PAGINA_BREAK--PIN 1937 Teatrul Maly distins cu Ordinul lui Lenin. Lucrează la teatru scoala de teatru, care provine de la Școala de Teatru din Moscova, organizată în 1809 (din 1938 - Școala de Teatru numită după M. S. Shchepkin).
3. Tatra modern. Meyerhold, Komissarzhevsky, Vakhtangov și alții.
În artă în general și în teatru în special, perioada de la sfârșitul primului deceniu al secolului al XX-lea a fost foarte grea. Artiștii (ca toată țara) au fost împărțiți în susținători și oponenți ai revoluției. Simplificand oarecum, putem spune ca in sfera estetica diviziunea s-a produs in raport cu traditiile culturii mondiale. Emoția unui experiment social menit să construiască o nouă societate a fost însoțită de entuziasmul artistic al artei experimentale, o respingere a experienței culturale din trecut. În perioada Art Nouveau, despărțirea dintre auditoriu și scenă a fost distrusă. Actorii „înlocuitori” au fost așezați în sală, care au alergat pe scenă la momentul stabilit și s-au alăturat acțiunii. Cedând acestui impuls, câțiva spectatori obișnuiți au început să joace și ei alături de actori. Centrul vieții teatrale era scena privată și întreprinderea. În teatrul modern a existat o convergență a tuturor tipurilor de artă, caracteristică Epocii de Argint - poezie, pictură, muzică, actorie. În 1920, Meyerhold a prezentat programul Theatre October, care proclama distrugerea completă a artei vechi și crearea artei noi pe ruinele acesteia. Este paradoxal că ideologul acestei tendințe a fost Vsevolod Emilievich Meyerhold, care a studiat în profunzime teatrele tradiționale. Dar euforia distructivă a reconstrucției sociale a fost însoțită și de euforia experimentului artistic – susținut de guvern și adresat noilor telespectatori.
Cheia succesului în această perioadă a fost experimentarea, inovația - de altă natură și direcție. Poate că acesta este ceea ce a determinat existența în aceeași perioadă a „întâlnirilor-performanță” futuriste politizate ale lui Meyerhold și psihologismul rafinat, accentuat asocial, al lui Alexander Yakovlevich Tairov, „realismul fantastic” al lui Evgeny Bagrationovich Vakhtangov și experimentele cu spectacole pentru copiii tinerilor. Natalia Sats, teatrul poetic biblic Habim și excentricul FEKS și alte teatre de direcție mai tradițională (MKhAT, Maly, fostul Alexandrinsky etc.) au adus un omagiu modernității prin spectacole revoluționar-romantice și satirice, dar sursele indică faptul că anii 1920 au devenit un perioadă de criză creativă pentru ei.
V.S. Meyerhold a părăsit trupa Teatrului de Artă din Moscova, după ce a lucrat acolo între 1898 și 1902, jucând rolul lui Treplev în Pescărușul. A decis să se stabilească la Herson. În 1902, Meyerhold a organizat acolo spectacole „bazate pe punerea în scene a Teatrului de Artă”, apoi a început să dezvolte și să aprobe propriul stil regizoral. Trupa lui Meyerhold a deschis sezonul 1903/04 sub numele „New Drama Partnership”.
Estetica lui Meyerhold a devenit dezvoltarea formelor teatrale, în special a mișcării scenice, el este autorul sistemului biomecanicului teatral. Sincer și impetuos, a îmbrățișat imediat inovațiile revoluționare, căutând forme inovatoare și aducându-le în arta teatrală, rupând complet cadrul dramatic academic. În 1906-1907 V.E. Meyerhold a devenit directorul principal al Teatrului Vera Feodorovna Komissarzhevskaya. Spectacolele pe care le-a pus în scenă nu sunt asemănătoare el a experimentat cu repertori diferite, a pus în scenă clasice și dramă modernă, pantomimă și opere. Nu avea o singură viziune, în cele din urmă, formulată asupra profesiei și sarcinilor unui director. Potrivit lui Meyerhold, regizorul este întotdeauna maestru pe scenă și este întotdeauna un creator, inventator, un fel de zeu teatral. Limbajul artistic Siena rusă a secolului al XX-lea. a luat contur în mare parte datorită lucrărilor lui Meyerhold, soluțiilor sale pentru spațiul scenic, munca creativă cu textele pieselor de teatru.
Premiera dramei lui Alexander Alexandrovich Blok (1880-1921) „The Showcase” a avut loc în decembrie 1906, în regia lui Meyerhold. Spectacolul a oferit prilejul de a aminti publicului de comedia italiană a măștilor, cu personajele sale indispensabile (Pierrot, Arlequin și Columbine). În „The Booth” teatrul a triumfat ca o artă frumoasă și mare, căreia totul este accesibil și care nu se teme de nimic (chiar poate râde de el însuși). A fost o priveliște foarte rafinată; uneori batjocura se strecura prin el, iar alteori era plin de o tristețe inexprimabilă. Spectacolul a provocat atât entuziasm furtunos, cât și scandaluri zgomotoase. „Adevărații” simboliști, oameni serioși și mistici, au fost în mod deosebit revoltați. Nu puteau lăsa vreun regizor să râdă de ei. Meyerhold însuși a jucat rolul lui Pierrot. A venit cu o voce uscată, crăpată, o păpușă ca de jucărie; Din când în când această păpușă personaj făcea gemete plângătoare. În deplină concordanță cu programele simboliștilor, iubita Colombina a lui Pierrot s-a dovedit a fi Moartea. Totuși, poate că aceasta a fost doar o altă farsă, pentru că deodată a apărut un Arlechin frumos și zvelt și l-a luat pe Columbine, așa cum ar trebui să fie în tradiționalul triunghi amoros comedie de măști. A fost teatru sincer - regizorul a transformat goliciunea tehnicii în principiul principal al producției. Designul spectacolului a fost neobișnuit. Totul a fost decis în mod condiționat. Fereastra din spatele sienei era acoperită cu hârtie. Producătorii de recuzită au iluminat scena cu sclipici în fața tuturor. Arlechinul sări pe fereastră, rupând hârtia. Peisajul s-a ridicat, lăsând siena goală, iar în final Pierrot-Meyerhold, cântând o melodie simplă pe pipă, s-a adresat publicului cu cuvintele: „Sunt foarte trist. E amuzant pentru tine?...”
O altă cifră semnificativă în artele teatrale La acea vreme era Evgeniy Bagrationovich Vakhtangov. A devenit un promotor activ al ideilor și sistemului lui K. S. Stanislavsky, a participat la lucrările Primului Studio al Teatrului de Artă din Moscova. Ascuțimea și rafinamentul formei scenice, rezultate din pătrunderea profundă a interpretului în viața spirituală a personajului, s-a manifestat în mod clar atât în ​​rolurile interpretate de Vakhtangov (Tackleton în „Greierul pe aragaz” de Charles Dickens, 1914). ; Bufonul în „A douăsprezecea noapte” de W. Shakespeare, 1919), iar în spectacolele pe care le-a pus în scenă la Studioul I al Teatrului de Artă din Moscova: „Feast of Peace” de Gerhart Hauptmann (1913), „The Flood” de Berger (1919, a jucat rolul lui Fraser).
În 1919, Vakhtangov a condus secția de regizor a Departamentului de Teatru (Teo) al Comisariatului Poporului pentru Educație. După revoluție, diversele activități regizorale ale lui Vakhtangov s-au desfășurat cu o activitate extraordinară. Tema inumanității societății burghezo-filistene, conturată în Potop, a fost dezvoltată în imagini satirice„Nunțile” de Cehov (1920) și „Miracolul Sfântului Antonie” de Maeterlinck (versiunea a doua scenă, 1921), montate în Studioul său.
Dorința lui Vakhtangov de a căuta „modalități moderne de a rezolva o performanță într-o formă care să sune teatrală” a găsit o întruchipare genială în ultima sa producție - piesa „Prințesa Turandot” de Carl Gozzi, impregnată de spiritul de afirmare a vieții strălucitoare, artistul Ignatius Nivinsky (Al treilea studio al Teatrului de Artă din Moscova, 1922) a fost perceput de K.S. Stanislavski, Vl.I. Nemirovich-Danchenko și alți lucrători ai teatrului ca o victorie creativă majoră, îmbogățind arta scenei, deschizând noi căi în teatru.
Fundamentale pentru creativitatea regizorală a lui Vakhtangov au fost: ideea unității inextricabile a scopului etic și estetic al teatrului, unitatea artistului și a oamenilor, un simț acut al modernității, corespunzător conținutului operei dramatice, caracteristici artistice, definind o formă scenica unică. Aceste principii și-au găsit continuarea și dezvoltarea în arta studenților și adepților lui Vakhtangov - regizorii Ruben Nikolaevici Simonov, Boris Evgenievici Zakhava, actorii Boris Vasilyevich Shchukin, Joseph Moiseevich Tolchanov, Mihail Alexandrovich Cehov etc.
