pollock

Anul creației: 1948
Muzeu: Colecție privată, New York

Acest tablou provoacă încă multe controverse. Unii critici de artă cred că entuziasmul din jurul picturii, pictat folosind tehnica semnăturii stropire, a fost creat artificial. Pânza nu a fost vândută până când toate celelalte lucrări ale artistului au fost achiziționate și, în consecință, prețul pentru o capodopera non-figurativă a crescut vertiginos. „Numărul cinci” a fost vândut cu 140 de milioane de dolari, devenind cel mai scump tablou din istorie.

„Dipticul Marilyn”, Andy Warhol

Anul creației: 1962
Muzeu: Tate Gallery, Londra

La o săptămână după moartea lui Marilyn Monroe, controversatul artist a început să lucreze pe pânză. Pe pânză au fost aplicate 50 de portrete șablonate ale actriței, stilizate în genul pop art pe baza unei fotografii din 1953.
Abonați-vă la canalul nostru în Yandex.Zen

În fiecare an, sute de picturi trec sub ciocan în colecții private. Colecționarii cheltuiesc milioane de dolari pentru a-și extinde colecțiile private. Cele mai cunoscute tablouri nu sunt întotdeauna cele mai scumpe tablouri. Cele mai faimoase picturi ale lumii aparțin lumii muzee celebreși, la propriu, sunt de neprețuit. Să aruncăm o privire la diferite muzee din lume și să ne uităm la acestea cele mai cunoscute opere.

„Nașterea lui Venus”

Acest tablou a fost pictat de marele artist florentin Sandro Botticelli în 1485-1487. O înfățișează pe zeița Venus (în mitologia greacă - Afrodita), ieșind din spuma mării. Astăzi, această pictură este expusă la Muzeul Uffizi din Florența.

"Nuferi"

Monet a trăit 43 de ani din viața sa în Giverny (un loc mic la 80 km de Paris. A închiriat o casă de la un proprietar normand și a cumpărat terenul învecinat pe care se afla iazul). Ulterior, artistul a amenajat pe acest loc două grădini, dintre care una pe apă. Motivele grădinii cu apă ocupă un loc semnificativ în opera artistului. Lucrările din această serie s-au împrăștiat în muzeele din întreaga lume, cu toate acestea, un grup decent de lucrări este prezentat în Muzeul Metropolitan de Artă din New York. Una dintre cele mai faimoase picturi din lume.

„Pazul de noapte”

Terminat în 1642, la apogeul Epocii de Aur olandeze, The Night Watch este una dintre cele mai faimoase picturi ale artistului olandez Rembrandt van Rijn. Tabloul arată performanța companiei de puști a căpitanului Frans Banning Kok și a locotenentului Willem van Ruytenburg. Poza este prezentată în Muzeul de Statîn Amsterdam.

"Ţipăt"

Acest tablou este dintr-o serie de lucrări ale artistului expresionist norvegian Edvard Munch. Pictura înfățișează o figură care suferă pe un cer roșu ca sângele. Edvard Munch a creat mai multe variante ale lui The Scream. Tabloul prezentat a fost pictat în 1893 și a fost în Galeria Națională a Norvegiei. Totuși, în 1994 lucrarea a fost furată, dar câteva luni mai târziu a fost găsită și restituită muzeului.

„Fata cu un cercel de perle”

Uneori, acest tablou este numit „Mona Lisa olandeză”. „Fata cu un cercel de perle” a fost pictat în jurul anului 1665 de artistul olandez Johannes Vermeer.

Citește și despre cele mai scumpe tablouri din lume într-o selecție specială.

"Guernica"

„Guernica” este una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Pablo Picasso, care arată tragedia războiului, suferința pe care o provoacă oamenilor, în special civililor nevinovați. Scopul principal al lui Picasso în realizarea acestei lucrări a fost să atragă atenția comunității mondiale asupra bombardării orașului basc Guernica. Pictura a fost finalizată în 1937. Guernica este acum expusă la Muzeul Reina Sofia din Madrid.

„Crearea lui Adam”

Tavanul Capelei Sixtine, pictat de Michelangelo între 1508 și 1512, este unul dintre cele mai lucrări celebre Înalta Renaștere. Creația lui Adam este una dintre cele mai faimoase picturi din toate timpurile. Această lucrare a făcut, de asemenea, obiectul a nenumărate referințe și parodii. Citiți despre celelalte cele mai faimoase lucrări ale lui Michelangelo într-o selecție separată.

„Cina cea de taină”

„Cina cea de Taină” a fost scrisă artist italian Leonardo da Vinci. Pictura a fost pictată pe peretele din spate al sălii de mese din mănăstirea Santa Maria del Grazie din Milano. Pictura înfățișează scena în care Isus anunță că unul dintre cei doisprezece apostoli ai săi îl va trăda. Leonardo a început să lucreze la Cina cea de Taină în 1495 și a terminat-o în 1498, deși nu a lucrat la pictură cu normă întreagă.

„Noapte înstelată”

„Noaptea înstelată” a fost pictată de artistul olandez Vincent van Gogh. În ciuda faptului că în întreaga sa viață artistul a vândut doar una dintre lucrările sale, domeniul său activitate creativă foarte bogat. „Noaptea înstelată” este una dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale. Acesta arată satul Saint-Rémy. Din 1941, pictura se află la Muzeul de Artă Modernă din New York.