În 1918–1919, a funcționat Teatrul-Studio al KhPSRO (Uniunea Artistică și Educațională a Organizațiilor Muncitorilor), condus de Fiodor Fedorovich Komissarzhevsky, unind soliști de operă și artiști dramatici într-o singură trupă. În vara anului 1919, Komissarzhevsky a părăsit Rusia pentru a participa la Edinburgh festival de teatru. În Anglia, a pus în scenă „Prințul Igor” (1919), „Sora Beatrice” de Maurice Maeterlinck și „Inspectorul general” de N.V. Gogol (ambele 1920), „Șase personaje în căutarea autorului” de Luigi Pirandello (1921), „Racing the Shadow” de V. von Scholz, „Unchiul Vania” de A. Cehov etc. În sezonul 1922–1923 a realizat o serie de producții la Teatrul „Guild” din New York, în următoarele două sezoane a lucrat la Paris, a pus în scenă „The Tangerine Duck Club” de G. Duvernoy și P. Fortuny, „The Road to Dover” de A. Milne , „Siegfried” de Richard Wagner și alții În 1925 a deschis Teatrul Curcubeu „la Paris. Sezonul 1925–1926 Komissarzhevsky din nou la Londra, regizând Ivanov (1925), Unchiul Vania, Three Sisters și Livada de cireși„Cehov, „Inspectorul general” de Gogol, „Ekaterina Ivanovna” de L. Andreev (toate 1926), etc. În 1927, Komissarzhevsky a lucrat în Italia, unde a pus în scenă opere de Mozart, D.-A. Rossini, F. Alfano și alții, inclusiv În același an, pe scena Teatrului Court din Londra, a pus în scenă „Paul I” de D. Merezhkovsky, „Mr. Rogue” de A. Bennett și pentru festivalul național din Golyhead – „The Struggle”. pentru Tron” de H. Ibsen. La Societatea Dramatică a Universității Oxford a pus în scenă Regele Lear de W. Shakespeare (1927), 14 iulie de R. Rolland (1928); la Teatrul Apollo - „The Brass Paperweight” bazat pe romanul lui Dostoievski Frații Karamazov (1928). Spectacolul dramatic a fost un mare succes. Regina de pică„A. Pușkin în Teatrul N. Baliev” Băţ„, afișat mai întâi la Paris (1931), apoi în alte țări. La Teatrul Memorial Shakespeare din Stratford-upon-Avon, Komissarzhevsky a pus în scenă o serie de producții ale pieselor lui Shakespeare: The Merchant of Venice (1932), Macbeth (1933), King Lear (1936), The Taming of the Shrew, The Comedy of Erori (ambele 1939).
În 1939, regizorul s-a mutat în SUA. Printre producțiile sale americane se numără „Crime și pedeapsă” de Dostoievski (1947), „Cymbeline” de Shakespeare (1950), etc. A predat la Academia Regală de Artă Dramatică din Londra. A acționat adesea ca artist în spectacolele sale.
Komissarzhevsky a fost un mediator între ruși și culturi occidentale. În special, pentru britanici a descoperit dramaturgia lui Cehov și Gogol și a pregătit terenul pentru reformele lui Peter Brook și P. Hall în teatru.
4. Teatrul sovietic al anilor 30-80. Principalele tendințe
O nouă perioadă a teatrului rus a început în 1932, odată cu rezoluția Comitetului Central al Partidului Comunist al Bolșevicilor din întreaga Uniune „Cu privire la restructurarea organizațiilor literare și artistice”. Principala metodă în artă a fost recunoscută ca fiind metoda realismului socialist. Epoca experimentelor artistice s-a încheiat, deși asta nu înseamnă că anii următori nu au adus noi realizări și succese în dezvoltarea artei teatrale. Doar că „teritoriul” artei permise s-a îngustat spectacole ale anumitor mișcări artistice – de regulă, cele realiste. Și a apărut un criteriu suplimentar de evaluare: ideologic și tematic. Așa, de exemplu, pe scena teatrului rusesc, începând cu mijlocul anilor 1930, spectacole ale așa-zisului. „Leninienii”, în care imaginea lui V. Lenin a fost adusă în scenă („Omul cu un pistol” în Teatrul Vakhtangov, în rolul lui Lenin - Boris Vasilyevich Shchukin; „Pravda” în Teatrul Revoluției, în rolul lui Lenin - Maxim Maksimvich Shtraukh etc.). Orice spectacole bazate pe piesele „fondatorului realismului socialist” M. Gorki au fost practic sortite succesului. Acest lucru nu înseamnă că fiecare spectacol consecvent ideologic a fost rău, ci doar că criteriile artistice (și uneori succesul publicului) în evaluarea de stat a spectacolelor au încetat să fie decisive.
Pentru multe figuri din teatrul rus, anii 1930 (și a doua jumătate a anilor 1940, când politica ideologică a continuat) au devenit tragici. Cu toate acestea, teatrul rus a continuat să se dezvolte. Au apărut noi nume de regizor: Andrei Popov, Yuri Alexandrovich Zavadsky, Ruben Simonov, Boris Zakhava, Nikolai Okhlopkov, Maria Knebel, Vasily Sakhnovsky, Boris Sushkevich etc. Aceste nume au fost asociate în principal cu Moscova și Leningrad și școala de regie a principalelor teatre din țară. .
Apare și o nouă generație de actori. La Teatrul de Artă din Moscova, împreună cu lumini precum Olga Leonardovna Knipper-Cehova, Vasily Ivanovich Kachalov, Leonid Maksimovici Leonidov, Ivan Ivanovici Moskvin, Mihail Mihailovici Tarkhanov, Nikolai Pavlovici Hmelev, Boris Georgievich Dobronravov, Olga Nikolaevna Androvskaya și alții lucrează cu încredere la Teatrul de Artă din Moscova. Teatrul din Moscova Actorii și directorii Școlii de Teatru de Artă din Moscova - Ivan Nikolaevich Bersenev, Serafim Birman, Sofya Giatsintova - lucrează cu succes la Lenin Komsomol (fostul TRAM). În Teatrul Maly, alături de actorii de generație mai în vârstă Alexandra Aleksandrovna Yablochkina, Varvara Osipovna Massalitinova, Alexander Alekseevich Ostuzhev, Prov Mikhailovici Sadovsky și alții, un loc proeminent este ocupat de noi actori care și-au câștigat faima deja în perioada sovietică: Vera Nikolaevna Pashennaya, Elena Nikolaevna Gogoleva, Nikolai Alexandrovici Annenkov, Mihail Ivanovici Zharov, Mihail Ivanovici Țarev, Igor Vladimirovici Ilyinsky (care s-a mutat aici după pauza cu Meyerhold). În fostul Teatru Alexandrinsky (care a fost numit după A. Pușkin în 1937), pe scenă urcă maeștri vechi celebri - Ekaterina Pavlovna Korchagina-Alexandrovskaya, Vara Arkadyevna Michurina-Samoilova, Yuri Mikhailovici Yuryev și alții, împreună cu tinerii actori - Nikolai Konstantinovich Simonov, Boris Andreevich Babochkin, Nikolai Konstantinovich Cherkasov și alții. Vakhtangov Boris Vasilyevich Shchukin, Anna Alekseevna Orochko, Tsetsiliya Mansurova și alții lucrează cu succes la Teatrul Vakhtangov. Mossovet (fostă MGSPS și MOSPS) se formează o trupă puternică, formată în principal din studenți ai lui Yu Zavadsky - Vera Petrovna Maretskaya, Rostislav Yanovich Plyatt, Osip Abdulov și alții larg recunoscute Teatrul de Cameră Alisa Georgievna Koonen, precum și mulți actori ai Teatrului Revoluție și Teatrului Meyerhold: Maria Ivanovna Babanova, Maxim Maksimovici Strauch, Judith Samoilovna Glizer și alții.
În timpul Marelui Războiul Patriotic teatrele rusești orientat în principal către o temă patriotică. Piese scrise în această perioadă („Invazia” de L. Leonov, „Frontul” de A. Korneichuk, „Un tip din orașul nostru” și „Oamenii ruși” de K. Simonov) și piese cu teme istorice și patriotice („Peter I”) au fost puse în scenă „A.N. Tolstoi, „Field Marshal Kutuzov” de V. Solovyov etc.). Succesul spectacolelor de teatru din acest timp a infirmat valabilitatea expresiei comune „Când armele vorbesc, muzele tac”. Acest lucru a fost evident mai ales în Leningradul asediat. Teatrul orașului (mai târziu Teatrul Komissarzhevskaya) și Teatrul de comedie muzicală, care a funcționat aici pe toată durata blocadei, au atras mulți spectatori, în ciuda lipsei de încălzire și, adesea, a luminii, bombardamentelor și bombardamentelor și foametei de moarte.
Perioada 1941–1945 a avut o altă consecință pentru viața teatrală a Rusiei și Uniunea Sovietică: o creştere semnificativă a nivelului artistic al teatrelor de provincie. Evacuarea teatrelor din Moscova și Leningrad și munca lor la periferie a inspirat noua viataîn teatrele locale, a contribuit la integrarea artelor spectacolului și la schimbul de experiențe creative.
Cu toate acestea, după sfârșitul războiului, ascensiunea patriotică a artei teatrale din timpul războiului a făcut loc declinului. Rezoluția Comitetului Central al Partidului Comunist al Bolșevicilor din întreaga Uniune din 26 august 1946 „Cu privire la repertoriul teatrelor de teatru și măsurile de îmbunătățire a acestuia” a înăsprit controlul ideologic și cenzura. Arta rusă în general și teatrul în special se confruntau cu o criză asociată cu o criză socială.
Teatrul reflectă starea societății, iar o nouă rundă de ascensiune în scena rusă a fost și o consecință a schimbărilor sociale: expunerea cultului personalității (1956) și slăbirea politicii ideologice, așa-zisa. "dezgheţ".
Reînnoirea teatrului rusesc în 1950–1980început cu regie. O nouă estetică teatrală lua din nou formă la Moscova și Leningrad.
La Leningrad, acest proces a decurs mai puțin luminos, nu atât într-un mod revoluționar, cât într-un mod evolutiv. Este asociat cu numele lui G. Tovstonogov, care din 1949 a condus Teatrul din Leningrad. Lenin Komsomol, iar în 1956 a devenit directorul artistic al BDT. O trupă excelentă (Evgeny Alekseevich Lebedev, Kirill Yuryevich Lavrov, Sergey Yuryevich Yursky, Oleg Valerianovich Basilashvili, Tatyana Vasilievna Doronina etc.), spectacole strălucitoare, excelente abilități organizatorice ale regizorului au adus BDT în topul celor mai bune teatre. Restul teatrelor din Leningrad în anii 1950-1980 păreau mai palide pe fundalul său, deși au găzduit și căutare activă nou mijloace expresive(regizorii Igor Petrovici Vladimirov, Ghenadi Mihailovici Oporkov, Efim Mihailovici Padve, Zinovy ​​​​Korogodsky și alții). În același timp, soarta multor regizori din Leningrad ai următoarei generații - Lev Abramovici Dodin, Kama Mironovich Ginkas și alții - a devenit surprinzător de paradoxală creativitatea la Moscova.
continuare
--PAGE_BREAK--

Teatrul Diaghilev a condus o campanie activă de reînnoire a scenei,
a ocupat postul de funcționar al secției judecătorești,
care conducea teatrele. S-a opus ștampilei și
rutina pe scena oficiala. Totul nou în zonă
artele spectacolului denumit presa cel mai des
„decadență”, care a devenit sinonim cu tot ceea ce este neobișnuit.
Două mari evenimente din viața teatrală marchează
marchează sfârșitul secolului al XIX-lea – nașterea dramaturgiei lui Anton
Pavlovici Cehov și crearea Teatrului de Artă.
Dramaturgia necesita noi principii scenice.
A avut loc adevărata naștere a Teatrului de Artă
în octombrie 1898. Apare o nouă formulă: „nu
joacă, dar trăiesc pe scenă.” Deci împreună cu Cehov
a creat acea diversitate, care în multe privințe
a determinat dezvoltarea ulterioară a teatrului. Acest
necesita o nouă tehnică de actorie.

În 1902, cu fonduri
cel mai mare rus
filantropul S. T. Morozov a fost
construit celebru la Moscova
Clădirea Teatrului de Artă.
Stanislavski a recunoscut că
„principalul inițiator și
creatorul vieţii socio-politice” a teatrului lor
era Maxim Gorki.
Sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea
pasiune pentru lux
producţii complet lipsite de
ideile artistice sunt caracteristice
pentru stilul pre-revoluționar
teatrele Bolșoi și Mariinsky.

Balet

La începutul secolului al XX-lea, oamenii au început să caute idei proaspete. Baletul rusesc a fost deja mai mult
faimos decât francezi și mulți dansatori ruși au avut internațional
faima. Probabil cea mai notabilă balerină din acea vreme a fost Anna Pavlova.
(1881-1931). În 1907, Mihail Fokin (dansator de balet rus, coregraf, profesor)
a început să încerce să schimbe regulile privind costumele la Teatrul Imperial.

În 1909, Serghei Diaghilev a deschis compania
Balets Russes, care au avut cei mai buni dansatori.
Baletul rus și-a continuat dezvoltarea în
epoca sovietică. După stagnarea în anii 1920,
la mijlocul anilor 1930 o nouă generaţie de dansatori şi
pe scene au apărut coregrafi. Baletul a fost
popular în rândul publicului. Și baletul de la Moscova
companie Teatrul Bolșoiși Sankt Petersburg
Trupa de balet a Teatrului Mariinsky a fost
activ.
Presiunea ideologică a dus la creație
balete ale realismului socialist, care nu sunt
au impresionat publicul și au fost ulterior expulzați
din repertoriul ambelor companii.
La sfârşitul secolului al XIX-lea şi începutul secolului al XX-lea, pasiunea pentru
producțiile de lux sunt caracteristice stilului
Bolșoi și Mariinski prerevoluționari
teatre Artiștii au dovedit că clasicul
baletul poate fi modern, interesant
privitor.

Cele mai bune producții au fost „Petrushka”, „Firebird”, „Scheherazade”,
„Lebăda pe moarte”, etc.

Muzică

Muzica rusă a secolului al XX-lea, care a dezvoltat cu succes tradițiile
compozitori străini și autohtoni, în același timp pus
noi căi și a efectuat experimente îndrăznețe. În ciuda
răsturnări revoluţionare şi cataclisme sociale ale celor mai noi
timp, a combinat organic diverse stiluri și
directii reprezentate de creativitatea celor mai talentati
compozitori clasici. Multe lucrări de A. N. Scriabin, S. V.
Rahmaninov, I.F. Stravinsky, S.S. Prokofiev, D.D.
Shostakovich, G.V Sviridov aparțin capodoperelor lumii
cultura muzicala. Realizări ale compozitorilor ruși
avangarda au și ele o semnificație de durată și încă
atrage atenția ascultătorilor din multe țări din întreaga lume.
Calea originală a culturii muzicale ruse a secolului al XX-lea.
determină și fenomenul unic al cântecului de masă, care are nr
analogi din lume.

Muzica de la începutul secolului a dezvoltat cu succes cele mai bune tradiții
compozitori romantici autohtoni și compozitori ai „Mighty
grămezi.” În același timp, ea și-a continuat căutarea îndrăzneață în domeniu
formă și conținut, prezentând original
lucrări care uimesc prin noutatea conceptului și implementarea acestuia.

Descrierea prezentării prin diapozitive individuale:

1 tobogan

Descrierea diapozitivei:

2 tobogan

Descrierea diapozitivei:

În teatrul rus de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Există o ascensiune puternică în direcția democratică asociată cu creșterea mișcării revoluționare. Guvernul țarist, încercând să izoleze teatrul de gândirea socială avansată, a încurajat umplerea repertoriului teatrelor imperiale cu piese burgheze „la modă” și teatru artizanal. Teatrul Maly din Moscova și Teatrul Alexandrinsky din Sankt Petersburg au fost salvate doar de înalta pricepere a actorilor. Cei mai buni dintre ei, îmbogățind tradițiile generației mai vechi, au introdus noi trăsături progresive în arta teatrală. Opera marii actrițe ruse M. N. Ermolova capătă un sunet revoluționar. Arta sufletească a altor luminate ai Teatrului Maly - G.N. Fedotova, A.P. Lensky, M.P. - păstrează o strânsă legătură cu sentimentul public. și O.O. Sadovskikh, A.I Yuzhin, precum și actori remarcabili ai Teatrului Alexandrinsky - V.N. Savina, K.A.

3 slide

Descrierea diapozitivei:

4 slide

Descrierea diapozitivei:

5 slide

Descrierea diapozitivei:

Începutul Teatrului de Artă este considerat a fi o întâlnire în restaurantul Bazarului Slav la 19 iunie 1897, deja cunoscută la acea vreme. figură de teatru, actorul și regizorul Konstantin Sergeevich Stanislavsky și profesorul și dramaturgul experimentat Vladimir Ivanovici Nemirovici-Danchenko. Inițial s-a numit Artă și Teatrul Public. „Accesibilitatea publică” a noului teatru presupunea, în primul rând, prețuri mici ale biletelor; Deoarece nu a fost posibil să se găsească fondurile necesare, s-a decis să se aplice pentru subvenții Dumei orașului Moscova. Nemirovici-Danchenko a prezentat Dumei un raport, care, în special, spunea: „Moscova, care are o populație de milioane, dintre care cel mai mare procent este format din oameni din clasa muncitoare, are nevoie de teatre publice mai mult decât orice alt oraș”. Dar nu a fost posibil să obținem subvenții, a trebuit să apelăm la acționari înstăriți pentru ajutor și să creștem prețul biletelor. În 1901, cuvântul „public” a fost eliminat din numele teatrului, dar concentrarea asupra unui spectator democratic a rămas unul dintre principiile Teatrului de Artă din Moscova.

6 diapozitiv

Descrierea diapozitivei:

Teatrul de Artă și Public din Moscova a fost deschis pe 14 (26) octombrie 1898, cu prima producție a tragediei lui Alexei Tolstoi „Țarul Fiodor Ioannovici” pe scena Moscovei. Spectacolul a fost o producție comună de K. Stanislavsky și Vl. Nemirovici-Danchenko, rolul principal a fost interpretat de Ivan Moskvin.

7 slide

Descrierea diapozitivei:

8 slide

Descrierea diapozitivei:

A.P. Cehov le citește Pescărușul artiștilor Teatrului de Artă. Pe 17 decembrie 1898 a avut loc legendara premieră a Pescăruşului de Cehov.

Slide 9

Descrierea diapozitivei:

În efortul de a da un răspuns la problemele arzătoare ale timpului nostru, Teatrul de Artă din Moscova apelează la dramaturgia lui A.P. Cehov și M. Gorki. În spectacolele „Pescăruşul” (1898) şi „Livada de cireşi” (1904), publicul a văzut o chemare la depăşirea filistinismului, a credinţei în valoarea omului, a dorului de viata mai buna. De o importanță deosebită a fost producția piesei lui Gorki „La adâncimile de jos” (1902), care a trezit un sentiment de umanism înalt și un protest furios împotriva nedreptăților flagrante ale sistemului burghez.

10 diapozitive

Descrierea diapozitivei:

11 diapozitiv

Descrierea diapozitivei:

Fără îndoială, teatrul a cedat sentimentelor revoluționare. În perioada de reacție care a venit după înfrângerea revoluției din 1905-1907, tendințele simboliste s-au intensificat în teatrul rus și a început o campanie împotriva realismului. La Teatrul de Artă din Moscova sunt puse în scenă piese simboliste îmbrăcate de pesimism. Teatrul în perioada revoluționară

12 slide

Descrierea diapozitivei:

Slide 13

Descrierea diapozitivei:

La Moscova, se obișnuia să se numească Teatrul Maly din Moscova a doua universitate. Dar teatrul din Iaroslavl era aceeași universitate din provincia teatrului rus. Sezonul 1899–1900 a fost marcat de pregătirile pentru aniversarea și celebrarea a 150 de ani de la Teatrul Național Rus. Cele mai bune forțe ale teatrelor imperiale - Sankt Petersburg și Moscova Maly - au fost invitate la sărbătorile aniversare a lui Volkov în 1900. Sărbătorile de la Yaroslavl în onoarea nașterii Primului Teatru Rus au devenit o sărbătoare pentru toată Rusia. În 1909, a fost anunțat un concurs pentru cel mai bun proiect clădirea noului teatru oraș, clădirea anterioară a căzut în paragină, iar Duma a decis să construiască un nou teatru cu o capacitate de peste 1000 de spectatori. Premiul I la acest concurs a fost acordat arhitectului N. A. Spirin (1882 - 1938).

Slide 14

Descrierea diapozitivei:

15 slide

Descrierea diapozitivei:

În 1911, noua clădire a teatrului a fost inaugurată cu o mulțime imensă de oameni. La deschiderea teatrului s-a citit o telegramă de bun venit a lui K. S. Stanislavsky: „Vă rugăm să acceptați recunoștința mea sinceră pentru invitație și amintire... Îmi doresc sincer ca o afacere tânără și frumoasă să apară și să înflorească în patria fondatorului Teatrului. teatrul rusesc. Vă rugăm să acceptați felicitări și să transmiteți lucrarea participanților. Stanislavski.” În același an, teatrul a fost numit după Fiodor Grigorievici Volkov. Timp de doi ani (1914 - 1916), teatrul a fost condus de un regizor tânăr, dar deja cunoscut din Rusia, I. A. Rostovtsev, care a adunat o trupă foarte puternică, atrăgând spectatori cu producții talentate din „Burghezii” de M. Gorki, „ Pescăruşul” de A. P. Cehov, atenţie la dramaturgia clasică rusă. În primii ani ai puterii sovietice, Teatrul Yaroslavl a primit numele „Teatrul Volkov sovietic”.

16 diapozitiv

Descrierea diapozitivei:

În anii 20 și 30, directorii artistici ai Teatrului Volkovsky au devenit mai târziu adevărați pasionați și colecționari de teatru din Yaroslavl, creatorii unei echipe de actori puternice și puternice: B. E. Bertels, I. A. Rostovtsev, D. M. Mansky, artiștii A , I. Ippolitov. N. N. Medovshchikov, oameni de mare curaj creator, temperament interior, cu mari pretenții față de ei înșiși și de ceilalți, cu dorința de a ridica nivelul teatrului la adevăratele culmi ale artei. În a doua jumătate a anilor 30, trupa Teatrului Volkovsky s-a unit într-un ansamblu minunat, strict și armonios de maeștri de scenă, care au determinat fața creativă a teatrului timp de multe decenii. Aceștia sunt S. Romodanov, A. Chudinova, A. Magnitskaya, V. Sokolov, S. Komissarov, V. Politimsky, G. Svobodin. Repertoriul anilor 30 este reprezentat de clasicii ruși, în primul rând dramaturgia lui Ostrovsky („Furtuna”, „Zestrea”, „Vinovat fără vinovăție”, „Ultima victimă”), unde în rolurile Katerinei, Larisei Ogudalova, Kruchinina. , Yulia Tugina, talentul poetico-tragic al Alexandrei Chudinova. Capacitatea teatrului de a dezvălui profund, filozofic și psihologic omul „de criză” al erei sovietice devine din ce în ce mai puternică. Suflarea timpului a izbucnit pe scenă în „Bread” de V. Kirshon și „Distant” de A. Afinogenov, „Platon Krechet” de A. Korneichuk și „My Friend” de N. Pogodin. În spectacolele „Trei surori” de A. P. Cehov, „Anna Karenina” (pe baza lui L. N. Tolstoi), „Romeo și Julieta” de Shakespeare, „Nora” de G. Ibsen, „Smecheria și dragostea” de Schiller, volcoviții își afirmă dorinta de teatru profund psihologica, la revelarea adevarului spiritual

Slide 17

Descrierea diapozitivei:

18 slide

Descrierea diapozitivei:

În timpul Marelui Război Patriotic, mulți Volkoviți au mers pe front, luând armele în apărarea patriei lor. Printre aceștia se numără actorii Valerian Sokolov, Vladimir Mitrofanov, Dmitri Aborkin, Vladimir Mosyagin, decorator, iar mai târziu actorul Konstantin Lisitsyn, distins cu titlul de Erou al Uniunii Sovietice, actriță care a devenit ofițer de informații de primă linie, Sofya Avericheva, actrița Maria Rypnevskaya , director artistic al teatrului David Mansky. Tânărul regizor Semyon Orshansky a venit la teatru în 1940. A debutat cu piesa „Inimă caldă”. Drama militară severă și strictă a devenit lider în repertoriul teatral încă de la începutul războiului - „Omul din orașul nostru”, „Oamenii ruși” de K. Simonov, „Front” de A. Korneychuk, „Invazia” de L. . Leonov, „Bărbaciul” de N. Pogodin , „Generalul Brusilov” de I. Selvinsky, „Field Marshal Kutuzov” de V. Solovyov.

Slide 19

Descrierea diapozitivei:

În 1950, întreaga țară a sărbătorit solemn 200 de ani de la Primul Teatr Rus. Începând cu anii 50, teatrul a intrat într-o perioadă de adevărată prosperitate. Cei mai buni maeștri scena - Artiștii poporului din URSS și RSFSR, laureații Premiilor de Stat Grigory Belov, Valery Nelsky, Serghei Romodanov, Alexandra Chudinova, Klara Nezvanova - poartă în munca lor o încărcătură considerabilă a vechii culturi teatrale clasice rusești. Spectacolele Teatrului Volkovsky sunt marcate de unitate și integritate de stil.

20 de diapozitive

Descrierea diapozitivei:

Din 1960 până în 1978, teatrul a fost condus de figura remarcabilă a artei teatrale sovietice, Artistul Poporului al URSS, laureatul Premiului de Stat Firs Shishigin. O etapă semnificativă din istoria scenei Volkovsky este asociată cu numele lui Shishigin, care a condus teatrul timp de aproape două decenii. Acesta era caracterul rusesc, măturator, spontan, cu contradicții interne enorme. Teatrul rus din a doua jumătate a secolului XX poate numi câțiva regizori care au lucrat cu atâta pasiune, entuziasm și temperament la problema globală și tragică a poporului rus și a istoriei. Timpul lui Shishigin în teatru este un timp al pasiunii creative și al unității fără precedent a trupei.

Slide 2

Teatru

Cel mai important eveniment de la sfârșitul secolului al XIX-lea. a fost deschiderea în 1898 a Teatrului de Artă din Moscova.

Fondatori:

• K.S. Stanislavski
• V.I. Nemirovici-Danchenko
• O.L. Knipper, V.I. Kachalov, I.M. Moskvin, L.M. Leonidov și alții

Semnificația înființării Teatrului de Artă din Moscova constă în faptul că a devenit etapa finală în formarea unei școli realiste de actorie și, de asemenea, în faptul că piese din repertoriul modern au fost prezentate pe scena teatrului, atât de aproape de publicul de la Moscova, care era mai înclinat spre democratic decât cel de la Sankt Petersburg.

Slide 3

STANISLAVSKY (Alekseev) Konstantin Sergeevich (1863-1938) - actor, regizor, profesor, teoretician al artelor spectacolului. S. este autorul unui sistem creativ de educare a unui actor, ale cărui principii de bază sunt expuse în cărțile „An Actor’s Work on Oneself” (1938) și „An Actor’s Work on a Role” (1957). Miezul sistemului S. este doctrina supersarcinii și metoda acțiunilor fizice. Spre deosebire de alte direcții teoretice (inclusiv concepte psihanalitice care datează de la Freud), S. a considerat că motivatorul creativității este „super-supersarcina” a artistului (actor, regizor) - nevoia de a înțelege și întruchipa „viața”. a spiritului uman.” Această nevoie se concretizează în super-sarcina rolului, adică în acele scopuri cărora le este subordonată acţiunea prin intermediul personajului scenic. Super-sarcina este determinată de supra-conștiința (intuiția creativă) a artistului și poate fi tradusă doar parțial din limbajul imaginilor în limbajul logicii. Experiențele actorului sunt involuntare și sunt în mare măsură reglementate de subconștientul său. Conștiința și voința sunt supuse doar acțiunilor personajului de scenă înfățișat de actor, asupra căruia S. și-a propus să concentreze atenția interpretului. Sistemul lui S. și metoda acțiunilor fizice pe care le-a descoperit au avut o influență uriașă asupra culturii teatrale a secolului XX și au contribuit la studiul psihologiei artelor spectacolului.

Slide 4

Nemirovich-Danchenko Vladimir Ivanovici este o figură dramatică talentată și un scriitor de ficțiune, fratele celui precedent. Născut în 1858; a primit studiile la Universitatea din Moscova. Pe când era încă student, a fost critic de teatru la Russian Courier. A fost membru al Comitetului literar și de teatru din Moscova și a predat artele spectacolului la Școala de Teatru din Moscova. Nemirovici-Danchenko ocupă un loc major în istoria teatrului rus ca fondator, împreună cu Stanislavski, al Teatrului de Artă din Moscova. Începând cu 1882 (piesa „Americanii noștri”, care nu a avut succes), comediile lui Nemirovici-Danchenko au fost montate la Moscova și în alte orașe: „Rose Hip”, „Lucky” (1887), „The Last Will” (1888), „New Business” (1890) și drame: „Dark Forest” (1884), „Șoimi și corbi” (în colaborare cu prințul Sumbatov), ​​​​„Prețul vieții” (1896), „În vise” (1902) , etc., dând autorului un loc remarcabil printre dramaturgii moderni. Dintre nuvelele și nuvelele lui Nemirovich Danchenko se remarcă povestea „Cu diplomă” („Artist”, 1892). Opere de ficțiune mai mari de Nemirovici-Danchenko: „Despre pâinea literară” (1891), „Casa veche” (1895), „Reviziunea guvernatorului” (1896), „Ceața”, „Dramă în spatele scenei”, „Visele” (1898) , „În stepă” (1900), culegere de povestiri „Lacrimi” (1894). Lucrările lui Nemirovich-Danchenko, cu finisare atentă a detaliilor și delimitarea personajelor, se disting prin certitudinea gândirii. În marile sale romane, el descrie prăbușirea aspirațiilor înalte și a impulsurilor bune ale unor oameni care nu sunt lipsiți de talent, dar nu au suficientă voință și caracter pentru a lupta cu obstacolele și a munci din greu. Însuși impulsurile acestor oameni provin din căutarea lor pentru sensul vieții. Nemirovici-Danchenko încearcă, de asemenea, să dea un răspuns idealist la întrebarea care este sensul vieții în drama sa: „Prețul vieții”. S.V.

Slide 5

Teatru

• 1904 la Teatrul din Sankt Petersburg V.F. Komissarzhevskaya
• Directorul principal al teatrului ei a fost V.Z. Meyerhold.
• Fondatorul V.F. Komissarzhevskaya în 1914, Teatrul de Cameră apare la Moscova
• Fondator E. Tairov
• Dintre numărul mare de grupuri similare, acesta a fost cel mai mare și mai stabil și a existat până în anii 30.

Slide 6

Trebuie remarcat faptul că au existat un număr imens de cabarete teatrale care s-au deschis la începutul secolului, dintre care cele mai faimoase au fost „Stray Dog” și „Liliacul”, care au devenit centre ale vieții literare și spirituale în capitală. ÎN teatru muzical Tonul a fost dat de Imperial Mariinsky și Bolșoi de la Moscova, dar au existat și trupe private de operă, printre care Opera Privată din Moscova, fondată în 1885 de celebrul antreprenor și filantrop Savva Mamontov, a fost deosebit de populară. Aici în 1896-1899. a cântat F.I. Chaliapin. Când s-a întors din nou la Teatrul Mariinsky, a fost greu să intri în spectacolele sale. „După cum știți, este mai ușor să obțineți o Constituție decât bilete la spectacolele de la Teatrul Mariinsky”, au scris ziarele. Cei mai proeminenți reprezentanți ai școlii vocale rusești au fost L.V. Sobinov și N.V. Nejdanov.

Slide 7

Muzica rusă de la începutul secolului al XX-lea. per total este în creștere. Principala sa sursă și caracteristică, ca și în perioada anterioară, continuă să fie naționalitatea. Tezaurul culturii mondiale include lucrări de genul operistic (N.A. Rimsky-Korsakov), muzică simfonică și de piatră (S.N. Rachmaninov, A.K. Glazunov, A.N. Scriabin, R.M. Gliere etc.).

Slide 8

S. N. Rahmaninov

Serghei s-a născut în provincia Novgorod, moșia Semenovo la 20 martie 1873. Biografia lui Rachmaninov a arătat o pasiune pentru muzică încă din copilărie. Prin urmare, la vârsta de 9 ani a început să studieze la catedra de pian a Conservatorului din Sankt Petersburg. Serghei Rahmaninov a studiat și la faimosul internat Zverev, unde l-a cunoscut pe Piotr Ceaikovski, iar mai târziu la Conservatorul din Moscova.

După ce a studiat în biografia lui Serghei Rachmaninov, a început o perioadă de predare la școala Mariinsky. Apoi a început să dirijeze în opera rusă. Popularitatea lui Rachmaninoff ca compozitor a fost întreruptă în mod neașteptat de prima simfonie prost prezentată.

Următoarea lucrare a lui Rahmaninov a fost publicată abia în 1901 (Concertul al doilea pentru pian). Apoi, biografia lui Rahmaninov a devenit cunoscută drept dirijorul Teatrului Bolșoi. Începând cu 1906, compozitorul se afla în afara patriei sale. Mai întâi - în Italia, apoi în Dresda, America, Canada.

Cel de-al doilea concert pentru pian din biografia lui Rahmaninov a fost prezentat publicului în 1918 la Copenhaga. Din 1918, compozitorul a fost în America, a făcut multe turnee și a compus puțin. Abia în 1941 a fost creată cea mai mare lucrare a lui Rahmaninov, „Dansuri simfonice”. Rahmaninov a murit la 28 martie 1943 în SUA. Stilul creat de el a avut o mare influență asupra dezvoltării muzicii.

Slide 9

• A. K. Glazunov
• A. N. Scriabin

Slide 10

Cinema

În 1908, a fost lansat primul lungmetraj intern „Stenka Razin” până în 1917, au fost lansate aproximativ 2 mii de filme

Una dintre noile caracteristici viata culturala Rusia la începutul secolului devine un patronat al artelor. Patronii au ajutat activ la dezvoltarea educației (de exemplu, antreprenorul din Moscova Shelaputin a donat 0,5 milioane de ruble pentru crearea unui seminar de profesori) și știință (celebrul producător Ryabushinsky a finanțat expediția Kamchatka). Patronii și sectorul artelor au fost sprijiniți în detaliu.

Slide 11

Vedete de film

• Vera Kholodnaya
• Ivan Mozzhukhin

Slide 12

Directori

• Iakov Protozanov
• Peter Chardynin
• Vasily Goncharov

Vizualizați toate diapozitivele

Documente similare

Caracteristicile istoriei dezvoltării artei teatrale în Rusia la începutul secolului al XX-lea. Manifestele teatrale ale simboliștilor. Analiza activităților lui Stanislavsky, Nemirovici-Danchenko, Meyerhold, Vakhtangov, Tairov. Originile teatrelor de cameră și convenționale.

lucrare curs, adaugat 19.03.2012


Dezvoltarea artei de scenă mondială a secolului XX. Activitățile lui Stanislavski și ideile sale. Apariția diferitelor mișcări teatrale. Teoria bazată științific a artei scenice, metoda tehnică de actorie. Principiile sistemului K. Stanislavsky.

rezumat, adăugat 28.06.2012


Istoria originii și esenței metodei Stanislavsky. Conceptul de supersarcină, acțiune activă, naturalețe, adevăr și transformare în viață. Antrenament conform sistemului Stanislavsky și exercițiu de atenție. Caracteristici ale micromimetismului și eticii teatrale.

rezumat, adăugat 22.11.2016


Istoria creării „biomecanicii” ca sistem. Surse principale pentru formarea metodologiei lui Meyerhold. Caracteristici comparative„Metoda acțiunilor fizice” de Stanislavsky și „Biomecanica” de Meyerhold, utilizarea practică a principiilor sale de bază.

rezumat, adăugat 30.04.2017


Analiza motivelor emigrării lui Mihail Alexandrovici Cehov în Rusia. Caracteristicile perioadei Moscovei de viață și creativitate. Esența ideii viziunii interne a unui actor în sistemul lui Stanislavsky. Moștenirea lui Cehov în Teatrul de Vest. Tehnica actoriei.

rezumat, adăugat 03.10.2012


Întoarcerea culturii emigrante în Rusia. Analiza creativității M.A Cehov, Moscova și etapele sale străine. Experimente de studio: de la sistemul lui Stanislavsky la metoda lui Cehov. Cărți despre tehnici de actorie. Moștenirea lui Cehov în teatrul occidental.

rezumat, adăugat 04.05.2012


Sistem aplicare practică„metoda acțiunilor fizice” – ultima descoperire a marelui reformator al scenei. Schema pas cu pas lucrare la piesa de teatru, dezvoltată la orele lui Stanislavski. Cursuri practice de predare a abilităților actoricești.

tutorial, adăugat 11/04/2014


Tendințe în arta teatrală în Rusia la sfârșitul secolului al XIX-lea – începutul secolului al XX-lea. Principalele etape ale formării Teatrului de Artă din Moscova, acceptarea acestuia de către public, spectacole. Sistemul K.S. Stanislavsky, principalele sale prevederi, construcția eficientă a spectacolului.

lucrare curs, adaugat 28.09.2015


Biografia și activitățile lui Vsevolod Meyerhold - regizor rus, actor, profesor și artistul oamenilor Rusia, unul dintre reformatorii de teatru ai secolului al XX-lea. Vederi estetice și preferințe artistice ale lui Evgeny Vakhtangov. Calea creativă M. Cehov.

lucrare de curs, adăugată 25.11.2011


Calea vieții actor, regizor, profesor și creatorul sistemului actoricesc Stanislavsky. Formularea sarcinilor noii afaceri teatrale și a programului de implementare a acestora. Dezvoltarea unui sistem de creativitate publică a unui actor. Nașterea Teatrului de Artă din Moscova și opera sa.

---